Spectacles/Théâtre

Les Chiens de Navarre ont l’habitude de mordre là où ça fait mal. Cette fois, ils s’en prennent à la famille avec pour cette nouvelle création, un titre sonnant comme un avertissement : "Tout le monde ne peut pas être orphelin", qui en dit long sur l’esprit ravageur qui va déferler à tombeau ouvert sur les affres de la vie de la si jolie petite famille ! Un jeu de massacre à la hauteur du carnage annoncé où le public installé en face à face, dans une scénographie bi-frontale, assiste, médusé, à l’étrillage qui est l’œuvre.

Dans ce nouvel opus, Emanuel Gat s’attache à la singularité et à l’engagement des artistes qui l’accompagnent. Dix d’entre eux donnent à voir six courtes pièces qui sont autant de variations sur les recherches du chorégraphe mais qui portent, pour la plupart, le nom de leurs interprètes. Où le chorégraphe fait naître une cohabitation sensible des corps au sein du groupe, mêlant des fragments d’histoires et des impressions personnelles. Sur un plateau presque nu, l’émotion circule par le mouvement pur : duos et pièces de groupe se succèdent et se construisent parfois en temps réel, à partir de fragments et de dialogues.

Après notre top 10 des pièces de théâtre pour l’année écoulée, place au top 10 Opéra / Danse qui consacre des surdoués de la scène opératique ou chorégraphique. Simon Stone qui, pour sa première mise en scène d’opéra, a fait sensation avec sa Traviata revisitée, prenant la tête du classement, sans oublier les valeurs sures : Krzysztof Warlikowski, Bob Wilson, Anne Teresa De Keersmaeker, Crystal Pite ou encore Thierry Malandain ainsi que Calixto Bieito et Wayne McGregor où chacun à sa manière témoigne d’un univers singulier et réinventé.

Comme pour chaque fin d’année et sa rétrospective, nous nous sommes livrés au classement traditionnel des 10 meilleures pièces de théâtre de l’année 2019. Le classement retenu s’attache à des écritures théâtrales nouvelles, singulières, revisitées ou plus intimes, portées par une qualité de jeu toujours extrême, et pour un théâtre qui parle forcément de nous pour mieux parler des autres et donc du monde.

Nina Simone, née dans une famille pauvre de Caroline du Nord, aurait pu devenir concertiste classique, mais elle était noire, et elle portera toute sa vie le deuil de ce destin refusé. Femme de légende, elle fut aussi et par dessus tout une figure de la lutte des droits civiques. Sur scène, David Lescot est à la guitare tandis qu’au chant, la comédienne Ludmilla Dabo, pétrie depuis l’enfance de musique blues, jazz et soul, incarne Nina Simone, où s’esquisse un portrait juste, sensible et politique.

"Il y a une grande inimitié entre la vie et la grande création" disait Marguerite Duras. Et qui mieux que la parole pour se laisser aller, se laisser dire, nous dire justement, là, tout Duras suspendue toute entière à la passion, au désir, libre envers et contre tous.

Thierry Malandain embarque pas moins de vingt-deux danseurs dans cette traversée aux aires d’odyssée enivrante. Alliant habilement le vocabulaire classique et les compositions contemporaines, il nous offre un ballet aussi enlevé que saisissant.

Ivo van Hove est de retour au Français avec Electre / Oreste, d’après Euripide. Il compile les deux texte en une pièce où s’explore le processus de radicalisation des protagonistes, animés par une rage et une férocité extrêmes, dont la mise en scène se saisit avec une intensité rare et un geste puissant, du destin des héros aveuglés, intransigeants et torturés.

Qu’est-ce qu’un.e ami.e, ou un.e inconnu.e, ou un.e ennemi.e ? Et qui pourrait correspondre à cette description à tel moment donné ? sachant qu’ils ont tous, les uns avec les autres, le niveau relationnel spécifique qui est induit par cette seule désignation. Voilà le questionnement posé par l’auteur/dramaturge norvégien Arne Lygre et que met en scène pour la quatrième fois Stéphane Braunschweig.

L’opéra est porté par une empreinte orchestrale, riche en percussions et en cuivres, qui accompagnent la perdition des personnages. Où la mise en scène de Calixto Bieito s’ancre magistralement sur la figure de la chute et son drame mortifère dont les timbres de l’orchestre inaugurent sans relâche la violence abyssale.

