« Le Silence » et son écho au Vieux-Colombier

« Dans l’économie de paroles, un autre rapport à la vérité se dévoile » écrivent Lorraine de Sagazan et Guillaume Poix, les auteurs de ce spectacle radical et habité. Un drame sans dialogue donc, inspiré du cinéma d’Antonioni et dans lequel le spectateur, plus disponible que jamais, compose la narration.

Car le spectateur est dans la position d’un enquêteur dont le parcours est jalonné par des moments-clés, où c’est à lui d’agencer à sa guise et selon son propre ressenti, les pièces d’un puzzle dont le dessin se précise peu à peu tout au long de la représentation.

Il ne s’agit pas ici de l’adaptation d’un scénario mais d’une création inspirée de la vision artistique du cinéaste avec ses thèmes de prédilection tels que le manque d’amour, la disparition, la recherche de la vérité, le temps qui passe et de sa dimension plastique qui travaille sur le monologue intérieur.

Le plateau, en bifrontal, sépare le public en deux. Vision panoramique sur un appartement bourgeois, bohème, et en désordre : siège confident, piles de 33-tours, bibliothèque, buffet, table en faux marbre, photos sous cadre, livres (La Révolution copernicienne, La Fabrique des rêves), des post-it sur une glace, ou encore une bouteille de whisky. Dans un coin, des cartons emballés et en surplomb au dessus du mobilier, un écran vidéo. Et puis un chien qui déambule dans ce décor en mouvement et immobile, du dedans et du dehors.

Des sensations à l’introspection 

Une scénographie (Anouk Maugein) narrative aux couleurs chaudes et sous les musiques enflammées de Lucas Lelievre. Un couple de parents (Marina Hands et Noam Morgensztern) est là, porteur d’une douleur immense.

Sur scène, le couple mutique est rejoint par deux proches, Julie Sicard et Stéphane Varupenne, ainsi qu’un personnage mystérieux (une mémoire) Baptiste Chabauty, qui reçoit impassiblement tous les affects.

D’entrée un climat s’impose et s’empare des personnages avec une essence singulière et une acuité particulière où l’on découvrira peu à peu la raison de ce chaos intérieur au travers des objets, des sons et des images projetées.

Un tempo porté par des résonnances multiples aux prises avec la perte, l’attente, l’absence ou le désir de couples qui se font et se défont.

Dans ce théâtre introspectif et de l’intime au bord du vide, les acteurs sont saisissants. D’un insaisissable mystère, Marina Hands capte la scène d’un jeu d’une infinie précision aux maintes variations où elle donne tout. Entre emportement, abattement, pleurs, ressaisissement, jusqu’à cette scène mémorable où elle livre une danse tribale aussi introspective qu’exutoire.

Ses allées et venues, à la manière de formules incantatoires, créent un rythme lancinant et instaure une ambiance lourde où le malaise du couple se fait asphyxiant.

Une détresse envahit l’espace où la mise en scène incarnée de Lorraine de Sagazan cristallise au plus près ce huis clos et le temps qui se suspend, se tend et s’anéantit, là où la condition d’être se débat entre l’ici et l’ailleurs, la rage et le renoncement, la force et la brisure. Bravo !

Dates : du 31 janvier au 10 février 2024 – Lieu : Comédie-Française – Vieux- Colombier (Paris)
Mise en scène : Lorraine de Sagazan

« Rohtko », le théâtre augmenté de Łukasz Twarkowski à l’Odéon – Ateliers Berthier

C’est à partir d’une réflexion autour de la valeur de l’art – financière et/ou esthétique – et de la distinction entre original et copie (qui dépasse le seul artiste Rothko) que s’articule le spectacle imaginé par Łukas Twarkowski, qui a longtemps travaillé aux côtés de Krystian Lupa comme assistant metteur en scène ou collaborateur artistique sur « Salle d’attente » ou « Perturbation ».

Depuis une dizaine d’années, il signe en Pologne et dans les pays baltes des productions de théâtre total particulièrement spectaculaires et ambitieuses, mais c’est la première fois que son travail est présenté en France.

Rohtko (avec une faute d’orthographe volontaire !), créé en Lettonie avec des acteurs lettons, polonais et chinois, s’inspire à la fois de la vie du grand peintre américain Mark Rothko et d’un incroyable scandale de contrefaçon qui a bouleversé le monde de l’art il y a une douzaine d’années avant d’en arriver aux récentes formes d’art digital et de « crypto-art ».

