Tokyôland est une BD qui ne paye pas de mine a priori et sans un « coup de coeur » du libraire du coin, nous serions sans doute passés à côté. Ne faites pas comme nous ! Benjamin Reiss, diplômé de l’École Émile Cohl de Lyon, nous raconte (sans doute en grande partie auto-biographique) sa vie lorsqu’il habitait au Japon… jusqu’à ce que son visa expire et qu’il doive rebrousser chemin. Lorsqu’on lui pose la question « pourquoi es-tu venu au Japon? », il a bien du mal à répondre.Tokyôland est sans doute là pour tenter d’apporter les premiers éléments de réponse. A force, l’auteur a biensûr fini par se poser les mêmes questions.

Parvenir à aller vivre au Japon, trouver un travail et pratiquer la langue avant même d’avoir poser les pieds sur l’île tant convoitée – tout cela de manière autodidacte – est déjà un sacré challenge. Et cela méritait bien une BD en guise de carnet de voyage. Une BD qui se révèle également comme un challenge brillamment relevé puisqu’on a plus qu’hésité à vous la signaler comme LA BD du moment : quasi-culte !

A défaut, ce sera notre gros coup de coeur du mois de juin. La BD que vous ne devez pas rater si vous vous intéressez de près ou de loin au Japon ou aux voyages initiatiques à l’autre bout du monde (on espère que Comarin, administrateur de Publik’Art vivant actuellement au Japon, aura l’occasion de tomber dessus un jour ou l’autre).

Certes, l’univers graphique de l’auteur peut paraître très basique de prime abord mais il dégage grâce à cela une force authentique loin des standards européens qui marque l’esprit comme l’ambiance générale de l’oeuvre. Un style finalement assez proche des mangas (on y parle d’ailleurs pas mal mangaka, forcément). Nous ne voudrions pas vous dévoiler quoique ce soit d’autre de l’histoire tant elle vaut la peine d’être pleinement vécue. Ne faîtes pas attention à l’aspect simplet des dessins. Ces derniers se révèleront en fait très bien pensés et étudiés pour que chaque trait de personnage reflète son caractère. Une expérience unique qui se doit d’être tentée par tout bon lecteur de BD !

- E. -

Jirô Taniguchi, très cher à Publik’Art (autant vous dire immédiatement qu’il nous est très difficile d’être impartial tant notre admiration est grande) a sorti son dernier manga chez Caterman : Un zoo en hiver. C’est tout chaud, on vient de le lire et on le regrette déjà. On vous en avait parlé dans ce billet mais on vous rappelle quand même son petit résumé :

Le jeune Hamaguchi, employé d’une société de textile en gros dans les années 60, n’a pas la fibre de la plupart des gens de son âge. Plutôt que de fréquenter les clubs de sport, il préfère assouvir sa passion du dessin en allant croquer sur le vif les animaux du zoo de la ville.
Mais même ce dérivatif ne suffit pas à combattre l’ennui qu’il ressent. Dès l’année suivante, sollicité par un ami de lycée, Hamaguchi part pour la capitale, Tôkyô. C’est là, un peu par hasard, que sa route croise celle d’une communauté professionnelle un peu particulière: celle des auteurs de bande dessinée, les mangakas…

D’abord, le contexte de l’histoire pourrait laisser croire à un récit autobiographique. Il ne semble pas néanmoins que ce soit le cas, mais on peut toujours se permettre de dire que Taniguchi s’est sans doute fortement inspiré de son propre vécu de jeune mangaka. Si Hamaguchi devient assistant de mangaka, ce n’est  pas pour dessiner des mangas érotiques mais des shonen (manga d’aventure pour les jeunes) à la différence de Taniguchi à ses débuts (pour ceux qui l’ignoraient encore, c’est avec les mangas érotiques que la plupart commence pour avoir un peu d’argent).