Après son incursion dans l’œuvre de Marcel Proust, Krzysztof Warlikowski revient à l’un de ses dramaturges favoris, Hanokh Levin, dont il restitue de façon très libre, mais avec cet art de la mise en scène qu’on lui connait : percutant et incisif, le ton ravageur et caustique. Le texte de Levin décrit des individus persuadés que leur destin se joue ailleurs, qu’il faut donc s’échapper d’où l’on naît , partir. Mais ce désir se révèle vite une illusion, voire même une utopie.

La metteure en scène brésilienne Christiane Jatahy s’inspire librement de "L’Odyssée" pour nous raconter le monde ici et maintenant. Entre théâtre et cinéma et partage avec le public, son œuvre singulière s’impose désormais comme un espace manifeste de réinvention. Un nouveau langage qui expérimente les frontières entre le passé et le présent, entre le réel et la fiction, entre l’espace scénique et sa projection qui convoque différents angles, l’instant théâtral et le plan séquence de la caméra.

Le Presbytère, l’un des ballets les plus électriques de Maurice Béjart, est à Paris Dès l’ouverture, l’émotion et la nostalgie sont là, les danseurs allongés...

Crystal Pite monte aujourd’hui "Body and Soul" (Corps et âme) en trois actes pour 36 interprètes qui explore le thème de la dualité sous la forme de duos et duels à petite et grande échelle

Le livret de Don Carlos de Verdi dans sa version originale en français, tiré d’une pièce du poète et dramaturge Allemand Friedrich von Schiller, avait créé l’évènement lors de sa présentation il y a deux ans. Dramaturgiquement complexe, l’opéra fait cohabiter des scènes intimistes et des tableaux historiques, religieux, où se déploient des personnages aux prises avec leur vérité intime et la raison d’état. Cette production signée Krzyrztof Warlikowski fait aujourd’hui son retour à Bastille mais cette fois dans la version italienne dite de Modène et donc sans “s”.

Après Peter Pan, l’enfant qui ne voulait pas grandir, c’est le sort du petit d’homme Mowgli imaginé par Rudyard Kipling qui prend corps sur scène dans le temps, l’espace et le vocabulaire si singuliers qui font aujourd’hui la signature Wilson.

Ni biopic, ni best of donc, mais un jeu de piste singulier et poétique entre le personnage de la chanteuse de L et celui de Barbara. Et c’est là toute la force et la singularité du spectacle, où s’esquisse, l’une, l’autre, l’une avec l’autre : une figure d'artiste investie, sensible, passionnée et engagée.

Apres Lucrèce Borgia en 2015 et Peer Gynt en 2018, David Bobée, directeur du CDN de Normandie, adapte et met en scène Elephant Man, la pièce de Bernard Pomerance créée en 1977, avec dans les rôles principaux : JoeyStarr et Béatrice Dalle. Un duo hors-norme dont la présence brute, animale de JoeyStarr et le magnétisme charnel de Béatrice Dalle, ne suffisent pas à compenser une mise en scène en manque d'incarnation.

Anton Tchekhov a 18 ans quand il écrit Platonov. Pourtant, cette pièce de jeunesse est une œuvre majeure : elle contient, en puissance, tout le théâtre du dramaturge russe du XIXème siècle profondément ancré dans une crise existentialiste face à un monde finissant. Si le paradis de Tchekhov est déjà perdu, la quête d’un destin plus grand que soi en l’absence de père et donc de repères, est au cœur de cette adaptation libre et réussie de Platonov par Lorraine de Sagazan.

Anna Mouglalis et Xavier Legrand dans un duel au sommet, sont de retour à Paris Après un succès public et critique, Anna Mouglalis et Xavier...

La vanité, le jeu des influences, les faux-semblants, mais aussi la perfidie des courtisans sont au cœur de cette pièce de Molière et de la proposition d’Alain Françon.

Les Carnets dAlbert Camus Le Lucernaire laisse le champ libre à l'auteur de La Peste et L'étranger avec...

Une Traviata à l'aune des réseaux sociaux, magnifiquement portée par la soprano sud-africaine Pretty Yende et le ténor Benjamin Bernheim, tel est le pari audacieux mais réussi de Simon Stone.

Madame Butterfly est de retour à Paris et cette production de Bob Wilson demeure unique tant son univers hypnotique fait naître un nouveau rapport au plateau, décomposant le temps et l’espace jusqu’à tendre à l’intemporalité.

A l’abri d’images, de répétition, de jeux de pouvoir, de manques, de fracas, on y voit une actrice en crise après avoir assisté à la mort d’une admiratrice. Hantée par le fantôme de cette jeune femme comme elle le serait de sa propre jeunesse perdue, elle perd pied et boit, ne parvenant plus à se connecter à son rôle, celui d’une comédienne en manque d’amour.