Une mise en scène spectaculaire et percutante 

En 2004, un tableau de Mark Rothko, « Untitled », 1956, est vendu par une célèbre galerie d’art new-yorkaise à un couple de collectionneurs pour plus de huit millions de dollars. Sept ans plus tard, on découvre qu’il s’agit d’un faux – un Rohtko. C’est Pei-Shen Qian, un artiste chinois devenu professeur de maths dans le Queens, qui l’a peint dans son garage, avec quelques autres Pollock et De Kooning.

Un tableau falsifié peut-il encore nous émouvoir ? Quelle est l’importance des originaux à l’heure des NFT et des blockchains ? Qui décide de la valeur d’une œuvre d’art ? À quel point un artiste est-il libre ? Qu’est-ce que l’art, en fin de compte ? Quelle est l’importance de l’art – quelle est l’importance de la vie elle-même – maintenant que les réalités virtuelles existent ?

Sans oublier le concept chinois de shanzai qui sert aussi de fil rouge à l’intrigue et consistant à nier la division traditionnelle entre copie et original, marquant une différence capitale avec l’Occident.

Ce sont toutes ces questions qui traversent ce spectacle de quatre heures dans une mise en scène spectaculaire et percutante. Car ici ce ne sont pas les dialogues qui importent mais les images et leur illusion sensorielle, confusionnelle.

A l’abri d’effets visuels, cinématographiques et sonores foisonnants et/ou tonitruants qui superposent la temporalité et les lieux d’action, démultiplient les points de vue, le dispositif scénique embarqué et impressionnant brouille les frontières entre le réel et la fiction, faisant écho à la relation trouble qui se joue entre l’original et le faux (sa confusion) et sa nouvelle représentation dans un environnement virtuel et ultra-capitaliste.

Emmené par une distribution de haut vol, chacun des comédiens dessine sa partition et interagit entre le kaléidoscope augmenté, déroulé sur scène, de l’art physique et virtuel, ou l’art dupliqué. Bravo !

Dates : du 31 janvier au 9 février 2024 – Lieu : Ateliers Berthier (Paris 17ème)
Metteur en scène : Łukas Twarkowski

“La Mouette” de Brigitte Jaques-Wajeman, un vol captivant

Dans La Mouette, Anton Tchekhov (1860-1904) fait de l’art et de l’amour le terrain de prédilection des passions inaccomplies et des désillusions.

Celles notamment de Nina, une jeune fille qui rêve d’être actrice mais dont la vocation sera détruite par une trahison amoureuse, ou celles de Constantin Treplev, épris de Nina qui en regarde un autre. Treplev est un jeune auteur épris d’absolu en quête de reconnaissance et de l’amour d’Irina, sa mère, comédienne célèbre, qui le méprise ouvertement et n’a d’yeux que pour l’écrivain en vogue, Trigorine, son amant.

Il y a Trigorine qui représente un art conventionnel, souvent auto-satisfait, un art reconnu mais qui manque cruellement de radicalité, de liberté et sans doute de passion, à l’inverse de celui de Constantin qui se cherche, ne connaissant pas les lois, les règles de la scène, du théâtre, de la narration, mais qui veut révolutionner le théâtre, témoigner d’un engagement, au risque d’être ridicule, superficiel et dérisoire dans son art.

Comment vivre ?

Une rivalité qui embrasse alors une expérience humaine avec ses non-dits et ses conflits intérieurs, où le spectacle donné par Treplev devant ses proches qui se transforme en un manifeste pour un théâtre avant-gardiste, est fustigé par sa mère. Et si les liens intimes et la condition d’artiste sont mis à mal, l’amour y est aussi compliqué : l’instituteur aime Macha qui aime Constantin qui aime Nina qui aime Trigorine, lequel fait semblant d’aimer Arkadina.

Entre frustrations et acte manqués, chacun des protagonistes est suspendu à un flot continu d’espoirs et de renoncements. Un condensé de vie où Brigitte Jaques-Wajeman scrute avec finesse les abîmes indicibles et les fuites avortées.

Sur le plateau, l’abstraction est de mise avec comme décor un tréteau nu, constitué de billots de bois brut, qui donne sur un ciel immense, représenté par un tableau, dont les variations lumineuses scandent le déroulement des quatre actes de la pièce. Une scénographie à l’épure parfaite qui télescope le dedans et le dehors, l’ici et l’ailleurs, propice à une temporalité aux prises avec la vie et ses méandres.

