Marina Glorian rend hommage aux années folles au travers une Titi parisienne qui chante et joue sa quête de l’homme idéal , idéalement riche, dans un spectacle drôle et décalé.

A travers des textes de Jean Cocteau, Bernard Dimey, et des chansons d’Arletty, Jeanne Moreau ou Brigitte Fontaine, elle est Mitsou, une médinette très bling bling dont les amours fantasques, les déboires sentimentaux, les ambitions futiles finiront par l’abandonner à un un no man’s land affectif peuplé de rêveries alcoolisées et hanté par les ombres de ses amants passagers.

Et pour peindre cet univers réaliste mais aussi fantaisiste, la comédienne chanteuse est accompagnée par l’accordéon lyrique de Laurent Derache qui donne au spectacle une tonalité mélancolique et vivante où le répertoire illustre sous une forme enlevée, vive et désabusée, la vie de l’égérie assoiffée de liberté, d’insolence, et d’amour chimérique.

Avec une énergie très expressive, un jeu espiègle et un corps filiforme, Marina occupe l’espace pour incarner avec sa voix claire et sa gestuelle, la destinée mouvementée de Mitsou aux prises avec ses contradictions de femme fatale et sentimentale qui se charge puis se brise à la poursuite de l’homme inaccessible.

La mise en scène précise et chorégraphique de Vincent Coppin en jouant sur l’énergie, la spontanéité et la légèreté du personnage restitue son authenticité et sa fragilité où les variations du coeur répondent au soufflet emporté de l’accordéon.

Un show attendrissant où le Music-Hall imprime le tourbillon de la vie…

-Amaury Jacquet-

Théâtre Essaïon

Les Vendredis & Samedis à 21h30

Du 3 septembre au 23 octobre 2010

Loc : 01 42 78 46 42

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« Jacques Brel ou l’impossible rêve » est un spectacle musical conçu et mis en scène par André Nerman, comédien et chanteur. Il raconte le parcours hors norme et sans concession de l’artiste pour qui l’exigence et la puissance évocatrice des mots étaient à l’image de sa vie : exaltée, démesurée et libre.

Ses interprétations étaient de véritables marathons et rarement un chanteur n’a exprimé ses rages et ses passions avec autant de sincérité et de gravité que Jacques Brel.

Et s’attaquer à un tel monument était un défi pour le moins risqué que relève parfaitement André Nerman qui, en ne cherchant pas à imiter Brel, théâtralise avec sensibilité et humilité à l’appui de son répertoire poétique, drôle, corrosif, déchirant, un destin héroïque et profondément humain.

Le récital retrace de manière chronologique l’itinéraire du poète au travers ses textes d’anthologie chantés, dits ou dansés et des extraits de conversation et d’interviews. Sur fond de piano et de guitare, elles égrènent son arrivée à Paris, ses rencontres artistiques, sa carrière, les femmes, le plat pays, ses convictions, ses doutes, ses voyages, sa quête d’absolu, la maladie, et la mort.

A l’instar d’une valse à trois temps : André Nerman incarne de sa présence scénique et infiniment sensible le grand Jacques où son interprétation portée par sa voix grave de « Amsterdam » atteint un sommet de vérité émotionnelle, Nelly Anne Rabas est la muse pétillante symbole de toutes les femmes qui ont traversé sa vie où en solo ( très émouvante dans son interprétation «  Quand on a que l’amour ») puis en duo, elle prête sa voix au personnage féminin ou encore sa silhouette, telle une ombre chinoise habitant l’éternel amoureux, Laurent Clergeau se fait le pianiste conteur et enjôleur de cette épopée furieusement vivante de celui qui chantait « Il y a le temps qui attend et le temps qui espère »…

Et l’œuvre universelle de Brel grâce à ces trois artistes s’éclaire de sa dimension chevaleresque et utopique où comme le dit Jean Malrieu « Si ta vie s’endort, risque là », un hommage on ne peut moins Brelien…

-Amaury Jacquet-

Théâtre Daunou jusqu’au 21 août 2010

du mercredi au samedi 20h

Loc : 01 42 61 69 14

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La Leçon est un « drame comique » écrit en 1950 par Ionesco, fondateur du théâtre de l’Absurde qui tend à éliminer tout déterminisme logique, à nier le pouvoir de communication du langage pour le restreindre à une fonction purement récréative grâce à un univers parodique, et à réduire les personnages à des archétypes, égarés dans un monde anonyme et incompréhensible.

