Petites histoires du Père Castor : Poules, lapins et chocolat (Père Castor)
Publik’Art est fan des Petites histoires du Père Castor ! Après Les histoires du soir, c’est au tour de : Poules, lapins et chocolat.
Le jeune lecteur va découvrir un superbe album, à la couverture cartonnée, contenant 10 histoires, superbement illustrées, à la fois drôles et gourmandes !
Cet album ressemble aux livres de notre enfance. Le texte est drôle et adapté à l’enfant. Les illustrations sont colorées, joliment naïves et gaies. On est fan ! A la fin de l’album, les parents trouveront un index par âge, fort utile ! Et également un index par temps de lecture et par thème. Absolument génial !
On trouvera des histoires courtes de 5minutes ou des histoires plus longues, pour les plus grands, de 12 minutes.
Et au début de l’album, les adultes pourront trouver des conseils pour bien lire une histoire ! C’est en effet tout un art !
Petites histoires du Père Castor : Poules, lapins et chocolatest un incontournable, à avoir dans sa bibliothèque ! ou à offrir avant Pâques !
Lucien Chéenne est un vrai magicien des mots, à la voix puissante et aux intentions claire. De retour après son premier album Pied tendre, il revient avec un disque de chanson française peuplé de tranches de vies douces amères. Le premier extrait Nantes augure du ton de l’album avec la description d’une déception sur ce qu’est devenu un vis autrefois adoré.
La chanson française en majesté
L’album Larmes au poing de Lucien Chéenne a été enregistré au Poing en Sarthe au Studio la Boîte à Meuh, en home studio en Loire-Atlantique pour les enregistrements voix et à Montreuil au Studio La Kapsule. C’est l’équipe de Vianney qui a réalisé l’album, Hugo Cechosz et Vincent Louvet. L’album parle d’histoires peuplées de filles, d’expériences professionnelles comme celle d’éducateur, d’amour, le tout porté par une voix inimitable, pour montrer qu’il n’y a pas besoin de partir bien loin pour se faire ses expériences, le quotidien en est déjà suffisamment riche. Le trentenaire semble avoir déjà de la bouteille et il sait être ouvert aux autres. Avec ses influences entre grands artistes américains comme Johnny Cash ou Bob Dylan, et illustres prédécesseurs nationaux comme Serge Gainsbourg ou Léo Ferré, l’artiste sait de quoi parler. L’esprit est vif et clairvoyant, il ne se la raconte pas et ne cherche pas à embobiner l’auditeur. Il lui parle avec sincérité pour devenir un vrai miroir de l’âme humaine, avide de vie mais quelque peu cabossée par les expériences vécues.
Son album est à son image, pas de baratin ni de poudre aux yeux, il cherche la vérité, et ça fait du bien.
Dates de concerts :
23/05 Les Copains D’abord – Salbris (41) 14/06 La Cantine du Voyage – Nantes (44) 07/08 La Station Nuage – Nantes (44) 16/08 Le Petit Poucet – St Léon (63)
Les éditions Glénat jeunesse nous proposent un très joli album en cette veille de Pâques : Séraphine et le lapin de Pâques. Mino, le lapin de Pâques a perdu les oeufs de Pâques qu’il doit distribuer aux enfants. Heureusement, Séraphine et Quenotte, les deux adorables souris, vont l’aider à les retrouver ! Ce ne sera pas si facile que ça ! Une vraie enquête policière commence ! Les illustrations sont charmantes ! Tout au fil des pages, le jeune lecteur va découvrir les merveilles que nous offre la nature ! Séraphine et le lapin de Pâques est un très joli album à offrir en attendant Pâques !
Ils se sont tant aimés, de Tahar Ben Jelloun (Gallimard)
Chaque nouveau livre de Tahar Ben Jelloun retient toujours notre attention ! Aujourd’hui, ce sera : Ils se sont tant aimés, Les amants de Casablanca, tome 2. Même si vous n’avez pas lu le 1er tome, vous pouvez vous plonger dans cette histoire merveilleuse !
Nabile et Lamia se sont aimés, se sont mariés, ont eu des enfants, et ont fini par divorcer. Ils vivent leur vie, chacun de leur côté, tout en continuant à se voir, sans rien dire à personne…
Nabile est pédiatre, et Lamia pharmacienne. Elle est une vraie femme d’affaires, et dirige une usine de médicaments génériques. Elle gagne beaucoup plus d’argent que son mari. Nabile est avant tout humaniste et soigne les plus pauvres d’entre les pauvres… Il est surnommé « le médecin des pauvres ».
A travers son livre, Tahar Ben Jelloun nous décrit le Maroc d’aujourd’hui. Casablanca ville de toutes les splendeurs et de tous les vices… Avec une drôle de jeunesse… L’auteur analyse aussi finement l’évolution de la femme dans cette société traditionnelle.
L’auteur revient souvent sur le drame de la Palestine et son impuissance à trouver une solution… Tout au long du livre, Tahar Ben Jelloun raconte ce qu’il sait de l’Histoire de la Palestine. La Palestine fait partie de la vie de l’auteur, comme de celle de Nabile.
Mais Nabile doit aussi affronter au quotidien les problèmes de santé de Lamia. La course contre la montre est lancée. Il faut tout faire pour sauver Lamia… Publik’Art a lu avec passion Ils se sont tant aimés. L’auteur, avec sa plume prodigieuse, aborde des sujets graves, comme la maladie, la mort, mais aussi l’amour, sous toutes ses formes. La liberté sexuelle des femmes, dans un pays très conventionnel, le Maroc. Les rapports homme-femme, sont finement analysés. La vie est si complexe !
Ils se sont tant aimés est un très beau roman, empli de vie avec ses bons côtés et ses moins bons ! Si Bernard Pivot demandait une suite des amants de Casablanca, nous, simples lecteurs, attendons le tome 3 ! Avec impatience !
