« Heimweh », l’ovni théâtral au pays des edelweiss

Ce spectacle, ovni théâtral par excellence, nous offre une critique grinçante et drôle d’un petit pays neutre, la Suisse. Et plus largement d’une société où la posture et le consensus anesthésient les êtres, ne laissant plus aucune place aux aspérités ni au moindre débordement impulsif et vital, si propre à la vie et à sa désobéissance. Réjouissant !

Le metteur en scène Gabriel Sparti témoigne avec cet opus, des rapports ambigus et complexes qu’il entretient avec son pays natal et sa société polissée par le consensus et l’illusoire perfection.

Tout commence dans le noir et une sensation de vide oppressante, avant qu’un personnage dissertant au près d’un lac, ne se retrouve face à trois êtres improbables. Aucun d’eux n’élève jamais la voix ni ne proteste, enchaînant les banalités dans leur conversation pour éviter toute forme d’engagement.

Bienvenue en absurdie

Le fil narratif se tisse sur des esquisses d’actes ou de discours empêchés. Car rien n’advient jamais chez ces personnages mal à l’aise, anglués dans leur insignifiance, et qui, par cet embarras compulsif, bousculent leur raison d’être et inquiètent l’Étranger comme les spectateurs. Un degré de platitude poussé à son comble qui intrigue et fait naître chez le spectateur, un état de concentration et d’attente aux prises entre le désir obsédant d’en apprendre plus et la déception constante face à eux qui n’ont rien à dire ou à partager. Des êtres inatteignables littéralement sclérosés par le conformisme social et une inaptitude à être.

Sur le plateau, l’auto-censure et le désir de consensus sont portés à leur paroxysme dans un décor d’une extrême simplicité et un étirement de la représentation. Un procédé dramaturgique propice à un état de tension chez le spectateur, sciemment entretenu par les figures qui sont au centre du processus : celles-ci jouant et déjouant l’attente nerveuse d’un aveu, d’une prise de parole substantielle. Par leurs diversions insignifiantes et feutrées, elles s’échappent perpétuellement dans un immobilisme verbal et gestuel confondant et déstabilisant.

Ce jeu trop petit, contraint, noyé par un trop-plein de douceur et de politesse insuffle un comique de crispation transformant lentement, à l’usure, les rires en frustration. D’une efficacité redoutable, le public intègre tant bien que mal l’inéluctabilité de la situation et sa dérision mortifère.

Mené par un quatuor d’interprètes au diapason : Donatienne Amann, Karim Daher, Alain Ghiringhelli et Orell Pernot-Borràs, cette traversée est un brûlot aussi singulier que régénérant à l’anéantissement subversif qui frappe nos sociétés contemporaines si soucieuses de préserver le politiquement correct et la pensée unique.

Dates : du 13 au 24 janvier 2025 – Lieu : Théâtre de la Bastille (Paris)
Mise en scène : Gabriel Sparti

« From England with love » : la danse possédée d’Hofesh Shechter

On ne se lasse pas de la danse tellurique et percutante d’Hofesh Shechter. Une signature façonnée par son histoire personnelle et empreinte d’une expressivité aussi fiévreuse qu’impétueuse.

Ancien danseur de la Batsheva Dance Compagny, Hofesh Shechter grandit et fait ses armes à Jérusalem. Il s’y imprègne de ballet, de danses traditionnelles juives, de danses modernes et de gestes quotidiens.

Dès son arrivée en Angleterre, il puise dans ces différents corpus pour retenir et imprimer une danse volcanique et impulsive, où les pulsions corporelles interagissent sur la bande son et son écho vibratoire.

Une danse fièvreuse aux accents théâtralisés

Avec « From England with » Love et les huit jeunes danseurs de sa compagnie, le chorégraphe fait voler en éclats l’image lisse et polie de l’Angleterre. Dans une explosion de mouvements et de sons qui mêlent Purcell aux rythmes d’outre-tombe d’un rock crépusculaire, d’échos de chœurs et autres dissonances électroniques, ses interprètes nous entraînent dans les méandres de quêtes identitaires et initiatiques.

La chorégraphie, sculptée par la lumière, se fait altière et fiévreuse, sacralisant les mouvements et ondulation des corps dans un élan et une fougue impressionnante. Comme si Hofesh Shechter cherchait à donner forme à la dimension combative d’une danse en résistance.

Les sons obsédants et transcendants exercent alors un pouvoir absolu sur les danseurs, leurs corps étant habités d’une énergie vitale, compulsive et ravageuse, miroir d’une époque confuse et paradoxale. Le tout porté par une danse aux accents théâtralisés et pleine de rupture.

Sous haute tension, la danse toujours fluide à la gestuelle virtuose se réapproprie chaque mouvement. Avec une maîtrise sans faille, le ballet porté par une physicalité musicale, accompagne sans relâche l’effervescence d’une génération en ébullition et déboussolée.