Et en parodiant une technique d’enseignement et sa forme de pouvoir au travers celui d’un maître sur son élève, ce n’est pas tel ou tel professeur qui est visé par l’auteur, mais l’incarnation d’une abstraction, un simple rôle qui lui confère une dimension universelle.

Dans une petite ville de province, une élève désireuse de se présenter au « doctorat total » vient prendre un cours particulier. La leçon commence, loufoque, mêlant mathématiques élémentaires et sciences du langage, malgré les objurgations de la bonne « La philologie mène au pire ». Le professeur, d’abord sur la défensive et obséquieux, mais bientôt grisé par l’exercice de son savoir ainsi que par un discours délirant, réduit peu à peu son élève – séduite et candide -  à une absolue soumission jusqu’à son dénouement tragique.

La pièce se résume à un seul acte sans découpage en scènes. L’action, simple, comporte peu de péripéties mais un prologue sur un ton badin et dérisoire puis un développement progressif au cours duquel les rapports se densifient et se complexifient. L’atmosphère devient de plus en plus lourde et angoissante où le professeur en vampirisant son élève marque son emprise dominatrice. La bachelière, après une passagère résistance, tombe alors dans la mollesse alors que lui au contraire devient de plus en plus assuré et autoritaire, révélant ainsi le monstre qui gît en lui et qu’une situation de domination suffit à rendre explosif. Et cette allégorie du pouvoir que prend un être humain sur un autre est totalement transposable à tout système dictatorial.

La mise en scène précise et ludique de Samuel Sené tout en étant fidèle au texte lui insuffle un ton original où l’ambiguïté séductrice des protagonistes et le pouvoir sadomasochiste qu’elle recèle n’en est que plus démonstratif et transgressif.

Le dispositif scénique est réduit à quelques objets emblématiques et à un décor saugrenu composé de deux tableaux noirs et de cages d’oiseaux suspendues au mur. Elles renferment les traces du cérémonial morbide et participent mécaniquement à l’illogisme du discours et à la folie des situations constitutifs du rapport de force idéologique qui se joue entre le dominant et le dominé.

Les deux personnages face à face sur une table à bascule se révèlent appartenir à deux mondes différents : l’un, dominateur, violent, s’obstine à enseigner une matière incompréhensible à l’autre, rabaissée, qui ne désire pas écouter, totalement centrée sur sa propre personne. Cette « possession » de l’autre par l’autorité du langage et du savoir se charge inexorablement d’humiliation et de sadisme.

Par le jeu de deux tabourets est souligné symboliquement la différence de statut qui marque une mise en espace parfaite par la prise du pouvoir du professeur sur l’élève en faisant évoluer à dessein leurs assises respectives. Cette scénographie et les lumières (Franck Seigneuric) accompagnent méthodiquement la transition vers l’inéluctable et la scène fatale en est une illustration visuelle et sensorielle particulièrement réussie et dévastatrice.

Les comédiens sont tous excellents où chacun participe à la montée annonciatrice et menaçante de la pulsion perverse et dramatique. Jacques Verzier, en professeur introverti et sadique est très juste où le dédoublement de sa personnalité offre un jeu très machiavélique. Face à lui, Claire Baradat est parfaite en jeune fille superficielle et sotte, un temps rebelle puis résignée, et réceptacle de toutes les humiliations. Enfin Marie-France Santon, dans le rôle de la bonne, est une observatrice inquiétante et complice.

Cette leçon très particulière est à redécouvrir où le dramaturge dénonce les dérives perverses de tout pouvoir et dont le constat saisissant n’a rien perdu de son acuité…

-Amaury Jacquet-

Théâtre Lucernaire (20h du mardi au samedi) jusqu’au 17 octobre 2010.

loc : 01 45 44 57 34

www.lucernaire.fr

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« Fame – le musical » inspiré du film éponyme et de la série télévisée culte des années 80 (on s’en souvient tous) revient à Paris dans une version entièrement française adaptée par Stéphane Laporte (Le roi lion) et Danielle Mathieu-Bouillon pour un show survolté et passionné.