Le Lucernaire et Philippe Person connaissent une belle et longue histoire. Il a dirigé le Lucernaire de 2009 à 2015 et a créé, au sein de ce même lieu l’école de théâtre professionnelle. Ses mises en scène sont nombreuses et cette dernière en date avec La Ménagerie de verre de Tennessee Williams est une livraison marquante autant que réjouissante. Regarder cette famille dysfonctionnelle se débattre avec ses démons est un vrai moment de théâtre puissant et intimiste porté par des comédiennes et comédiens totalement investis
Du théâtre beau comme un tsunami
La Ménagerie de verre est une des premières pièces de théâtre de Tennessee Williams, écrite en 1944, et qui rencontra un immense succès public et critique. Traduite par Isabelle Famchon et mise en scène par Philippe Person, elle prend une ampleur insoupçonnée sur la scène du haut perché Paradis au Lucernaire. Elle se déroule dans le souvenir du narrateur et fils de la famille Wingfield, Tom (très convaincant Blaise Jouhannaud), et revient sur la scène de sa jeunesse dans un huis clos familial oppressant. Son monde mental prend forme dans un sud des États-Unis broyeur de rêves. Couvé par sa mère Amanda (hypnotisante Florence Le Corre), il doit subir une charge mentale faite d’avanies domestiques et de travail abrutissant dont il s’échappe grâce à la magie de ses sorties cinéma salvatrices même si illusoires. Sa soeur Laura (Alice Serfati toute en intensité contenue) fait figure de victime expiatoire des affres de sa famille avec son handicap et son incapacité sociale. La photo du père avec sa moustache et son sourire amène jette un regard cru sur sa famille, lui qui s’est enfui, et on comprend pourquoi. Comme souvent chez l’auteur, le personnage féminin principal est clairement bipolaire, elle prend toute la place et ressemble à un grand oiseau désarticulé au centre de sa ménagerie. La famille est unie mais non point fusionnelle, Seule Amanda est en fusion avec elle même et éclabousse ses enfants de sa lave incandescente pour une constante vulnérabilité augmentée. La visite d’un ami de Tom a tôt fait de faire imploser cet équilibre instable. Les rêves d’union de la mère pour sa fille s’abiment sur les rochers de la réalité et Tom choisit de suivre les chemins paternels pour échapper à une existence avilissante, les aventures au cinéma ne lui suffisent plus, l’envie de les vivre en vrai sont trop fortes.
La chronique familiale se conclut dans le drame, aucune énigme n’est résolue. La petite troupe se connait bien, elle qui partage la scène si souvent, et cela se voit. La magie opère et la salve d’applaudissements conclut avec brio ce beau moment de théâtre.
Synopsis:
ATTENTION : LICORNE ERRANTE
Nous sommes chez les Wingfield, à Saint-Louis, dans l’Amérique des années 30. Amanda élève seule ses deux grands enfants, Tom et Laura. Elle est dépassée par l’éducation de ses enfants, connaît des difficultés financières et une sorte de crise existentielle. Tom, narrateur et personnage de la pièce, travaille dans un magasin de chaussures pour entretenir la famille mais il rêve de cinéma et d’évasion, de littérature surtout, et se vit comme poète. Quant à la si fragile et boiteuse Laura, elle fait semblant d’aller à un cours de dactylo mais erre toute la journée dans la ville. À la maison, elle se réfugie dans sa chambre où elle collectionne des animaux en verre taillé. La pièce maîtresse de cette collection est une licorne, animal imaginaire et différent auquel elle s’identifie. Jim est un collègue de Tom et se trouve être un garçon pour lequel Laura vouait une passion quand elle était plus jeune. Amanda invite ce Jim à dîner dans l’espoir de le rendre amoureux de sa fille. Mais rien ne se passe comme prévu…
C’est avec La Ménagerie de verre que Tennessee Williams connaît, à trentre-quatre ans, une célébrité soudaine.
Le Musée d’Art Moderne de Paris organise une exposition sur une facette particulière de l’oeuvre d’un des plus grands artistes peintres du XXe siècle, Henri Matisse (1869-1954). Constituée de plus de 110 œuvres avec des peintures, dessins, gravures, sculptures et céramique, elle permet de découvrir le regard et les sentiments d’un père envers sa fille, Marguerite Duthuit-Matisse (1894-1982). Découvrir l’existence mal connue de cette progéniture à la vie si particulière donne une dimension épique et historique à l’aspect forcément éminemment et merveilleusement pictural de l’évènement.
L’amour d’un père pour sa fille
L’exposition Matisse et Marguerite propose de voir de nombreuses oeuvres (dessins, peintures) issues de collections américaines, suisses et japonaises rarement montrées en France. Avec en plus des photographies, des documents d’archives, des peintures réalisées par Marguerite elle-même et des robes conçues par elle, l’exposition se révèle d’une densité éblouissante. De quoi découvrir un aspect mal connu de l’existence d’Henri Matisse vu par le prisme de son amour paternel. Car l’existence de Marguerite fut un véritable roman. Atteinte très jeune de diphtérie, traitée avec une traumatisante trachéotomie, représentée longtemps avec un ruban noir ou un col relevé pour cacher son cou, elle est devenue résistante pendant la Seconde Guerre mondiale, autant dire que sa vie ne fut pas un long fleuve tranquille. Elle a surtout été un sujet récurrent de la carrière de son père tout au long de plusieurs décennies de travail. Les représentations successives permettent de constater l’évolution du style de Matisse, du classique au fauvisme en passant par le cubisme. L’intensité est omniprésente et l’émotion qui se dégage des tableaux donne envie de rester de longues minutes à les contempler. Henri voyait en Marguerite une belle personne appelée à un grand destin, peut-être se voyait-il aussi dans cette créature d’abord chétive et plus tard plus affirmée. Lui qui aspirait à l’identification presque complète du peintre et de son modèle, peindre sa fille était une occasion idéale pour y parvenir. L’exposition s’organise de manière chronologique avec une multitude de photos et un film qui retracent l’existence de Marguerite. En parallèle, les visiteurs peuvent aussi vivre une expérience de réalité virtuelle avec DANSE DANSE DANSE – MATISSE. Réalisée par AgnèsMolia & Gordon (production Lucid Realities/TSVP), elle s’organise autour du thème de la danse et fait écho au tableau La Danse de Matisse, chef d’œuvre des collections du Musée d’Art Moderne de Paris.
La visite de l’exposition Matisse et Marguerite est un vrai plaisir pour toute la famille. Parents et enfants peuvent déceler des détails différents et les partager tout au long d’un parcours impressionnant à découvrir jusqu’au 24 aout.
Rossosperanza est un film franco-italien d’Annarita Zambrano, sorti en 2024 et passé quelque peu inaperçu. La réalisatrice est née à Rome mais elle est surtout parisienne d’adoption. Après avoir présenté des courts-métrages dans de prestigieux festivals internationaux, elle arrive à Cannes avec son premier long-métrage Après la guerre, sélectionné dans la section Un Certain Regard. Rossosperanza est son deuxième long métrage, il a été en compétition à Locarno et propose un retour en arrière dans les années 1990, entre les murs d’un institut de redressement dédié à soigner les déviances. Ce que beaucoup perçoivent comme un dernier recours pour les parents des classes supérieures qui souhaitent « réparer » une progéniture est en fait semblable à une séance de torture.
Un film puissant
Le souvenir des années 1990 reste pour beaucoup celui de soirée à danser comme un fou au son de musiques techno. La réalisatrice raconte dans Rossosperanza raconte l’histoire d’un groupe de jeunes qui trouvent dans la musique un exutoire aux vertus cathartiques. Ce groupe d’adolescents bien nés et bien dotés recherche la désespérément la révolte face à ceux qui cherchent à leur imposer des règles. Le personnage de Nazzarena (Margherita Morellini) est une sorte de sociopathe qui a tenté de tuer à l’insecticide un évêque ami de sa famille. Alfonso (Lonardo Giuliani) cherche à vivre pleinement son homosexualité malgré les tentatives familiales de la réprimer. Marzia (Ludovica Rubino) séduit des adultes riches qui veulent profiter d’elle et rêve de devenir enfant-star sur la chaine Mediaset. Vittoriano (Luca Varone) s’élève contre la société consumériste et s’enferme dans le mutisme pour se protéger. Des éducateurs cherchent à leur inculquer des exercices de self-control pour réparer leurs esprits dysfonctionnels et tenter de les réinsérer dans la supposée « normalité » voulue par les familles, faite de soumission et de docilité. En cela, Rossosperanza se veut un film politique, une critique contre le pouvoir de l’État omniprésent. Mais pour les personnages de Rossosperanza, l’image de la famille banalement patriarcale est un ennemi à abattre. Les jeunes semblent des naufragés dans un monde qui les rejette à cause de leurs différences, aux qui préfèrent bouger leur corps sur de la musique techno plutôt que de ‘exprimer avec des mots.
