« Les Idoles » de Christophe Honoré ou l’éternelle inspiration

Il y a eu « Plaire, aimer et courir vite » au cinéma, puis la publication du récit autobiographique « Ton père ». Christophe Honoré termine son triptyque sur l’homosexualité en ressuscitant au plateau la génération sida de ses idoles parties trop vite. Et les revoilà donc pour un retour en arrière et au présent, un retour sur images ici et maintenant, sous les traits d’actrices et acteurs.

Une déclaration d’amour, un regret poignant, un exercice drôle et irrévérencieux selon l’art et la manière de Christophe Honoré. Ces années-là, c’était les années sida : on le découvre, il se propage, on en porte les stigmates, on en meurt. Encore étudiant, Christophe Honoré quitte Rennes pour Paris où il comprend que tous ceux qu’il aime, qu’il admire, sont partis : les dramaturges Jean-Luc Lagarce et Bernard-Marie Koltès, le chorégraphe Dominique Bagouet, le romancier Hervé Guibert, le critique de cinéma Serge Daney, les réalisateurs Cyril Collard et Jacques Demy. Tous étaient homosexuels.

Qu’ils soient hommes ou femmes, au plus près du désir et des idées, les acteurs convoqués devant nous donnent chair à ces figures et aux questions cruciales que la sexualité, l’amour, la mort font naître. Il y a l’aveu des uns, le déni des autres, l’engagement ou le repli de certains. Ils dansent, parlent, chantent, s’engueulent, rient et nous invitent à ne pas oublier ce que le sida a laminé.

Mettant en scène ces artistes sous une forme de dialogue imaginaire qui conjugue à la fois le passé et le présent, Christophe Honoré interroge par delà le manque, leur héritage, leur engagement, leur rapport à la maladie et à la création.

Mémoire d’artistes, d’hier et d’aujourd’hui

« Une réunion d’amis qui dansent comme on jette une poignée de terre sur le bois d’un cercueil », commente Christophe Honoré, dont la voix en off accompagne les premières minutes du spectacle.

Formant une ronde, les comédiens agitent leurs bras comme des oiseaux battant de l’aile, au rythme de la chanson des Doors, When the music’s over. C’est un écho au spectacle, Jours étranges, que Christophe Honoré découvrit en 1992, peu après le décès de son auteur, le chorégraphe Dominique Bagouet, touché lui aussi par la maladie.

Une convocation humaine mais aussi festive si propre au geste dramaturgique et scénique de Christophe Honoré, où affleure l’esprit de chacun des artistes, sa culture, son humour, son goût de la provocation, et qui le voit revendiquer sa condition d’homme et sa manière d’affronter la maladie, de conjurer la vie.

Des figures qui se débattent contre elles-mêmes, contre la mémoire, où s’entremêlent la vie et la mort, la confession et le secret, l’élan et la mélancolie.

Si certains ont dévoilé ouvertement leur homosexualité comme Jean-Luc Lagarce ou Hervé Guibert, d’autres sont restés plus discret, « dans le placard » comme Jacques Demy.

Des instantanés accompagnent la représentation qui surgissent pour évoquer la notion d’héritage notamment celle de Jacques Demy avec ce numéro de danse haut en couleur de Marlène Saldana (formidable) sur la Chanson d’un jour d’été, des Demoiselles de Rochefort ou encore l’attirance de Bernard-Marie Koltès pour New York et ses bad boys dans une scène du film d’une époque avec John Travolta dans la fièvre du samedi soir.

La perte aussi brûlante hypnotise la scène à travers le monologue poignant de Marina Foïs qui scrute les derniers instants de Michel Foucault dans les yeux de son ami Hervé Guibert.

Une traversée à la fois grave, légère, enjouée, musicale, et étirée, capable de convoquer un numéro de claquettes ou encore une chanson de Bob Marley.

L’alchimie évidente qui opère entre les comédiens (Harrison Arévalo, Jean-Charles Clichet, Marina Foïs (Molière de la comédienne en 2019 pour la pièce), Julien Honoré, Paul Kircher et Marlène Saldana), donne à la pièce une énergie vitale et communicative, qui porte en elle toute la singularité et la fougue de ces artistes trop tôt disparus.

Dates : du 18 janvier au 6 avril 2025 – Lieu : Théâtre de la Porte-Saint-Martin (Paris)
Mise en scène : Christophe Honoré

« Juste la fin du monde » : l’impossible fin de partie de Jean-Luc Lagarce au théâtre de l’Atelier

La notoriété de Jean-Luc Lagarce, metteur en scène et dramaturge, mort prématurément du SIDA à l’âge de 38 ans en 1995, n’a cessé d’augmenter depuis sa disparition. S’il n’a pas été reconnu de son vivant comme un auteur important, c’est que son langage théâtral était trop en avance, trop en décalage sur son époque.

Aujourd’hui, c’est l’un des auteurs contemporains le plus joué et traduit dans le monde entier dont la langue singulière qui creuse en profondeur (originalité de la syntaxe, phrase musicale, à tiroirs, incises), en un mot frappante, mêlant l’intime et la comédie sociale, l’identifie immédiatement.

Une forme stylistique faite de variations et de répétitions où la parole qui bute, trébuche, se reprend, questionne la dramaturgie à travers un dialogue ressassant, qui porte à son paroxysme la difficulté à dire et à être au monde.

Avec cette pièce chorale « Juste la fin du monde » dans une mise en scène de Michel Raskine, il fait son entrée en 2008 au répertoire de la Comédie-Française.