L’histoire défile quatre années d’apprentissages (chant, danse, musique, théâtre) par un groupe d’élèves issus de milieux sociaux et de cultures différents à la Hight Scool of Performing Arts of New York où leurs ambitions, leurs rêves, leurs espoirs, leurs désillusions se confrontent et se complètent.
Et cette trame narrative permet de décliner dans une dynamique juvénile des dialogues entre les personnages, des séquences musicales enjouées et d’incarner des artistes en devenir désireux d’apprendre et de réussir avec pour cadre une école très actor studio.

On s’immerge alors au cœur de la vie de l’école pour suivre avec intensité, mais aussi avec humour et dérision, les premiers pas artistiques des protagonistes avec leurs professeurs (parfait Eric Chantelauze en prof de théâtre), les rapports avec leurs condisciples où des histoires de coeur se tissent et leur combat quotidien avec eux-même pour s’affirmer, se reconnaître et mériter sa place.

La mise en scène de Ned Grujic réussit l’articulation et l’enchainement entre les scènes parlées et musicales avec fluidité. En imprimant une vraie liberté dans le jeu, elle colle aux situations et à leur improvisation propres à la narration avec des moments de surprise et offre aussi quelques beaux tableaux grâce à la projection de scènes filmées simultanément sur un écran.

Pas moins d’une vingtaine d’artistes participent au spectacle et déploient une énergie communicative emportés par la tête de classe et très charismatique, Carole Deffit. Les danseurs sur une musique générationnelle servent des numéros à la fois sportifs et chorégraphiques signés Raphaël Kaney Duverger où des voix se dévoilent tout au long du spectacle avec des solos marquants.

Une comédie musicale made in France plaisante et entraînante dont l’air « Remember my name. Fame! I’m gonna live forever I’m gonna learn how to fly-high!  » n’est pas prêt de nous abandonner…

-Amaury Jacquet-

Casino de Paris jusqu’au 7 août 2010

loc 0 892 69 89 26

En tournée dans toute la France à partir de septembre

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Jean-Paul Audrain porte de tout son être le verbe d‘Oscar Wilde qu’il fait vivre de sa voix profonde dans un jeu juste et subtile. Son interprétation poignante et sensible confère à ce spectacle une vraie dimension.

De Profundis est une longue lettre exutoire qu’écrit Oscar Wilde à son jeune ami, son cher Bosie, qui l’a abandonné suite à sa condamnation à deux ans de travaux forcés pour homosexualité. Durant cette période, il est déclaré en faillite, sa mère meurt, sa femme divorce, ses enfants lui sont retirés par décision de justice. Il a tout perdu, même son nom, et devient le prisonnier C 33. L’auteur évoque dans cette missive le bilan de sa relation passionnelle et destructrice avec son amant, tout en dressant un constat sans concession de l’Angleterre puritaine du 19 ème siècle.

Dans une scénographie épurée, les éléments du décor évoluent et déclinent un univers poétique. Un mouchoir devient une fleur du désert, la couverture du prisonnier est devenue la cape du « Roi de L’art », un carré de poussière les murs d’une cellule ou les vestiges d’une vie ruinée. Une lumière tamisée enveloppe le comédien d’un clair-obscur et accentue la solitude de Wilde qu’Audrain joue seul en scène. D’un jeu d’une grande précision, il restitue par ses intonations vocales et ses déplacements, toute la souffrance charnelle et progressive de l’auteur.

Grâce à l’écriture, Oscar Wilde transcende au fil de cet échange espistolaire sa blessure et son ressentiment. Il s’ouvre alors à une réflexion philosophique sur le sens de la vie où l’amour rédempteur triomphe et affirme sa croyance en la condition humaine.

L’adaptation et la mise en scène qui nous sont proposées par Grégoire Couette-Jourdain mettent en exergue le texte et l’interprétation très intense du comédien. Captif à chaque mot, le spectateur suit alors la progression rédemptrice de ce témoignage et s’imprègne de sa profondeur. La sobriété de la mise en scène laisse à l’acteur tout l’espace pour s’approprier pleinement les modulations du texte, offrant ainsi au public autant d’émotion que de réflexion.

La performance que livre Jean-Paul Audrain dans une forme de dénuement renvoie très justement à l’essence même des mots et leur élévation : « Le vice suprême est d’être superficiel. Tout ce qui est compris est bien. Souviens-toi aussi que ce qui est pour toi souffrance à lire est pour moi misère plus grande encore à écrire ».