Ensuite, l’histoire en elle-même est abordée avec toujours autant de délicatesse. Le temps de la lecture est suspendu comme au dessus d’un jardin japonais. Du zen  que l’on respire dans un zoo d’hiver bercé de mélancolie. La narration est toujours subjective (le lecteur est Hamaguchi) intimiste et introspective. On s’identifie sans mal au personnage, comme d’habitude. Les graphismes sont également au rendez-vous, à la fois simplistes et diablement détaillés. Un paradoxe réservé à Taniguchi.

L’histoire permet notamment de se faire une idée de la vie d’un mangaka qui ne vit que pour sa publication, oublie de dormir  et ne fait qu’un avec son équipe d’assistants qui suivent exactement le même rythme (si ce n’est plus soutenu). Une vision de l’industrie du manga pas toujours optimiste puisqu’elle peut faire peur tant elle accapare la vie de ces mangakas. On a enfin une vue interne de ce monde si lointain du nôtre. Un monde où la valeur travail est défendue avec la plus grande ferveur. Outre ce petit voyage fort dépaysant, Taniguchi nous offre un début et une fin d’histoire plutôt fleur bleue et dont on aurait bien volontier pu se passer… Heureusement, la fin n’est que suggérée [spoiler : j'espère que la fifille n'a pas tardé à mourir après ça] et on peut tenter de se convaincre qu’elle n’est pas forcément heureuse. Quoiqu’il en soit, on attend déjà le prochain Taniguchi !

C’est avec une virginité innocente et inexpérimentée que je me suis risqué à aborder le monde du comics japonais – incarné ici par Inio Asano déjà Publik’-plébiscité (Solanin, Le champ de l’arc en ciel). Une chance inouïe que de se procurer un one shot dans un univers de mangakas pressurés à la vélocité non quantifiable tant elle dépasse les limites du système métrique. Une chance provoquée par un Spécial price remporté sur un website de bonne facture dont j’ai oublié la Publik’dénomination.

Le très jeune Inio (on peut le dire, est de la même année que moi !) nous offre un peu plus de 200 pages structurées sous forme de chapitres tous imbriqués autour d’un quartier dont les tours froides s’érigent en maître. Une construction très originale qui met bas à des jeunes en déperdition ou en quête de self-compréhension. Le jeune Tasuku, abandonné à lui-même, s’adonne à des pratiques amorales à la rétribution probablement dérisoire mais vitale et se lie fatalement à la petite Haruko – perdue et anéantie par un mal mystérieux. On citera aussi le sourire sordide et malformé de Hôichi qui vit avec le oisif castré Satoshi apeuré et reclus avec la très jeune Momoko, muette face à un futur au vide angoissant. D’autres Tokyoites de la jeune génération viennent s’illustrer pour faire circuler l’air du quartier étouffant et transporter un monument de phéromones sensitifs à l’émotion contagieuse.

Inio Asano couche sur papier une remarquable magie vivante à l’implication interpellante. Le lecteur arrive à palper le malaise émanant de ce quartier baignant dans une lumière divine sous une chaleur démoniaque. Un Tokyo loin des clichés de la modernité écrasante et humanisée au contexte rassurant de la réussite technologique. Personnellement, j’ai senti à travers ces planches une obsession du béton et de la déshumanisation de l’individu comme chez Tsukamoto au cinéma. Une force noire aussi présente qu’anihilante à l’espèce humaine – toujours plus mouvante à l’éthique et l’évolution diformes et surtout antinaturelles.

C.

Au fait, le website de qualité, ça m’est revenu : on l’appelle Publik’Art, allez faire un tour – vous ne risquez pas d’être déçus, ça grouille de bonnes gens !