Aujourd’hui, Johanny Bert revient à cette pièce et fait entendre avec justesse et naturel, cette intranquillité du monde, si propre au dramaturge, et que focalise à travers le prisme familial, toutes ses incompréhensions, ses tensions, ses conflits, ses douleurs, ses replis, mais aussi sa force vitale, aussi maladroite qu’impulsive.

Une parole impossible

Après une longue absence, Louis, un jeune écrivain de 33 ans, revient en province auprès de sa famille pour annoncer sa mort prochaine. Mais le retour inespéré du fils ainé ne se passe pas comme prévu, plombé par une incommunicabilité trop lourdement ancrée et propice désormais aux rancœurs et aux rivalités non résolues. Et Louis repartira donc sans avoir pu se livrer, emportant avec lui son lourd secret.

Car très vite, les mots s’aiguisent et les malentendus s’accumulent. Entre confidences, remémoration et non-dits qui touchent au plus profond de l’être, l’écriture ténue de Lagarce toujours précise, ardente, violente, décortique les blessures et les frustrations de chacun qui tente maladroitement, vainement, de rattraper le temps perdu, cristallisant à jamais l’impossible rapprochement.

Des sentiments asphyxiés

Le verbe court de Lagarce qui procède par incises – les personnages reprenant sans cesse ce qu’ils viennent de dire en le modifiant – ce qui lui imprime une cadence fragmentée, nous suspend à ces échappées verbales révélatrices chez les personnages de leur fragilité et de leur mal-être, où dans un aller-retour émotionnel constant entre les protagonistes se répondent les grandes obsessions du dramaturge : l’abandon, le retour, la mémoire, la solitude, et la mort.

Dans un espace onirique et en lévitation, où les objets de la maison se trouvent au-dessus des personnages, suspendus à des filins rouges, montant ou descendant au grès des scènes séquentielles qui se succèdent, le tout renvoyant à une mémoire enfouie (celle de Louis) et des autres, où cette famille qui ne le comprend pas, ne l’écoute pas, exacerbe implacablement sa différence et son isolement affectif.

C’est cette errance et cette réminiscence observées finement que rend compte cette proposition du metteur en scène en quête d’une vérité humaine, où plane aussi le fantôme du père disparu.

Dans le rôle de Louis, Vincent Dedienne est troublant d’authenticité et de mutisme. Il fait corps avec la langue de Lagarce (ici désacralisée) et son empêchement, son enfermement, aux infinies résonances, tandis que Loïc Riewer porte dans une humanité magnifique, toute la colère du monde en tant que frère meurtri et en mal de reconnaissance. Christiane Millet (la mère), Astrid Bayiha (Catherine la belle soeur) et Céleste Brunnquell (Suzanne, la petite soeur) sont aussi convaincantes aux prises avec cette famille en mal de communication et qui se heurte à des sentiments asphyxiés.

Date : depuis le 15 janvier 2025 – Lieu : Théâtre de l’Atelier (Paris)
Mise en scène : Johanny Bert

« Heimweh », l’ovni théâtral au pays des edelweiss

Ce spectacle, ovni théâtral par excellence, nous offre une critique grinçante et drôle d’un petit pays neutre, la Suisse. Et plus largement d’une société où la posture et le consensus anesthésient les êtres, ne laissant plus aucune place aux aspérités ni au moindre débordement impulsif et vital, si propre à la vie et à sa désobéissance. Réjouissant !

Le metteur en scène Gabriel Sparti témoigne avec cet opus, des rapports ambigus et complexes qu’il entretient avec son pays natal et sa société polissée par le consensus et l’illusoire perfection.

Tout commence dans le noir et une sensation de vide oppressante, avant qu’un personnage dissertant au près d’un lac, ne se retrouve face à trois êtres improbables. Aucun d’eux n’élève jamais la voix ni ne proteste, enchaînant les banalités dans leur conversation pour éviter toute forme d’engagement.

Bienvenue en absurdie

Le fil narratif se tisse sur des esquisses d’actes ou de discours empêchés. Car rien n’advient jamais chez ces personnages mal à l’aise, anglués dans leur insignifiance, et qui, par cet embarras compulsif, bousculent leur raison d’être et inquiètent l’Étranger comme les spectateurs. Un degré de platitude poussé à son comble qui intrigue et fait naître chez le spectateur, un état de concentration et d’attente aux prises entre le désir obsédant d’en apprendre plus et la déception constante face à eux qui n’ont rien à dire ou à partager. Des êtres inatteignables littéralement sclérosés par le conformisme social et une inaptitude à être.

Sur le plateau, l’auto-censure et le désir de consensus sont portés à leur paroxysme dans un décor d’une extrême simplicité et un étirement de la représentation. Un procédé dramaturgique propice à un état de tension chez le spectateur, sciemment entretenu par les figures qui sont au centre du processus : celles-ci jouant et déjouant l’attente nerveuse d’un aveu, d’une prise de parole substantielle. Par leurs diversions insignifiantes et feutrées, elles s’échappent perpétuellement dans un immobilisme verbal et gestuel confondant et déstabilisant.

Ce jeu trop petit, contraint, noyé par un trop-plein de douceur et de politesse insuffle un comique de crispation transformant lentement, à l’usure, les rires en frustration. D’une efficacité redoutable, le public intègre tant bien que mal l’inéluctabilité de la situation et sa dérision mortifère.

Mené par un quatuor d’interprètes au diapason : Donatienne Amann, Karim Daher, Alain Ghiringhelli et Orell Pernot-Borràs, cette traversée est un brûlot aussi singulier que régénérant à l’anéantissement subversif qui frappe nos sociétés contemporaines si soucieuses de préserver le politiquement correct et la pensée unique.

Dates : du 13 au 24 janvier 2025 – Lieu : Théâtre de la Bastille (Paris)
Mise en scène : Gabriel Sparti