Une confession spirituelle qui figure parmi les plus belles pages de Wilde…

-Amaury Jacquet-

Théâtre Lucernaire jusqu’au 16/10/10 à 18h30

loc 01 42 22 26 50

www.lucernaire.fr

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Dans cette pièce qui est la plus connue de Koltès, deux comédiens s’affrontent autour d’un accord indicible, le désir. Laurent Ciavatti et Delry Guyon interprètent avec conviction ce texte fort aux accents métaphoriques. Dans une mise en scène habile et vive, les mots fusent et résonnent au combat des deux hommes.

Le spectacle s’ouvre durant quelques instants par la projection en ombre chinoise des silhouettes des deux acteurs qui s’abordent. L’un est le vendeur d’une marchandise mystérieuse qu’il refuse de dévoiler, l’autre l’acheteur est en prise avec un désir secret qu’il refuse de nommer.

La transaction commerciale est la métaphore du conflit entre les protagonistes et traite du rapport entre le dominant et le dominé. Dans cette conjonction, les deux hommes tour à tour se cherchent, se séduisent, s’esquivent et s’opposent.

Le dispositif scénographique marque très justement l’opacité du rapport de force qui se joue. Il souligne aussi sa progression dramatique par l’apparition brutale et en pleine lumière des deux personnages. Puis, les joutes verbales sont introduites au fur et à mesure du déroulement de la pièce par l’indication sur un écran vidéo des sept pêchés capitaux. Cette précision scénique vient rythmer le dialogue brûlant qui se noue et se charge de complexité, d’emportement, de légèreté voire d’humour.

Un duo endiablé se fait jour porté par un duel verbal dans une langue imagée qui se nourrit d’une stratégie de séduction et d’intimidation. Les répliques sont, en apparence, explicites et crues, mais en fait elles sont sujettes pour le spectateur à une interprétation. Elles suggèrent toute une représentation de l’interdit, du secret, où la mauvaise foi, les ruses et les dénis sont présents, sans être immédiatement perceptibles.

On est saisi par le jeu des corps entre les deux partenaires-adversaires du dialogue. Au-delà du texte même très poétique et rythmique, ce sont par leur mouvements, leur rapprochements et leur distance que se décodent  les pulsions, les manipulations, les mensonges et les rapports de force des deux personnages. L’un prétend « je suis capable de vous éblouir de mes non ! » l’autre rétorque « toutes les sortes de oui, je les sais ! ».

De ce contact viril et intense entre le dealer (Laurent Ciavatti) et le client (Delry Guyon), excellents, le public perçoit la tension dramatique qui va du désir à l’hostilité puis tend jusqu’à l’extrême précarité des relations humaines qui en découle.

Le décor et la lumière évoquent une ambiance urbaine et accentuent la résonance des propos de l’écrivain. La réussite de la mise en scène permet sans conteste aux acteurs de s’approprier la langue de Koltès et d’en faciliter la substance métaphorique. C’est le pari de ce spectacle capable de toucher un large public…

-Amaury Jacquet-

Avignon – Avignon OFF jusqu’au 31 juillet 2010 à 18 h

Théâtre du Vieux Balancier 2, rue d’Amphoux 84000 Avigon

Tél : 0490824191

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Jean-Louis Martinelli, directeur du théâtre de Nanterre-Amandiers, met en scène magistralement le seul roman d’Eugène Ionesco, le Solitaire (livre de chevet de Michel Houellebecq), interprété par François Marthouret. Une traversée existentielle amusée et dense, en cinq mouvements, cinq parties, cinq couleurs, qui interroge le destin d’un homme et nous plonge au coeur de sa vie : un vide crépusculaire.

Il est temps de se retirer de la vie, pense le personnage du Solitaire. Ce modeste employé fait un héritage qui lui donne la possibilité de ne plus travailler. « Il ne lui reste plus désormais qu’à essayer de goûter la vie, c’est-à-dire, pour lui, de faire l’apprentissage de la mort. » Il achète un appartement et déjeune tous les jours au même restaurant. Son observation angoissée et quotidienne du monde le conduit alors à s’étonner de l’agitation de ses contemporains et de leur nécessité à avoir des sentiments, des opinions et des combats car « Rien n’est grave puisque tout passe ou plutôt s’éloigne » assène t-il.