Stand Alone Complex est à l’origine une série TV de deux saisons de 26 épisodes chacune. Tirée de l’oeuvre de Masamune Shirow, créateur originel de l’univers de Ghost in the Shell (l’image ci-dessus vient de la saison 2 : 2nd GIG ; plus d’infos sur ces séries ici), S.A.C. a été ensuite adaptée au cinéma à plusieurs reprises. La production de cette série TV a été confiée au studio Production I.G (Patlabor 1 & 2, IGPX et la séquence animée de Kill Bill Vol. 1) et a été réalisée par Kenji Kamiyama. Mais pour faire les choses dans les règles de l’art, Masamune Shirow a fourni l’idée originale de la série ce qui donne une cohérence d’autant plus forte entre cette série, les manga et les longs métrages cinéma. Une certaine unité entre les diverses adaptations, et adaptations d’adaptation, qui est plus que satisfaisante.

Stand Alone Complex désigne les deux forces contradictoires qui s’exercent sur tout individu : d’une part, la volonté d’affirmation de soi (stand alone), d’autre part, la volonté de s’intégrer dans un ensemble plus grand (complex). Ce mécanisme est décrit par Arthur Koestler dans Le cheval dans la locomotive (en). La technologie des cyber-cerveaux, facilitant la connexion entre les individus, accroît ce phénomène.

Le film le Rieur est un condensé de la première saison (c’est en tout cas ce qu’on a cru comprendre). Petite particularité dans la réalisation du long-métrage : le montage a précédé la phase de création des dialogues. Le réalisateur a monté entièrement le film à partir des images de la série et a décidé seulement ensuite d’y ajouter les dialogues qu’il a modifiés par rapport à la série. En montant le film, il avouera - dans une interview disponible dans les bonus du DVD – avoir modifié le sens et la portée de certains points, ne cachant pas sa frustration. Mais, n’ayant pas vu la série TV, nous n’avons bien sûr ressenti aucune gêne sur ce point.

Après cette longue mais nécessaire introduction, nous vous précisons qu’un coffret de trois DVD – films vient de sortir chez Beez (l’éditeur qui s’est notamment lancé dans la distribution cinéma avec Sword of the Stranger) compilant ainsi Le Rieur, Solid State Society et Les 11 individuels (pour ce dernier on retrouve Mamoru Oshii, auteur des deux longs métrages qui ont fait la renommée de Ghost in the Shell).

Mais aujourd’hui, on ne s’attardera que sur le premier d’entre eux : le Rieur. Et si l’on ne sait pas qu’il s’agit d’une vulgaire compilation de série de 2h40, on ne peut le deviner du premier coup d’oeil. Imaginez ma désillusion lorsque j’ai appri ça… Un peu floué par une réalisation quasi irréprochable. Un film qui respecte très bien l’univers de Ghost in the Shell tout en proposant une histoire nouvelle. Ce condensé est très bien rendu et ne semble impacter le scénario que positivement. Le montage est donc sacrément bien réussi et l’histoire est aussi nébuleuse que ce à quoi nous avait habitués Mamoru Oshii, les fans ne seront pas déçus.

Avec ces zones d’ombres et de mystères en suspens, le film ne manque pas d’intérêt. Mais il a lui même ses petits défauts qui le feront moins briller. On pense surtout à la bande originale. Sa compositrice (qui semble être celle des films originels) argue qu’elle souhaitait aérer l’animation par une bande son légère du fait de la lourdeur que peut avoir une série. Malheureusement, on regrettera plus qu’autre chose l’atmosphère justement lourde dégagée par Ghost in the Shell. En collant des morceaux au rythme soutenu proches d’un son rock ou électro-punk, on dénature à notre sens toute la poésie ambiante d’un Ghost in the Shell. Dans Stand Alone Complex, le Rieur, la poésie ne semble pas avoir sa place…

Du point de vue de l’imagerie, et ce sera nos dernières lignes, l’animé est suffisant. Il se contente du minimum de ce que l’on peut attendre d’un film. Simple conséquence d’un remontage de série TV de moins bonne facture qu’un long métrage digne de ce nom (et de cette production).