La soif de révolte une une solution pour des jeunes ados qui revendiquent pleinement leur singularité, à la marge des règles normatives imposées. Des images du film restent dans l’esprit après son visionnage comme ce tigre échappé d’un zoo ou ce doigt sectionné et transformé en trophée. Le film est délibérément cruel mais aussi poétique, presque un ovni.
Synopsis: Italie, années 90. Zena, 16 ans, fille du médecin du Pape et petite-fille d’un ancien fasciste, est admise à Villa Bianca, dernier recours de la bonne société italienne pour « soigner » les déviances d’une génération rebelle. Elle y rencontre trois adolescents avec lesquels elle se lie d’amitié : Marzia, une jeune fille nymphomane, Alfonso, un jeune homosexuel fantasque, et Adriano, enfermé dans un mutisme attachant et terrorisant.
Soline, L’enfant des saisons (Editions Marmottons)
Publik’art vous a déjà fait découvrir les incroyables éditions Marmottons. Chaque album édité est porteur d’un message « pour que le monde tourne plus rond ». Publik’Art a récemment plébiscité : Le BrumisaPeur.
Grâce à cet album, il est évident que beaucoup de petits, et grands (!), vont arriver à vaincre leurs peurs !
Aujourd’hui, Auriane de Pierpont, l’auteure, vous entraine dans une très belle aventure nature : Soline, L’enfant des saisons, si joliment illustré.
Soline a 7 ans. Elle adore la nature. Soline a les cheveux longs. Elle aime tellement la nature que les saisons défilent dans ses longues boucles de cheveux. Elle s’émerveille des bienfaits de la nature de chaque saison.
Mais elle se rend compte que la Terre va mal. Elle souffre. Les noisettes se font plus rares, les abeilles ne trouvent plus assez de fleurs à butiner, il neige beaucoup moins.
Mais que peut-elle faire Soline face à tous ces dérèglements ?
Soline, L’enfant des saisonsest un très joli album qui est une prise de conscience de la fragilité de notre Planète. Prenons-en tous soin, c’est un Trésor !
A la fin de l’album, vous pourrez retrouver une postface d’Adélaïde Charlier activiste pour le climat et les droits humains, une note écopoétique de Bruno Humbeeck docteur en Sciences de l’éducation ainsi qu’un petit guide pédagogique sur la nature réalisé par Céline Grandjean.
Le Musée du Luxembourg met à l’honneur le mouvement des Nouveaux Réalistes avec une exposition mettant au premier plan Fernand Léger, mais pas seulement. Avec un partenariat inédit entre 2 collections du territoire de la Côte d’Azur, des oeuvres très diverses de Niki de Saint Phalle, Arman, Yves Klein, Raymond Hains, Martial Raysse ou César sont exposées pour un tour d’horizon plastique et esthétique comprenant des innovations plastiques de Fernand Léger, des tableaux et des sculptures dans un déroulé qui demande de prendre son temps.C’est une grand partie de l’avant-garde au XXe siècle que les visiteurs peuvent contempler avec des commentaires destinés aux adultes alors que des dépliants qui ravissent les plus petits permettent de faire partager le plaisir de la visite à toute la famille. Si les représentants du Nouveau réalisme sont au premier plan, leurs référents américains ultérieurs sont également de la partie avec Roy Lichtenstein et Keith Haring pour illustrer les échanges artistiques qui ont existé entre la création européenne et la scène américaine. Le parcours de l’exposition dévoile près de 100 œuvres et présente sur un mode ludique et créatif les différents axes thématiques suivis par les artistes. Détournement de l’objet, représentation du corps et des loisirs, place de l’art dans l’espace public, les thèmes sont nombreux et finement abordés. Les gestes artistiques sont puissants et les artistes hissent au rang d’œuvres d’art des éléments saisis dans le quotidien le plus banal pour en révéler la beauté poétique. Les couleurs sont chamarrées, les spectateurs en prennent plein les yeux. L’exposition est co-organisée par le GrandPalaisRmn, les Musées nationaux du XXe siècle des Alpes-Maritimes et le Musée d’Art Moderne et d’Art Contemporain de Nice (MAMAC). L’exposition a été présentée au musée national Fernand Léger, Biot, sous le titre Léger et les Nouveaux Réalismes du 15 mai 2024 au 16 février 2025.
L’ensemble Myrtho propose un voyage autour de la Méditerranée avec son album Au gré d’Eros en s’inspirant de musique traditionnelles glanées dans les patrimoines nationaux. A l’aide d’instruments anciens qui accompagnent la voix de la chanteuse Laetitia Marcangeli, l’album ressemble à une belle bouffée d’air frais.
Un album léger comme la brise
L’Ensemble Myrtho dévoile un premier album peu commun. Entre chants anciens et contes issus des légendes populaires, le voyage est fascinant et invoque des thèmes issus des cultures grecques, corses, séfarades et françaises. Et comme des instruments peu connus sont utilisés, comme du santour, du violon et de la lyra politiki, des tambours d’Orient, de la vielle à roue, sur par exemple Rossignolet du Bois, un air traditionnel du Quercy, le résultat est impressionnant d’originalité. Les sonorités sont vraiment rafraichissantes, avec l’utilisation de langues latines variées et de dialectes grecs. Des harmonies d’Europe occidentale côtoient des thèmes transportés depuis la Mer Égée dans 11 morceaux remplis d’une belle poésie issue d’époques et de cultures différentes. Des modes musicaux vraiment complémentaires utilisent les rythmes impairs de l’Orient dans des sérénades arrangées en respect des traditions européennes. L’ensemble Myrtho est composé de 4 musiciens aux qualités complémentaires. Pierre Blanchut est au santour, Laetitia Marcangeli chante de sa voix ensorcelante et joue de la vielle à roue, Raphaël Sibertin-Blanc est un instrumentiste doué s’exerçant au violon, à l’alto et au kemençe d’Istanbul, et Timothée Tchang Tien Ling aux percussions méditerranéennes. Le résultat est tout rempli d’une ambiance unique, les instruments et la voix produisent un mélange jamais entendu auparavant. Ce choix de s’inspirer des traditions est des plus judicieux
La sortie de l’album s’accompagne d’une série de concerts à travers la France, l’occasion de se plonger dans une musique vraiment ensorcelante
Les éditions Casterman nous proposent un très bel album : Zouki et moi. Un album très inspiré de la vie-même de l’autrice, Anjuna Boutan. C’est l’histoire d’une petite fille qui ne sent bien que chez elle. Dès qu’elle sort, ça ne va pas. Elle se sent très seule, n’a pas d’ami. Elle se fait harceler, maltraiter, insulter à l’école. Elle joue avec des cailloux et surtout, elle a Zouki.