Et cet homme qui se livre dans la solitude de sa chambre à des imprécations métaphysiques sur l’incompréhension de l’univers se part d’une dimension mystique où son renoncement à la vie est l’expression même d’un signe incantatoire et miraculeux de vouloir y croire encore. « Il me semblait que quelque chose bougeait en moi… l’envie de bouger… peut-être que des choses étaient encore possibles. »

La lumière et sa métaphore font partie intégrante de cette adaptation où le metteur en scène Jean-Louis Martinelli et son éclairagiste Jean-Marc Skatchko l’utilisent pour séquencer les états d’âme de cet anti-héros inadapté, méditatif et intranquille. Un halo tantôt jaune, vert, rouge, bleu et blanc irradie une fenêtre vide et installe sur le plateau une impression irréelle à l’instar de la conscience et de ses divagations, porteuses de fulgurances ou de non sens.

Dans un décor monacal qui reconstitue une chambre, François Marthouret, avec son timbre suave à la diction ultraprécise, s’approprie la langue du poète et sa solitude mise en abîme dans un jeu juste et distancié où entre effroi, sursauts de colère, d’humanité, d’ironie mordante, il est cet émouvant nihiliste candide…

-Amaury Jacquet-

Théâtre de la Madeleine jusqu’au 31 juillet 2010

loc : 01 42 65 07 09 ou 0 892 68 36 22

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1. La Leçon d’Eugène Ionesco mise en scène de Samuel Sené

« Le premier souvenir que j’ai de ma mère, c’est quand j’avais quatre ou cinq ans. Elle nous appelle mes deux frères et moi, pour le dîner, en disant : «Les garçons et Guillaume, à table !» et la dernière fois que je lui ai parlé au téléphone il y a deux jours, elle raccroche en me disant : « Je t’embrasse ma chérie ». Disons qu’entre ces deux phrases, il y a quelques malentendus ».

Et de ce trouble identitaire entretenu par sa génitrice et intériorisé par le fils pour lui plaire, Guillaume Gallienne (révélation théâtrale aux Molières 2010) en a écrit un spectacle subtil, drôle et intime porté par un sens du jeu aérien, fin, volubile, gourmand et distancié qui transcende par l’humour sa vérité et ses blessures.

Au travers une galerie de portraits et de situations désopilantes, il évoque sa quête initiatique et le regard des autres porté sur ce garçon pas comme les autres, avec une bienveillance pleine d’autodérision, de satire, et de sensibilité, jusqu’au dénouement final où il parviendra à reconnaître enfin l’homme qui est en lui.

D’un séjour linguistique en Espagne où il se retrouve à danser la sévillanne comme une fille, en passant par les internats de garçons et les brimades viriles, à son incarnation dans sa chambre de Sissi Impératrice surprise par son père, à l’évocation de la visite médicale entraînant sa réformation du service militaire, à une cure mémorable en Bavière ordonnée sur un malentendu et sa prise en main par un kiné diabolique ou encore sa méprise avec un suédois « monté comme un cheval » qui tourne au fiasco, il assume  tous les rôles sans aucune complaisance.

A l’instar d’un pierrot lunaire, il nous touche avec ses prises de conscience déroutantes qui se heurtent au jugement définitif de son entourage.

On y croise sa mère autoritaire et omniprésente (la féminité par excellence), sa grand-mère russe chevaleresque, ses tantes borderline, son père distant, ses frères sportifs et ce milieu bourgeois dont il est le clone trop bien élevé qu’il croque comme personne.

Il évite les facilités et les pièges de l’exercice en restituant un regard tendre et théâtral sur ses personnages dont la résonance sensible, pétillante, risquée, lumineuse, mélancolique, fantasque, slave et affranchie, impose sa carrure Galliennéenne…

-Amaury Jacquet-

Athénée Théâtre Louis-Jouvet jusqu’au 17 juillet 2010

Sur liste d’attente sur place, une heure avant la représentation

Représentation gratuite le 14 juillet 2010 à 15 h billets à retirer

au théâtre une heure avant dans la limite des places disponibles

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du 7 au 25 juillet 2010

Crypte St. Joseph des Brotteaux – 99, rue Crillon. 69006 – Lyon
Réservations : 06.15.58.06.72
www.cie.michel-beatrix.over-blog.com

mercredi : 19h – jeudi, vendredi, samedi : 21h – dimanche : 17h

Photo : Ferruccio Nuzzo

« CLAUDEL A LYON… DE TOUTE URGENCE !