Stand Alone Complex, le Rieur est au final un très bon film qui se regarde bien volontier. Mais difficile de faire abstraction de certains fantasmes inassouvis comme celui de visionner une oeuvre totalement inédite, le plaisir d’une bande son totalement planante ou encore l’expérience d’une animation plus aboutie…

E.

Nous avions eu une petite joute commentairesque sur les méfaits/bienfaits du fansubbing en France. Mon sentiment personnel était que face à ce phénomène, l’industrie de l’animé devait avant tout réagir en proposant des services innovants d’accès  aux animés. Et bien c’est chose faite! En effet, Dybex , distributeur majeur du marché francophone a trouvé une bonne parade. Il propose ainsi ce qu’ils appellent du simultcast, en partenariat avec Dailymotion ils proposent ainsi la diffusion des épisodes de la série Full Metal Alchimist Brotherhood gratuitement la semaine suivant leur diffusion au Japon. Ils nous offrent donc à la fois de découvrir la série gratuitement (non négligeable), sans avoir à attendre 6 mois après la diffusion Japonaise et ceci en totale légalité. Je ne peux qu’applaudir cette décision qui va probablement s’avérer être un gros succés. Donc Bravo Dybex !!

x !!!

Je vous laisse découvrir la série, 4 épisodes parus pour le moment:

A noter que la série est disponible uniquement depuis les pays européens francophones. Je n’ai donc pas pu les regarder (oui j’ai la mort), je ne peux par conséquent pas vous en dire plus sur la qualité de la video/de l’animé. Mais bon matage et bonne découverte !!!

CoMaRin

[EDIT] : Les épisodes seront mis en ligne sur Publik’Art au fur et à mesure de leur diffusion par Dybex. Vous pourrez toutes les retrouver ici !

Jirô Taniguchi (Le Sommet des Dieux, Quartier Lointain) a été dernièrement publié avec Blanco, oeuvre commencée en 1996 et inspirée  d’Ernest Thompson Seton, célèbre naturaliste états-unien, né en 1860 et mort en 1946. Il avait du stopper son histoire à l’époque en cours de publication  au Japon. Il revient donc sur ce petit raté à travers une nouvelle publication de Blanco qui lui permet de parachever son récit en quatre tomes.

Une ancienne légende inuit raconte qu’une fois tous les sept ans, les esprits de toutes les proies abattues par les chasseurs se réincarnent dans un être surpuissant à l’apparence d’un chien blanc, venu enlever la vie des hommes.
Hiver 1989, Alaska. Deux chasseurs sont attaqués par un chien blanc à la tête d’une meute de loups. Victime d’un assaut extraordinaire de la bête, l’un des deux hommes est tué sur le coup. Par la suite, l’armée américaine met secrètement la tête de l’animal à prix auprès de trappeurs chevronnés. Une chasse est lancée et un carnage a bien lieu : celui de tous les braconniers. Une poursuite acharnée s’engage alors contre ce prédateur…
Quel secret se cache derrière ce simple chien blanc pourtant si redoutable ? Légende maléfique ou secret militaire bien gardé ?

Blanco n’est pas sans rappeler Seton, un autre manga du même auteur autour de la vie et des récits d’Ernest Thompson Seton (publié pour la première fois bien plus récemment: en 2005). Une même source d’inspiration et un même hymne à la nature sauvage. Mais là où les ressemblances peuvent devenir génantes, c’est que le premier livre des aventures de Seton s’intitulait Lobo, le roi des Loups… Un même thème, une même inspiration et un même sujet : le chien/loup. Nous n’avons pas pu nous empêcher de comparer ces deux mangas… 

D’un point de vue scénaristique, Blanco s’inscrit dans un genre que l’on ne connaissait pas encore parmi ceux de Taniguchi. Le suspens, l’action et  le complot. Un polar (polaire) où les bombes explosent comme les voûtes crâniennes, fracassées à coup de fusil ou perforées sous les crocs d’un Chien vengeur et ravageur. Une oeuvre sanglante, donc, qui surprend l’habitué aux récits « pépères » de Taniguchi. Ce peut être une bonne passerelle pour tous ceux qui ne peuvent se passer d’action tout en étant ouverts à des expériences moins mouvementées et plus profondes. Côté scénario, pas grand chose à voir avec Seton – Lobo, le roi des Loups (ou le livre 1 de Seton) qui était plus axé drame.