Zouki, c’est tout pour elle : son doudou, son confident, son ami, son refuge. Un jour, les graines qu’elle a mis dans ses poches, au fil des jours, vont se développer et grandir à une vitesse incroyable ! Et Zouki, qui est devenu aussi très grand, va l’accompagner et lui faire découvrir la forêt magique et le monde merveilleux qui les entourent ! Le texte comme les illustrations sont magiques ! Les couleurs explosent comme un feu d’artifice qui prend toute la place ! Zouki et moiest un album à lire et relire. A admirer aussi ! Un album qui fait du bien, qui redonne confiance ! Il sort aujourd’hui !
Les éditions du Père Castor nous proposent un jeu de bataille pour nos tout-petits ! Le thème est : les animaux marins. Chaque carte comporte une valeur comprise entre 1 et 6 et représente un animal marin du plus petit au plus grand : le poisson-clown, le crabe, la tortue de mer, le dauphin, le requin et la baleine. Publik’Art aime les illustrations simples et très proches du réel. Quel bonheur de pouvoir jouer à la bataille quand on est tout petit ! Une jolie façon d’apprendre ! Bataille : Les animaux marinsest un jeu de bataille, de 24 cartes, qui sort aujourd’hui, à offrir dès l’âge de 3 ans !
Le lundi de Pâques en Pologne, la tradition veut que les garçons aspergent d’eau les jeunes filles. Wet Monday raconte l’histoire de Klara, jeune adolescente de 15 ans qui développe malgré elle un fort sentiment d’hydrophobie, la peur de l’eau, ce qui pose quelques problèmes alors que le lundi fatidique approche à grands pas. Dans une atmosphère teintée de fort sentiment religieux, ce qui est assez en phase avec les traditions polonaises, le film montre une jeune génération avide de vie et d’énergie, mais confrontée aux risque d’abus.
Un film sur la peur du viol
Le film plonge dans le quotidien d’une région où jeunes et anciens cohabitent. Le réalisme de la narration s’accompagne de passages rêvés où l’héroïne se retrouve confrontée à un danger angoissant, justement lié à l’eau. Le spectateur comprend vite qu’un traumatisme enfoui est tout prêt de resurgir, peut être un viol, sans longtemps connaitre les circonstances. La jeune femme a cherché à oublier un souvenir et ne parvient pas à l’exorciser pour en guérir. Le premier long-métrage de la réalisatrice Justyna Mytnyk se déroule dans un récit très empreint de routine journalière, les adolescents rient, se racontent des blagues et se vantent de leurs exploits. Pourtant, l’héroïne se sent de plus en plus mal tandis que le lundi de Pâques si important en Pologne se rapproche. Elle s’épanche auprès d’une amie pour expliquer son comportement de plus en plus étrange. Naturalisme et surréalisme se mélangent pour un malaise grandissant. La réalisatrice a commencé à tourner plusieurs courts-métrages documentaires et parvient à montrer l’ambiance si particulière de la fête de Pâques dans une petite bourgade provinciale traversée par une rivière. Les jeunes interprètes prenant toute la place, reléguant les adultes à l’arrière-plan. Ces derniers semblent ne pas comprendre cette jeunesse qui cherche à profiter du moment présent, eux sortis de l’enfance et pas encore vraiment confrontés aux embuches de la vie. Le film met en rapport insouciance naïve et importance des liens amicaux entre jeunes femmes pour aider à soigner les blessures de la vie.
Wet Monday est une belle surprise à découvrir en salles le 2 avril.
Synopsis: Klara, 15 ans, doit faire face à un traumatisme qui s’exprime par une soudaine phobie de l’eau. Elle peut compter sur le soutien de Diana, sa nouvelle amie. Une histoire teintée de magie sur la puissance de l’empathie et de la sororité, au cœur des célébrations colorées de Pâques en Pologne.
Les Technologies Immersives qui Redéfinissent l’Expérience Artistique
Les technologies immersives transforment notre façon d’interagir avec l’art. Ces innovations offrent aux artistes, galeries et musées des possibilités créatives sans précédent. Les visiteurs profitent désormais d’expériences plus riches et interactives. Cette évolution numérique attire un public plus large et diversifié vers les institutions culturelles françaises. Les technologies immersives créent un pont entre tradition artistique et modernité numérique.
La Réalité Virtuelle dans les Musées Français
La réalité virtuelle révolutionne l’expérience muséale en France. Le Louvre et le Centre Pompidou proposent des visites virtuelles qui permettent d’explorer leurs collections depuis n’importe quel lieu. Ces technologies rendent l’art accessible aux personnes qui ne peuvent pas se déplacer physiquement. Les casques VR transportent les visiteurs dans des reconstitutions historiques précises qui contextualisent les œuvres.
Les expositions hybrides combinent œuvres physiques et extensions virtuelles. Cette approche enrichit la compréhension des pièces exposées et offre plusieurs niveaux de lecture. Les conservateurs utilisent ces outils pour présenter des œuvres fragiles ou restaurées sans risque pour les originaux. Les visiteurs peuvent observer les détails invisibles à l’œil nu grâce aux fonctions de zoom et d’analyse spectrale.
Les applications éducatives VR transforment l’apprentissage artistique. Les étudiants explorent les techniques des grands maîtres en manipulant virtuellement pinceaux et matériaux. Cette pédagogie interactive renforce la mémorisation et stimule la créativité des participants. Les musées régionaux adoptent progressivement ces technologies pour valoriser leur patrimoine local et attirer un public plus jeune.
Les artistes contemporains intègrent la réalité virtuelle comme médium à part entière. Cette nouvelle forme d’expression permet des créations impossibles dans le monde physique. Les conservateurs doivent maintenant penser à la préservation de ces œuvres numériques pour les générations futures. Pour faciliter le partage de ces projets entre institutions, les professionnels du secteur utilisent souvent des outils spécialisés. Optimisez la gestion des PDF avec un outil de fusion pour regrouper efficacement les dossiers artistiques et les présentations d’œuvres numériques.
L’Art Augmenté par la Réalité Mixte
La réalité augmentée transforme les espaces d’exposition traditionnels en environnements interactifs. Les visiteurs pointent leur smartphone vers les œuvres pour découvrir des contenus additionnels. Ces informations contextuelles enrichissent l’expérience sans encombrer visuellement l’espace physique. Les artistes exploitent cette technologie pour créer des œuvres à plusieurs dimensions qui évoluent selon le regard du spectateur.