Du théâtre. Du très bon. Du comme-ça-devrait-toujours-être : dépoussiéré et physique, entièrement sur le bout de la langue. Rarement entendu un texte aussi dur à l’égard de la famille. Aussi fort. La distribution est ad hoc. Et le public en état de choc après chaque représentation. » (propos recueillis de Frédéric Houdaher).

Mise en scène : Michel Béatrix
Avec Natasha Bezriche

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Les « Femmes savantes », comédie piquante écrite en alexandrins où Molière se moque de leur savoir soumis au dogme des apparences et de la superficialité, sont revisitées avec brio et une énergie communicative par la troupe les Compagnons de la Chimère, au coté de l’illustre Jean-Laurent Cochet.

La pièce raconte l’histoire d’une famille déchirée en deux, où la mère (Philaminte), sa belle-sœur (Bélise), et une de ses deux filles (Armande) sont sous l’emprise d’un bel esprit fat et calculateur (Trissotin). Ce dernier, beau parleur, les subjugue de ses poèmes et savoirs pédants dont l’intérêt est de s’intéresser plus à l’argent de la famille qu’à l’érudition des trois femmes. Cette situation désespère le mari de Philaminte (Chrysale), son frère (Ariste) et la cadette des filles (Henriette).
Pendant longtemps, Clitandre a courtisé Armande, sœur d’Henriette, mais elle s’est toujours refusée à lui, lui préférant la volupté spirituelle. Clitandre est alors devenu amoureux d’Henriette qu’il souhaite épouser.

Afin de consentir à cette union, Henriette doit obtenir l’accord de la famille. Chrysale et Ariste y sont favorables alors que les trois femmes savantes s’y opposent catégoriquement. Philaminte veut que sa fille épouse Trissotin et consacrer ainsi son attrait  pour la science et la philosophie. Cette volonté est appuyée par Bélise, mais aussi par Armande, jalousie que sa sœur convole avec son ancien soupirant. Fort d’un stratagème élaboré par Ariste, la duplicité de Trissotin sera déjouée in extrémis et les amoureux transis pourront enfin triompher.

Ce qui ressort de l’intrigue avec beaucoup d’acuité, c’est l’opposition d’un clan familial entre ceux qui admettent aimer les choses simples en les appréciant naturellement et les autres croyant s’élever intellectuellement en fréquentant les pédants et leur savoir artificiel. Cette divergence crée une véritable scission au sein de la famille où les membres ne vont cesser de s’affronter et revendiquer ce point de vue, entre le corps et l’esprit, qui offre au jeu théâtral des rapports de force virulents et proprement jubilatoires entre les personnages.

Et dans le rôle de Philaminte, comme pour la création de la pièce : un homme, Jean-Laurent Cochet, qui est vertigineux de crédibilité. En épouse castratrice et mère savante tyrannique, avec un seul regard et de petites phrases assassines, elle vampirise la maisonnée. Il est la figure parfaite de la maîtresse femme dénaturée et asexuée où s’incarnent magistralement l’obsession, la colère compulsive, la frustration, l’intransigeance, l’égoïsme, l’aveuglement, telle une créature intemporelle aux défauts savamment virils.

Ce parti pris de mise en scène est ingénieux et fait complètement sens au propos du texte avec une efficacité redoutable de même que les effets burlesques finement dosés.

Quant au personnage de Trissotin, Arnaud Denis, également metteur en scène, en fait un dandy magnétique en diable où sa pseudo-érudition n’a d’égale que son ambition vénale. Tous les comédiens parfaitement dirigés, pour la plupart issus des cours de Jean-Laurent cochet, sont excellents et portent les vers de Molière avec une vitalité remarquable qui insuffle une modernité et une résonance naturelle au jeu de dupes qui se joue.

Et dans un décor de bibliothèque constitué de deux panneaux obliques, le centre devient l’arène de tous les enjeux où chacun s’observe, se toise et qu’un miroir suspendu en fond de scène renvoie sous tous les angles avec une belle lumière soulignant les détails des costumes.

Ces « Femmes savantes », dans une mise en scène enlevée d’Arnaud Denis, font que les bons mots d’hier sont les bons mots d’aujourd’hui, pour une satire sociale complètement avant-gardiste…

-Amaury Jacquet-

Petit Théâtre de Paris jusqu’au 11 juillet 2010

loc 01 48 74 25 37

www.theatredeparis.com

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