Les dessins sont malheureusement assez décevants. Il semble qu’aucune retouche n’a été faite et les détails, s’ils sont là, ne sont pas ceux auxquels Maître Taniguchi nous a habitué. On devine un style d’il y a quelques treize années… En comparaison, les traits de Seton – Lobo, le roi des Loups surpassaient largement nos attentes, ils étaient tout simplement magnifiques.

 Blanco présente un univers Taniguchi nouveau : celui de l’action et du complot. Mais il le fait peut-être par le biais d’un autre trop connu de Taniguchi: le naturalisme de Seton. Une quadrilogie à suivre malgré les quelques faiblesses qu’elle peut présenter.

E.

Malinky Robot est un OVNI de la planète BD. Il ne s’agit ni d’un  comics, ni d’un manga et encore moins d’une BD stricto sensu. L’univers développé par Sonny Liew se situe exactement au croisement de ces différents genres. Et pour cause, Sonny Liew lui-même s’est construit en voyageant à travers le monde comme pour puiser dans chacune des cultures qu’il a pu rencontrer. L’éditeur – Paquet -  nous le présente comme un jeune auteur, originaire de Malaisie, diplômé de philosophie à Cambridge et de dessin à Rhodes Island, ancien élève de Mazzuchelli et de Jon Foster, vivant à Singapour et régulièrement publié aux Etats-Unis chez DC Vetigo, DC Minx et SLG. Un auteur nominé pour le prestigieux Eisner Award du meilleur dessinateur en 2007.

De quoi inviter le lecteur à s’aventurer attentivement dans cette nouveauté aux allures de perle rare. En ouvrant ce petit relié au format comics, l’oeil attentif dévorera ces dessins aux couleurs pastels et l’on sentira une douce chaleur nous souffler dans la nuque (?). Des dessins sublimés par un univers unique: le Tokyo de demain (décidément, on vous le dit, Sonny Liew aime voyager). Une ambiance légère et bien heureuse.

L’auteur a choisi de mettre en scène deux personnages centraux, Atari et Oliver qui partent rejoindre à vélo leur ami vivant dans la campagne verdoyante des alentours. L’école n’est pas une priorité. Les deux compères ont l’innocence des débuts de l’existence, rêvent de robots et s’émerveillent de tout. Le style graphique changera radicalement avec la narration lorsqu’on nous amène dans les délires imaginaires des enfants.

Sous forme de saynètes d’à peine une dizaine de pages, Sonny Liew ne parvient cependant pas à émouvoir. Il ne se dégage rien de l’ensemble malgré cette forte cohérence graphique. On dénote l’inexistence totale d’un quelconque scénario à l’intérieur, même, de ces petites histoires. Elles ne sont pas forcément liées entre elles et n’ont aucun intérêt. Ce sont plutôt des descriptions sans suite d’événements anodins. La vie. Comme certaines critiques élogieuses l’arguent. Oui, mais la vie, c’est ennuyeux.

E.

On a réussi à vous trouver l’OST d’ Amer Beton, un animé magnifique et culte (http://publikart.net/amer-beton) à la musique électro très présente. C’est le groupe britannique  Plaid qu’il faut remercier. Et bien entendu l’équipe Publik’Art . A découvrir de toute urgence! Et on peut vous l’assurer, c’est encore mieux avec les images!

Bonne écoute à tous et bonne semaine à venir sur Publik’Art!