Les installations de réalité mixte brouillent la frontière entre virtuel et réel. Ces créations répondent aux mouvements des visiteurs et transforment leur présence en élément artistique. Cette interactivité place le public au centre de l’expérience plutôt qu’en simple observateur. Les festivals d’art numérique comme Nemo à Paris ou Mirage à Lyon deviennent des vitrines incontournables de ces nouvelles formes d’expression.
Les applications mobiles de RA démocratisent l’accès à l’art dans l’espace public. Les sculptures virtuelles géolocalisées créent des parcours artistiques dans les villes françaises. Ces œuvres numériques transforment les lieux quotidiens en galeries à ciel ouvert accessibles à tous. Les collectivités territoriales soutiennent ces initiatives qui valorisent le patrimoine local tout en proposant une vision contemporaine.
Les technologies de réalité mixte servent aussi la conservation préventive. Les restaurateurs visualisent les couches successives des tableaux sans intervention physique. Cette approche non invasive préserve l’intégrité des œuvres tout en révélant leur histoire. Les travaux de recherche sur la dégradation des matériaux bénéficient de ces simulations qui prédisent l’évolution des altérations.
L’Intelligence Artificielle au Service de la Création
L’intelligence artificielle ouvre de nouvelles voies d’expression artistique en France. Les algorithmes génératifs collaborent avec les artistes pour produire des œuvres hybrides homme-machine. Cette symbiose créative questionne les notions d’auteur et d’originalité dans l’art contemporain. Des galeries spécialisées comme Akonit à Paris ou Numeriscausa à Lyon exposent ces créations à la frontière de l’art et de la technologie.
Les outils d’IA analysent les styles picturaux avec une précision remarquable. Cette capacité permet l’identification d’œuvres d’attribution incertaine ou la détection de faux. Les historiens d’art utilisent ces analyses pour révéler des influences subtiles entre artistes de différentes époques. La datation des œuvres gagne en précision grâce à ces comparaisons systématiques de caractéristiques stylistiques.
Les conservateurs emploient l’IA pour personnaliser l’expérience des visiteurs. Les systèmes de recommandation suggèrent des parcours adaptés aux intérêts individuels. Cette personnalisation augmente l’engagement du public et prolonge la durée des visites. Les musées collectent ces données pour mieux comprendre leur audience et ajuster leur programmation.
Les artistes français explorent le potentiel des réseaux antagonistes génératifs. Ces systèmes produisent des œuvres inédites inspirées par les grands mouvements artistiques. L’IA devient un outil d’expérimentation qui repousse les limites de l’imagination humaine. Cette collaboration homme-machine suscite des débats passionnants sur l’avenir de la création artistique.
Les Interfaces Sensorielles qui Transforment l’Expérience Esthétique
Les technologies haptiques ajoutent une dimension tactile à l’appréciation artistique. Les gants à retour de force permettent de « toucher » virtuellement les sculptures et reliefs. Cette approche multisensorielle transforme profondément notre relation aux œuvres d’art. Les personnes malvoyantes bénéficient particulièrement de ces innovations qui rendent l’art plus inclusif.
Les installations sonores spatialisées créent des paysages auditifs immersifs. Ces environnements acoustiques précis complètent la dimension visuelle des expositions. Les casques à conduction osseuse transmettent les sons sans isoler le visiteur de son environnement. Cette technologie permet une superposition naturelle entre l’espace réel et la couche sonore virtuelle.
Les capteurs biométriques transforment les réactions physiologiques en éléments artistiques. Le rythme cardiaque ou les mouvements oculaires des spectateurs modifient l’œuvre en temps réel. Cette fusion entre corps et art crée une expérience personnalisée unique à chaque visiteur. Des artistes comme Olivier Ratsi ou Joanie Lemercier sont pionniers dans l’utilisation de ces interfaces en France.
Les technologies olfactives complètent l’immersion sensorielle dans les expositions. Des diffuseurs programmables libèrent des parfums synchronisés avec les éléments visuels. Cette stimulation multisensorielle renforce l’impact émotionnel et mémoriel des œuvres. Les musées d’histoire et d’ethnographie utilisent ces dispositifs pour recréer des ambiances d’époque authentiques.
L’Avenir des Plateformes de Diffusion Artistique Numérique
Les plateformes de streaming culturel transforment la diffusion des performances artistiques. Les théâtres et opéras français proposent des captations haute définition accessibles mondialement. Cette diffusion numérique élargit considérablement l’audience des institutions culturelles nationales. Les artistes explorent les possibilités créatives spécifiques à ce format de diffusion.
Les jetons non fongibles (NFT) révolutionnent le marché de l’art numérique. Cette technologie garantit l’authenticité et la rareté des œuvres dématérialisées. Les galeries françaises développent des espaces d’exposition virtuels dédiés à ce nouveau medium. La blockchain assure une traçabilité transparente des transactions et des droits d’auteur.
Les plateformes collaboratives connectent artistes et public sans intermédiaires. Ces espaces numériques permettent le financement participatif de projets artistiques innovants. Les créateurs reçoivent un soutien direct de leur communauté qui s’implique dans le processus créatif. Ce modèle économique alternatif favorise l’émergence de formes artistiques plus expérimentales.
Les archives numériques préservent le patrimoine artistique pour les générations futures. Les performances éphémères et installations temporaires acquièrent une pérennité grâce à ces captations. Les chercheurs et historiens d’art accèdent à un corpus sans précédent d’œuvres documentées. Ces bases de données interconnectées facilitent les études comparatives et l’analyse de l’évolution des pratiques artistiques contemporaines.
Les éditions Casterminouche, dans la collection Une histoire et on se couche, des albums souples, nous proposent une drôle d’histoire : La famille petits poux. Il était une fois la famille Petits Poux qui vivait sur la tête de Gaspard. Mais Gaspard reçut une casquette pour son anniversaire alors, la famille Poux a dû déménager. Ils n’arrivaient plus à respirer, ni à bouger ! Ils ont élu pour nouveau domicile la tête de Violette, avec ses longs cheveux bouclés et roux. Oh, comme ils se sont amusés tous ensemble ! Jusqu’au jour où… La famille petits pouxest un album, aux illustrations charmantes, qui va bien amuser nos petites têtes blondes; surtout si elles hébergent des poux. Une histoire qui va dédramatiser la situation et faire du bien à toute la famille !
Les livres d’histoire ont longtemps passé sous silence l’implication des autorités françaises dans la déportation des populations juives françaises. La bande dessinée La Muette revient sur un épisode mal connu de cette histoire, l’arrestation de 5000 habitants du 11e arrondissement de Paris puis la captivité de 67000 hommes et femmes avant les départs pour les camps de la mort. La BD retrace le parcours de certains d’entre eux pour montrer le quotidien de ceux qui n’ont pas pu échapper aux agissements de fonctionnaires scélérats. Les auteurs Valérie Villieu et Simon Géliot reviennent sur l’histoire de La Muette en montrant tous les détails de la vie de ses prisonniers, avec ses souffrances, ses combats pour la survie et les solidarités qui s’y sont créées. Le dessin est réaliste et le sujet interpelle pour une lecture émouvante.