Dates : du 6 au 18 janvier 2025 – Lieu : Théâtre de la Ville – Les Abbesses (Paris)
Chorégraphe : Hofesh Shechter

Le monde intranquille de Joël Pommerat dans « La Réunification des deux Corées », à Lyon

Depuis plus de vingt ans, Joël Pommerat qui se revendique « écrivain de plateau », écrit et met en scène. Reconnaissables dès les premières secondes pour l’univers poétique dont elles sont tissées, mêlant intimement le clair-obscur de l’imaginaire (l’inconscient) à la réalité mais aussi les rapports entre individus, les histoires scéniques de Pommerat s’apparentent à des comtes moraux et immoraux. Où comment le bien et le mal se masquent, se mélangent l’un derrière l’autre, l’un avec l’autre.

Et à partir d’un sujet qui semble tout à fait réaliste donc concret, le dramaturge nous entraîne de par son écriture dans une autre réalité, celle de personnages enfermés en eux-mêmes qui rêvent et parlent seuls à travers de longs discours émouvants ou encore entre eux, déterminés par le rôle familial/social dans lequel ils sont prisonniers.

L’utilisation du micro comme vecteur de la voix contribue aussi à créer un climat à part entière. Le théâtre de Pommerat est donc un monde à part qui chemine entre l’ici et l’ailleurs. Un monde d’ambiguïté, de trouble, de profonde humanité où par-delà le visible et son implacable vérité, l’inconscient de nos « je » et les interdits collectifs sont également convoqués.

Un monde sans fard aussi lorsqu’il s’attaque au conte en revisitant de sa magie noire Pinocchio, Le Petit Chaperon rouge ou encore Cendrillon. Un monde désabusé, d’illusions perdues traduisant parfaitement les angoisses de notre époque lorsqu’il narre le capitalisme dans Les Marchands ou La grande et fabuleuse histoire du commerce. Chacune de ses œuvres est d’une inventivité plastique et théâtrale rares où Pommerat s’affirme comme l’un des auteurs-metteurs en scène majeurs et singuliers.

« La Réunification des deux Corées » a été créée en 2013 à l’Odéon-Théâtre de l’Europe. La pièce est revenue à Paris pour une « recréation », notamment en passant d’un dispositif bi-frontal (2 gradins se faisant face) à un rapport frontal avec le public, faisant naître un nouveau rapport à l’espace, à l’écriture narrative, visuelle et sonore. Elle est aujourd’hui présentée à Lyon.

Une écriture ciselée qui aborde en vingt instantanés la difficulté d’aimer et d’être aimé, tout en explorant les gouffres de nos sentiments imparfaits, porteurs de malentendus, de mensonges, de lâcheté, de trahison, ou encore d’incompréhension.

En une suite de scène courtes, des hommes et des femmes se croisent, s’aiment ou se heurtent, se confrontant à une situation souvent ambiguë, cruelle, surréaliste, ou douloureuse, tout en rêvant d’une (im)possible réunification…

Au bord du gouffre

Des instants ouverts sur l’irrationnel et l’incohérence du désir. Sur la brutalité des rêves et la brûlure des désillusions. Sur les fantômes qui hantent nos jardins secrets, aux lisières de la folie ordinaire.

C’est à cette ligne de rupture de la relation, du désir et de ses déchirements, qu’ils soient amicaux, amoureux ou familiaux, que nous confronte ce spectacle, et nous tend un miroir universel à nos (res)sentiments.

Passant de la comédie à la tragédie, de l’ombre à la lumière, avec des scènes empruntées au réel et à l’imaginaire, c’est l’histoire de gens (extra)ordinaires, à la croisée de leurs chemins personnels et intimes, surgissant de l’obscurité, et à ce là moment, fatidique, où tout bascule vers l’inconnu et une étrangeté existentielle.

La scénographie fait surgir du noir le plus profond, sous une lumière sculpturale assortie d’une sonorisation suggestive ou pop, les personnages et les situations. Elle les charge d’une dimension crépusculaire, mystérieuse, sensorielle, et concrète qui imprime une intensité et un naturalisme au climat instauré, où chaque tableau explore une situation dans laquelle une relation est mise à l’épreuve.

Sur la plateau, les séquences s’enchaînent sans répit comme dans un film entre un clair obscur inquiétant et une sophistication éblouissante. Elles démontrent une maîtrise scénique et artistique très aboutie qui entremêle l’histoire intime et collective, sondant au plus profond la nature humaine et ses fêlures. Séquence nostalgique où un crooner androgyne, sorti de nulle part, apparait, et nous rappelle l’illusion du théâtre et sa distanciation impérieuse.

Cette appropriation de l’aire de jeu par Pommerat dans une vérité propre, multiforme et surréaliste constitue, dans le ressenti qu’elle fait naître et l’évocation qu’elle suscite, une expérience unique pour le spectateur.

Pierre angulaire de cette mise en abîme, les comédiens : Saadia Bentaïeb, Agnès Berthon, Yannick Choirat, Philippe Frécon, Ruth Olaizola, Marie Piemontese, Anne Rotger, David Sighicelli, Maxime Tshibangu qui sont, là, tous unis dans un jeu singulier, juste et précis. Du grand art. Bravo !

Dates : du 7 au 17 janvier 2025 – Lieu : Théâtre des Célestins (Lyon)
Auteur metteur en scène : Joël Pommerat