La Fondation Louis Vuitton fait honneur au peintre américain d’origine lettone Mark Rothko avec une exposition très complète permettant de retracer son parcours et d’admirer une quantité impressionnante de ses œuvres. Des premières œuvres plus figuratives jusqu’aux célèbres tableaux colorés à l’horizontale, le visiteur peut se rendre compte de l’exigence du peintre pour emmener les spectateurs de ses tableaux dans d’intenses voyages intérieurs, bercés par des vibrations qui touchent l’âme.
Un peintre majeur du XXe siècle
Cette exposition marque la première rétrospective en France consacrée à Mark Rothko (1903-1970) depuis celle du Musée d’Art moderne de la Ville de Paris en 1999. 115 œuvres sont réunies, provenant des plus grandes collections du monde entier, comme celle du National Gallery of Art de Washington, de la Tate de Londres et de la Phillips Collection de Washington. Il y a également des pièces provenant de collections privées internationales dont celle de la famille de l’artiste. Plusieurs pièces sur plusieurs étages de l’immense Fondation Louis Vuitton sont mises à profit pour proposer un parcours chronologique retraçant l’ensemble de la carrière de l’artiste depuis ses premières peintures figuratives surprenantes, entre Egon Schiele et James Ensor, jusqu’à l’abstraction qui représente dans l’esprit de beaucoup aujourd’hui la partie la plus importante de son œuvre. La première thématique recouvre les scènes intimistes et les paysages urbains avec notamment des scènes du métro new-yorkais. Puis après les années 1930, un répertoire inspiré des mythes antiques et du surréalisme soulignent la dimension tragique de la condition humaine. C’est après la seconde guerre mondiale que Rothko se plonge dans l’abstraction, avec un chemin rappelant celui réalisé 30 ans avant par Kandinsky, avec des premières expérimentations vers les Multiformes avec des masses chromatiques en suspension à l’équilibre instable mais cohérent. Puis le nombre de formes diminue et leur organisation spatiale devient sa marque de fabrique, une juxtaposition de formes rectangulaires avec un rythme binaire ou ternaire, et l’utilisation de tons jaunes, rouges, ocre, orange, et également bleus ou blancs. Il faut se laisser fasciner par des tableaux à la fausse sobriété, les couleurs ne sont pas unies, elles comportent des variations pour un effet vibratoire d’abord sur l’œil et finalement sur l’esprit. L’exposition égrène les grandes étapes d’une œuvre marquante, avec en 1958 la commande d’un ensemble de peintures murales destinées au restaurant Four Seasons conçu par Philip Johnson pour le Seagram Building, en 1960, la salle permanente consacrée au peintre dans la Phillips Collection, la première rétrospective au MoMA l’année suivante et les principales commandes données dans les années 60. Entre peintures aux tonalités sombres révélant les moments de dépression et les peintures aux teintes plus vives, l’exposition montre également le rapprochement de ses œuvres avec les sculptures de Giacometti.
L’exposition mérite plus qu’un long coup d’œil, possible en famille pour faire profiter les plus jeunes de la densité d’une œuvre protéiforme et marquée par les couleurs. L’exposition dure jusqu’en avril, de quoi laisser le temps de s’organiser pour la visiter.