Synopsis: À travers divers destins croisés, le camp d’internement de la Muette, à Drancy, raconté pour la première fois en bande dessinée.
20 août 1941, la police française se prépare à arrêter 5000 habitants du 11e arrondissement de Paris, tous de confession juive… Quelques jours plus tard, ils seront 4230 hommes à être emprisonnés dans la cité de La Muette à Drancy.
Durant trois années, la cité verra ainsi passer 67 000 hommes, femmes et enfants en partance pour les camps de la mort… Parmi eux, Béno, Nissim, Jean, Chil, Chana et bien d’autres. Des noms qui sont autant de victimes de la logique d’extermination nazie – et de ses complicités françaises. Des destins qui se croiseront dans un quotidien rythmé par les rafles et déportations qui emplissent et vident alternativement le camp…
À travers ces histoires, Valérie Villieu et Simon Géliot donnent pour la première fois à voir la vie du camp de La Muette : son organisation, son évolution et le quotidien des interné.e.s qui y sont passés. Un quotidien marqué par la souffrance, la lutte pour survivre mais aussi la solidarité et la foi en un avenir meilleur.
Les auteurs font revivre un des auteurs les plus célèbres du grand auteur Honoré de Balzac, apparu dans 6 de ses ouvrages. En imaginant un homonyme chef de la sureté de Paris, Bruno Lecigne et Régis Penet imaginent les origines de la création du personnage considéré comme une vraie colonne vertébrale de la célèbre Comédie Humaine. Avec ses multiples apparitions, le personnage de l’auteur est surtout un maitre de la tromperie et du crime, montrant bien la duplicité de l’être humain parfois enclin aux plus viles bassesses pour arriver à ses fins. La BD creuse le personnage des Vautrin authentiques et fictifs pour exhumer les racines du personnage protéiforme.
Synopsis: Dans ce roman graphique réalisé en partenariat avec le Musée Balzac, Bruno Lecigne et Régis Penet s’intéressent à Vautrin, figure criminelle phare de La Comédie Humaine…
Balzac reçoit la visite du chef de la sûreté de Paris, un certain Vautrin. Homonyme du célèbre criminel de La Comédie Humaine, l’homme accuse Balzac de vouloir nuire à sa réputation… Alors qu’il séjourne au château de Saché, près de Tours, Honoré de Balzac a la surprise de recevoir la visite du chef de la sureté de Paris… un certain Vautrin. Ce dernier accuse le romancier de vouloir nuire à sa réputation… La cause ? Un personnage homonyme, maître manipulateur qui n’hésite pas à baigner dans le crime pour parvenir à ses fins, ou celles de ceux qu’il a choisi d’épauler. S’engage alors un débat autour de ce personnage singulier et protéiforme. Car au-delà de sa morale douteuse, Vautrin est aussi un as de la tromperie. Tour à tour forçat, abbé, banquier, policier, il incarne la figure du criminel au sein de La Comédie Humaine et y occupe une place toute particulière… À travers cette curieuse rencontre, Bruno Lecigne et Régis Penet interrogent les origines et inspirations de ce personnage et la place du crime au sein de l’œuvre de Balzac.
« Don Carlos » : les âmes fracturées de Warlikowski
C’est le livret de « Don Carlos » de Verdi dans sa version originale en français, tiré d’une pièce du poète et dramaturge Allemand Friedrich von Schiller, qui est ici présentée et de retour à Paris.
Dramaturgiquement complexe, l’opéra fait cohabiter des scènes intimistes et des tableaux historiques, religieux, où se déploient des personnages aux prises avec leur vérité intime et la raison d’état.
Dans cette production signée Krzyrztof Warlikowski qui revient donc à Bastille, le metteur en scène opte pour une esthétique épurée et symbolique, cristallisant la dimension intimiste et psychologique de l’œuvre.
Une direction d’acteurs/chanteurs immersive et percutante
De cette interrogation sur le pouvoir et la figure du père castratrice qui voit l’objet du désir reconnu que dans la perte ou la castration, Warlikowski avec le geste formaliste et sophistiqué qu’on lui connait, livre une vision shakespearienne de l’œuvre, dominée par l’ambivalence et la complexité psychologique des personnages dont les affres intimes se fracassent contre le masque attaché au rang et au sang.
En France en 1559, puis en Espagne neuf ans plus tard. Élisabeth de Valois, fille d’Henri II de France, est promise à Don Carlos, l’infant d’Espagne, pour réconcilier les deux pays en guerre. Celui-ci étant venu clandestinement à Fontainebleau pour découvrir sa promise, les deux je
Mais la mort de l’épouse du roi Philippe II l’amène à changer ses projets : il décide d’épouser lui-même Elisabeth.
Inconsolable, car aimant toujours celle qui est devenue sa belle-mère, Carlos, neuf ans plus tard, demande à son père, sous l’influence de son ami Rodrigue, marquis de Posa, la permission de gouverner les provinces flamandes soulevées, pour mettre un terme aux horreurs perpétrées par l’armée espagnole. Mais Philippe II, jaloux de la passion qu’il pressent, sans en être certain, entre la reine et son fils, refuse, et demande à Rodrigue, qui a sa confiance, de les surveiller. La rancœur de la princesse Eboli, une suivante d’Élisabeth qui aime Carlos en secret, et découvre que la reine l’a supplantée dans le cœur du jeune prétendant, complique encore la situation.
Des personnages sous haute tension
Pour installer cette galerie de portraits aux destins contrariés et/ou brisés entre complot de l’Inquisition, entrevues secrètes et intrigues politiques, Warlikowski crée avec la décoratrice Małgorzata Szczęśniak, un espace éclaté où les décors, les lumières, la vidéo et les costumes convoquent des images glaçantes ouvertes ou fermées, en projection totale avec ce drame intime, son histoire de violence et son introspection.
Propices au découpage temporel, séquentiel, et à la fragmentation d’un paysage mental aussi tourmenté que traumatique, les scènes s’opèrent à partir du regard subjectif de Don Carlos qui voit se remémorer l’épopée de cette tragédie familiale hantée par ses enjeux, ses fantômes et ses illusions perdues.
L’opéra est marqué par une noirceur omniprésente : Carlos fait figure d’un antihéros suicidaire, incapable de rébellion ou d’action décisive. Les personnages semblent écrasés par leurs propres tourments et par la mécanique implacable du pouvoir religieux incarné par un Grand Inquisiteur mafieux.
Warlikowski met en lumière la violence psychologique et existentielle qui traverse l’œuvre, à l’abri d’une tension intérieure palpable qui brûle les protagonistes. La tension culmine lors de la scène finale entre Élisabeth et Carlos, où la tristesse déchirante est sublimée par un duo de haut vol.
Le plateau vocal est ici dominé par Ekaterina Gubanova qui campe une princesse Eboli aussi impétueuse que perverse à l’amplitude vocale intense, multipliant les registres, tandis que Christian Van Horn dans le rôle de Philippe II, incarne un souverain autoritaire et tourmenté dont le timbre parfaitement maîtrisé, restitue toute l’ambivalence du personnage. Marina Rebeka s’impose dans le rôle d’Élisabeth avec une puissance émotive rare et subtile.