Tekkon Kinkreet (Amer Beton) OST

La Tour au delà des nuages, sorti au Japon en 2004 est la première oeuvre de Makoto Shinkai éditée en France (sortie DVD du 15 avril). On vous avait parlé de sa dernière oeuvre en date sortie au Japon (en 2008)  Byousoku 5 Centimenter ou la Magnificence extreme….. Et comme ce dernier chef d’oeuvre,  La Tour au delà des nuages réinvente l’animation japonnaise avec brio. Une prouesse graphique qui contribuera sans doute fortement à l’obtention d’un prix prestigieux (qui avait été notamment déjà attribué à l’illustre Princesse Mononoke): L’Animation Film Award lors de la 59e édition du Mainichi Film Concours.

Makoto Shinkai réalise donc avec le second projet animé de sa carrière (le premier s’appelait Hoshi no koe, ou autrement The Voice from a Distant Star) une belle performance qui le placera directement aux côtés des meilleurs réalisateurs du secteur. Mais c’est ici la première fois qu’il s’entoure d’une équipe (pour Hoshi no koe, le Monsieur avait tout fait lui-même). Ce sont ainsi Ushio Tazawa pour le dessin des poses clefs, et Takumi Tanji pour les décors qui se sont attachés à restituer avec attention l’univers si particulier de M.Shinkai. Un univers emprunt de douceur, de rêverie et de poésie. De ce point de vue, on ne peut que plébisciter le travail accompli.

Le spectateur est transporté. La tête au delà des nuages. Les couleurs sont surprenantes, mises en valeur par de fabuleux jeux de lumière. La lumière, griffe de M.Shinkai. Un atout redoutable : la lumière est partout. L’auteur la façonne avec une aisance incroyable. Elle inonde chaque plan du story board. Les images sont d’une beauté qui en devient éblouissante. C’est tout simplement splendide. Mais la qualité du dessin n’est pas seule. Il y a aussi celle du découpage et du cadrage. Les plans adoptent des vues inédites qui ajoutent beaucoup de poésie à la mise en scène. Un style novateur très soigné, jusque dans les moindres détails.

Ces belles images sont accompagnées d’une bande son classique, composée de morceaux de pianos, violons et autres. Réalisée par Tenmon, compositeur collaborant avec M.Shinkai depuis ses débuts. Son style se rapproche beaucoup de ce que l’on peut entendre en visionnant un Miyasaki et érode donc légèrement le côté novateur du film. On le regrette presque. On avait par exemple adoré l’OST d’ Amer Beton qui parachevait subtilement la révolution animée du long métrage. Un petit manque de cran de M.Shinkai là où une bande son peut souvent se révéler  fondamentale.

De magnifiques dessins, des plans appuyés sublimes, une bande originale pas si originale que ça mais ce n’est pas tout. Faut-il encore s’intéresser au scénario. Et pour l’aborder franchement, c’est un peu là que le bât blesse. L’histoire est bourrée de romantisme mais ça n’est pas ce qui gêne. Au contraire. Cette aventure repose sur une promesse légère faite entre collégiens (se connaissant à peine) qui se perdront de vue… Mais ils tiendront tous à respecter ce voeu pieux, quitte à risquer leur vie. Un peu trop de naïveté qui rend moins crédible l’ensemble. Une facilité ouvertement choisie jusque dans la fin très heureuse du film. C’est bien dommage. Quant à l’histoire globale, on dénote un petit manque de créativité, l’auteur ne creuse pas vraiment ses idées qui restent assez superficielles.

En conclusion, si le scénario plutôt fleur bleue ne va pas au-delà de nos espérances, la réalisation générale très pointilleuse de La Tour au delà des nuages est subjuguante et marque un tournant dans l’Histoire de l’animation. Il va falloir s’accrocher pour concurrencer de telles oeuvres. Une chose est sûre, on attend de pieds fermes de prochaines éditions griffées Makoto Shinkai.

E.