Portée par la traduction enlevée de Gérard Wajcman, « La Mouette » résonne dans le présent où les protagonistes se confrontent au réel.

Des notes de musique traversent la pièce, cristallisant le spleen des personnages et leur empêchement à être, alors que gronde au plus profond d’eux-mêmes un désir de vivre enfin…

Ardent, sensible, désespéré, Raphaël Naasz est magnifique dans le rôle de Treplev dont il porte de tout son être, la fureur et la blessure de vivre. Ses partenaires ne sont pas en reste où chacun dessine sa partition dans un mouvement à l’unisson et donne à cette « Mouette » toute sa dimension symbolique et sacrificielle. Bravo !

Dates : 31 janvier au 11 février 2024 – Lieu : Théâtre de la Ville – Les Abbesses (Paris)
 Mise en scène : Brigitte Jaques-Wajeman

« Poquelin II » ou Molière en flamand dans le texte par les Tg Stan !

Le collectif flamand tg STAN connaît bien l’œuvre de Molière. En 2003, il créait Poquelin, un spectacle qui puisait son matériau dans plusieurs pièces du génie comique du 17e siècle : Le Médecin malgré lui, Sganarelle et Le Malade imaginaire. Selon le même procédé, il récidive aujourd’hui avec Poquelin II, un montage de passages empruntés au Bourgeois gentilhomme (1670) et à L’Avare (1668).

Dans ces deux pièces, Molière pointe l’inanité de quêtes ridicules : celle de M. Jourdain, un bourgeois aisé et vaniteux — un nouveau riche, dirait-on aujourd’hui —, qui multiplie les efforts pour imiter le style de vie de la noblesse ; celle d’Harpagon, à ce point obsédé par l’argent qu’il se mue en usurier et en tyran domestique prêt à sacrifier le bonheur de ses enfants. Autant d’absurdes petits arrangements financiers et moraux qui constituent le fil rouge du spectacle.

Un esprit de troupe en osmose totale avec le texte     

Malentendus, quiproquos, coups de théâtre, faux-semblants, ironie dramatique, sont à l’œuvre dans ce théâtre qui déborde de toute part et dont l’excès s’accorde à la marque de fabrique de la troupe : loufoque, irrévérencieuse, et déjantée. Le tout dans un art aussi dosé que maîtrisé.

Les comédiens belges s’en donnent à cœur joie, aguerris à l’esprit Moliéresque et à son sens du grotesque, propice à toutes les variations abracadabrantesques. Des situations plus folles les unes que les autres que le collectif s’approprie avec un art consommé du plateau et une distanciation décomplexée pour camper à l’envi ce vieil avare obsessionnel qui est aussi amoureux de la prétendante de son fils !

Une musicalité flamande 

Ou encore dans la mise en situation de ce Bourgeois gentilhomme et son apprentissage épique ! avec cette scène mémorable des voyelles à l’abri de son maître de philosophie qui offre un passage dadaïste où on le voit aux prises avec ce désir de revenir à la racine de la parole pour en réinventer la quintessence des choses…

En écho avec le monde d’aujourd’hui, le spectacle brocarde allègrement la bourgeoisie (bien fait !), la facticité et toutes les formes de vanité morale ou sociale. Sans oublier aussi un éloge vibrant du théâtre et du jeu où à partir d’un décor minimaliste de bric et de broc, Stijn Van Opstal, Bert Haelvoet, Damiaan De Schrijver, Jolente De Keersmaeker, Els Dottermans, Willy Thomas, et Jan Bijvoet partagent la scène, en équilibre précaire ce qui en fait le sel, et incarnent au total une quinzaine de personnages avec une prestance irrésistible.

Taillés sur démesure, les costumes accentuent encore la dimension carnavalesque de la farce échevelée qui, (très) loin de la plate fidélité à la lettre, rend l’esprit de Molière plus vivant, et mordant que jamais. L’accent flamand participe aussi au magnétisme de la satire, créant un léger décalage avec le texte initial et un rapprochement avec l’ici et maintenant aussi caustique qu’efficace. Un vrai régal. Bravo !

Dates : 1 et 2 février 2024 – Lieu : Théâtre La Piscine (Châtenay-Malabry)
Création collective : Tg Stan

« Ils nous ont oubliés » : le grand geste de Séverine Chavrier

L’œuvre de Thomas Bernhard brûle d’une rage dévastatrice et se débat à la fois contre et avec le poids d’une culture empreinte de traditions, de chaos et de contradictions. Une hargne propre à dénoncer la persistance et le camouflage des réflexes et des tentations fascisantes, tout comme des traumas liés à l’histoire trouble du XXème siècle.