Le tout emmené par la trame musicale passionnée du chef d’œuvre de Verdi qui exacerbe les actes manqués, la passion dévastée, la peur ou la haine mortifère, sous la direction parfaitement calibrée de Simone Young qui épouse la vision de Warlikowski.
Dates : du 29 mars au 25 avril 2025 – Lieu : Opéra Bastille (Paris) Mise en scène : Krzyrztof Warlikowski
« Exit Above », dans les pas du blues et d’Anne Teresa De Keersmaeker
Avec cette création « Exit Above » de retour à Paris, d’après La Tempête de Shakespeare, la chorégraphe Anne Teresa De Keersmaeker initie une danse à l’énergie explosive où les ressorts se puisent à l’inspiration mélancolique du blues et d’un sursaut pour la planète.
Entre jaillissement et rupture déconstruite, la pièce se développe en variations électriques et amples, où chaque danseur est à la fois soliste, à l’abri de sa propre chorégraphie, et un élément collectif, relié avec les autres, dans un élan circulatoire et communicatif.
Une danse pulsatrice
Au sol, des figures géométriques colorées avec lesquelles Anne Teresa De Keersmaeker impulse depuis toujours sa danse à l’abri de marches effrénées, de courses folles, d’arrêts sur image pour fixer le public droit dans les yeux. Les danseurs courent, se cherchent, s’immobilisent, puis bondissent à nouveau.
Ici l’écriture originelle de la chorégraphe s’hybride et flirte avec le vocabulaire de la danse urbaine. Les corps des interprètent s’irriguent de la musique et de ses pulsations évocatrices qui, dans une spirale sans cesse renouvelée, se font écho.
Ils nous embarquent dans une traversée jubilatoire et combattive qui invite, dans un élan de résistance et de questionnements, à la célébration, à la consolation, et au dépassement après la tempête.
Le tout est servi par la bande-son de Jean-Marie Aerts, la voix cristalline de Meskerem Mees et la guitare de Carlos Garbin.
Dates : du 31 mars au 1 avril 2025 – Lieu : Le Centquatre (Paris) Chorégraphe : Anne Teresa De Keersmaeker
« Coup Fatal » : Une symphonie baroque et congolaise, où la sape devient acte de résistance
Alain Platel, figure emblématique du théâtre chorégraphique, nous fait nous sentir vivants avec « Coup Fatal », une œuvre solaire et jubilatoire qui transcende les frontières artistiques et culturelles.
Dans ce spectacle, présenté comme un hymne à la joie, Platel s’associe à FabrizioCassol, Rodriguez Vangama et le contre-ténor Serge Kakudji, pour orchestrer une fusion audacieuse entre musique baroque et rythmes congolais. Loin de ses créations souvent empreintes de mélancolie, Platel nous entraîne ici dans une fête exubérante où la musique, la danse et le théâtre dialoguent avec une énergie impérieuse.
Deux hommes s’avancent sur scène. Ils s’interpellent par instruments interposés, engagent un dialogue musical intense et enflammé. L’un tient une guitare électrique à double manche, l’autre un likembe. À cet appel à la danse, au partage, à la désobéissance, répondent immédiatement une dizaine d’autres musiciens et chanteurs qui débarquent alors, brandissant au-dessus de leur tête des chaises aux couleurs du ciel de Kinshasa. Le round peut alors commencer et plus rien ne pourra l’arrêter.
Un impétueuse effervescence sonore et visuelle
La réussite de « Coup Fatal » réside dans ce métissage subtil où Bach, Haendel, Gluck ou encore Monteverdi se mêlent aux pulsations africaines, portées par des instruments traditionnels tels que le balafon ou le likembe. Le tout propice aux envolées électriques et au déploiement des arias baroques, dans une impétueuse effervescence sonore et visuelle, qui électrisent et magnétisent toute la scène.
Cette rencontre improbable est soutenue par l’interprétation en live de l’orchestre constitué de douze musiciens et danseurs venus de Kinshasa. Chaque note résonne alors comme un pont entre deux mondes, entre l’Europe baroque et l’ébullition culturelle africaine.
La mise en scène dépouillée – des rideaux de perles et des chaises en plastique bleu – fait la part belle aux artistes et à leur folie communicative, pour s’éclater dans une explosion de sons et de mouvements dansés parfaitement exécutés.
Au cœur de cette célébration musicale et sensorielle se trouve la figure des « sapeurs », ces dandys congolais dont l’extravagance vestimentaire devient un acte de résistance face à l’adversité.
Dans un final éclatant et une élégance unique, les interprètes défilent sapés comme des Dieux, offrant un véritable festival coloré et sans frontière, où se revendique fièrement sa liberté et son appartenance. Un moment, empreint d’humour et d’humanité, illustrant parfaitement la capacité de Platel à mêler tendresse et ironie dans une ode aussi résiliante que festive.
Dates : du 28 mars au 5 avril 2025 – Lieu : Théâtre du Rond-Point (Paris) Mise en scène : Alain Platel
Mademoiselle Spencer, de Christine Orban (Albin Michel)
Christine Orban a écrit ce roman à la 1ère personne en donnant la parole à Diana. Elle a vu la pièce d’Arthur Schnitzler,Mademoiselle Else, au théâtre Montparnasse et a vu une ressemblance évidente entre Diana et Else. Deux destins uniques.
A travers, Mademoiselle Spencer, on suit Diana depuis son adolescence, moment clé où elle fut choisie comme future femme du Prince de Galles. On la voit évoluer, devenir femme, se plier aux conventions du Palais. Diana nous livre ses tourments, ses questions, ses failles, ses rêves et ses désillusions quant à son mari, le Prince Charles. Camilla est sans cesse présente et jamais, Diana ne se sent bien ! Et pourtant, elle semble vraiment l’aimer son mari, Diana. Mais lui, jamais il n’a pu oublier Camilla. A-t-il seulement aimer Diana ?
Ce livre est écrit à la 1ère personne. Le narrateur est Diana. Il faut dire qu’elle était une telle célébrité, que tout le monde savait tout sur elle ! Et comme Diana a même fait une déclaration devant les caméras de la BBC, dévoilant tout sur sa vie, Christine Orban ne fait qu’écrire ce que Diana a révélé tout haut au plus grand nombre. Elle était si malheureuse.
Mademoiselle Spencerest un livre qui montre que devenir princesse n’est pas forcément le plus beau rêve à réaliser ! Il sort aujourd’hui !
« Bate Fado », le fado endiablé et percutant à l’Opéra de Limoges
Les Portugais Jonas & Lander font revivre la danse fado dans un concert percussif et hautement expressif, flirtant avec le flamenco, les claquettes et les danses urbaines transgressives.
Avec « Bate Fado », ils ressuscitent le fado batido, version dansée du chant lusitanien inscrit au patrimoine culturel immatériel de l’humanité en 2011. Sensuelle en diable, cette danse altière, insolente et indomptable, avait été jugée indécente par la morale du début du XXe siècle, la condamnant à une disparition silencieuse.
La danse du fado
Dans cette réhabilitation contemporaine, emmenée par quatre danseurs et danseuses, trois musiciens et un chanteur de fado (Jonas lui-même), le fado se chante, se clame et se danse.
Sur scène, les interprètes à l’énergie flamboyante frappent des pieds et varient les cadences comme pour mieux nous rappeler les figures oubliées du passé et célébrer avec fracas ce retour aux sources, dans un précipité dansé aussi séculaire qu’actuel.
Les sons et les mouvements s’imbriquent alors en un ballet survolté où avec virtuosité et effervescence, les deux chorégraphes revisitent cette mémoire oubliée.
La danse est indissociable de la musique, où dans un dialogue permanent avec les voix, les percussions et les guitares, le fado se réinvente. Propice aux figures qui s’entrechoquent et aux corps libérés, la performance se part de la voix enivrante et déchirante de Jonas.
Et dans cette traversée, les artistes passent avec aisance de l’humour à l’absurde, du poétique à l’onirique, sans jamais perdre de vue l’intention politique qui émerge aussi en filagramme. Car le spectacle réussit à briser l’image du fadista masculin dominant, insufflant une liberté physique débridée à cet art ancestral qui évoque tout autant l’image traditionnelle de l’homme fadiste que les figures de Fassbinder, subvertissant la tradition musicale comme les identités de genre.
Entre musiciens et danseurs, hommes et femmes, les rôles sont sans cesse redistribués. Le groupe imprime une étonnante modernité qui fait la part belle à une ivresse joyeuse du mouvement où dissimulé derrière la mélancolie exacerbée, le fado se révèle ici une danse viscérale, engagée, et subversive.
Date : 26 mars 2025 – Lieu : Opéra de Limoges Chorégraphie et composition musicale : Jonas & Lander
La guerre de Jeanne est un livre à lire dès l’âge de 10 ans. Il est tout simplement extraordinaire. Jeanne découvre la Seconde Guerre mondiale au Collège, en 3ème. Elle fait partie du programme. Jeanne est élève de 3ème et elle va découvrir les horreurs de cette guerre. Impossible pour elle de continuer à vivre sa vie, comme si de rien n’était. Elle a besoin de comprendre pourquoi cette guerre a eu lieu. Comment des hommes ont pu tuer d’autres hommes, de façon aussi inhumaines et cruelles. Jeanne a un meilleur ami, Sidoine. Il est en 4ème dans un autre collège, depuis qu’il a déménagé. Mais il reste toujours le meilleur ami de Jeanne. Avec lui, elle se sent mieux. Il est à l’écoute, même s’il a des problèmes d’audition ! Jeanne va demander la permission à ses parents de ne plus aller au Collège durant la semaine, pour pouvoir faire ses recherches à la Bibliothèque. Et elle nous raconte de qu’elle y découvre sur cetet Seconde Guerre mondiale. Chaque lecteur de La guerre de Jeanne n’oubliera jamais ce livre, bouleversant, un livre qui nous dit surtout de ne jamais oublier notre passé, nos ancêtres, notre Histoire. Notre devoir de mémoire doit rester intact tout au long des années, comme un hommage rendu à toutes ces personnes mortes, qui ne devaient pas mourir.
Le silence est à nous, de Coline Pierré (Flammarion)
Coline Pierré écrit depuis longtemps des livres pour la jeunesse. Dans son dernier livre, Le silence est à nous, elle a choisi d’écrire un roman en vers libres. Sans doute pour donner davantage de poids aux mots, davantage de poésie aussi. De révolte sûrement. Mais aussi pour donner de la place au silence…
Le silence est à nous raconte l’histoire de Léonora. Mais elle préfère se faire appeler Léo… Juste parce que Léo ne la met pas dans un cadre, Léo sonne la liberté… « La vraie raison c’est que Léo c’est un répit, un sursis de genre… » P30
Sa meilleure amie, Aïssa est passionnée de théâtre, de danse, matières où elle excelle !
Et puis, un jour, au collège, elle est témoin d’une agression sexuelle. Elle a tout vu. Elle connaît la victime, Maryam et ce type qui la brutalise. Au lieu de réagir, elle fuit, tout doucement… Et elle se tait… Incapable de réagir. Incapable de bouger… Et cela la hante jusqu’au jour où elle décide de parler à Maryam… Et de réveiller les consciences… C’ets compliqué ! Elle a promis à Maryam de ne rien dire à personne. Du coup, elle ment à sa meilleure amie… Cette situation l’emprisonne chaque jour un peu plus…
Et, puis un jour, elles décident que leur arme à toutes et à tous va être le silence. Un silence lourd, pesant… Un silence qui va parler à tout le monde ! Une grève du silence au collège ! Une forme de révolte, de révolution… Une jolie façon de ne plus accepter l’inacceptable !
Le silence est à nousest un très beau roman qui va parler à de très nombreux jeunes. Il s’adresse à une génération qui n’a, hélas, pas souvent droit à la parole ! Un roman fort, véhiculant des vérités fondamentales.
De l’eau a coulé sous les ponts depuis les évènements funestes du 1 septembre 2001 (24 ans quand même), et tout le monde le sait, les Etats-Unis ont frappé fort pour punir les prétendus auteurs des attaques sur le sol américain. Les images ont fait le tour du monde et tout le monde se souvient de l’endroit et du moment où il a découvert ces images. Alors tout a été entrepris et une bonne poignée d’innocents a du probablement supporter des tortures accablantes sous prétexte que tout était permis pour venger les victimes. Le film est supporté par Amnesty International, et on comprend pourquoi. Le protagoniste principal Gamel est emmené, interrogé, tortuté et va certainement passer le reste de sa vie en détention. Est-il coupable? Est-il lié aux attentats? Il est en tous cas emmené loin d’Afghanistan pour être emmené à Guantanamo alias Gitmo. Le film n’élude aucun détail sur les souffrances physiques et psychologiques auxquelles le personnage doit faire face. Acculé, contraint au manque de sommeil, il tient bon et refuse d’avouer un crime qu’il n’a pas commis malgré les incessantes pressions. Le film est (un peu trop) long et montre le système carcéral américain sous tous les angles. Militaires qui ne laissent aucun répit, prisonniers contraints à l’isolement, affamés et privés de sommeil, installations insalubres, le film se regarde comme un documentaire éprouvant. Le monde entier a détourné le regard alors que des familles entières étaient touchées par la politique vengeresse du gouvernement américain, censé représenter la démocratie. Mais tout est justifiable avec de bons arguments détournés en sa faveur, la preuve en est…
Synopsis:
Durant la guerre contre le terrorisme déclenchée après le 11 septembre, Gamel est emmené de chez lui en Afghanistan, amené à la base aérienne de Bagram, puis à Guantanamo, Cuba pour être interrogé et torturé. Sa liberté dépend de John, un interrogateur militaire, chargé de son dossier.