Un emportement verbal qui procède chez le dramaturge d’une impossibilité viscérale à supporter le monde tel qu’il va, et qui s’incarne dans une voix solitaire, qui butte et s’obstine, soutenue par le seul combat obstiné de l’artiste, jusqu’au risque de sa détestation et de son autodestruction.

C’est encore cette douleur ravageuse qui est à l’œuvre dans « Ils nous ont oubliés » où à travers un redoutable huis-clos s’explore toutes les névroses, frustrations et empêchements que provoque le couple et son enfermement mortifère.

Entre fureur et mélancolie

Le couple donc vecteur et métaphore de tous les traumas, de toutes les résurgences-fulgurances, de tous les maux qui consument et anéantissent l’âme.

La situation de départ est riche de contradictions : Konrad, un homme qui prépare un traité sur l’ouïe auquel il ne cesse de penser mais dont il n’a pas encore écrit un traître mot, vit reclus avec sa femme infirme dans une usine abandonnée, transformée par sa volonté en une véritable prison, à moins qu’il ne s’agisse d’un mausolée.

Le récit commence au moment où Konrad tue sa femme. Il se déroule ensuite à la manière d’une reconstitution menée par bribes par un narrateur invisible. Avec l’ironie cinglante qui fait son style, Bernhard y mène une réflexion brutale et jubilatoire sur ses thèmes de prédilection, où se mêlent l’intime et le politique : les affres de la condition humaine, le repli sur soi, les rapports de domination, de classe, et la création, ici son œuvre ultime qui finalement ne peut s’accomplir que dans la mort et qui emporte tout.

Folie d’un homme aux prises avec un enfer conjugal où ses certitudes et obsessions disent toute la tyrannie et l’incompréhension d’une intelligence mise à mal qui tourne à vide : miroir d’un monde en décomposition, tandis que le couple, dans un rapport sans cesse inversé de maître à esclave, s’affronte et se confronte à l’abri d’un isolement total et d’un véritable étouffement de la chair, propices à leur enfermement et solitude sacrificielle.

Un embrasement total

Dans ce jeu de miroir abyssal d’un couple à deux faces, le bruit et la fureur y sont partout, le ressassement aussi, et cette tension entre une foi inébranlable dans l’art, comme raison de vivre, et la tentation de l’absolu qui porte en elle le désastre.

De ce texte qui parle à la fois d’isolement et d’envahissement, du silence et du vacarme, du désir de créer et de l’impossibilité qui en résulte, d’amour et de mépris, Séverine Chavrier s’en empare avec un geste fort.

A l’abri d’un embrasement total, la metteuse en scène fait du son (percussions et musique jouées en direct) le cœur vibrant de cette plâtrière aux confins du monde dans laquelle Konrad s’est enfermé pour écrire un improbable traité sur l’ouïe. Les bruits viennent ainsi diffracter l’espace, le sculpter. A l’instar de la vidéo qui est composée comme une pièce de musique, avec ses rythmes, ses effets de profondeur, son alternance entre le mouvement et le plan fixe.

Sans jamais illustrer le récit, les images captent un autre angle, change les perspectives, mélange les échelles, brouille les frontières entre l’espace mental des protagonistes et leur environnement. Et façonne un univers dans lequel le vrai et le faux, le visible et l’invisible cohabitent.

Des arbres de sève et d’écorce viennent épaissir une forêt projetée en vidéo, des oiseaux vivants virevoltent autour d’animaux empaillés. Une étrangeté se fait jour où le réel et le factice se confondent en permanence.

Si la metteuse en scène prend quelques libertés avec le texte, par l’ajout de personnages comme celui notamment de l’infirmière, elle reste fidèle à l’esprit bernhardien et à son ton féroce, ironique et désespéré.

Et dans cette dévastation qui est à l’œuvre, les acteurs : Laurent Papot (Konrad), Marijke Pinoy (Madame Konrad), Adèle Bobo-Joulin (l’infirmière) sont des sentinelles qui tiennent de bout en bout la partition, soutenus par les improvisations d’un percussionniste et les spectres sonores qui envahissent les lieux, depuis le sous-sol jusqu’aux tréfonds de la vallée. Bravo !

Dates : du 16 janvier au 10 février 2024 – Lieu : Théâtre de la Colline (Paris)
Adaptation et mise en scène : Séverine Chavrier