La Fondation Louis Vuitton profite du centenaire de l’arrivée en France de l’artiste américain Alexander Calder et du cinquantenaire de sa disparition en 1976 pour présenter l’exposition Calder, Rêver en équilibre avec certaines de ses œuvres les plus emblématiques sur plus de 50 ans de création.
Une exposition comme un voyage féérique
L’exposition de la Fondation Vuitton présente des œuvres créées entre la fin des années 1920 et les années 60/70. Entre les premières représentations du Cirque Calder et les sculptures monumentales qui ont redéfini l’idée d’art public, c’est tout un périple artistique qui se déroule devant les yeux des visiteurs émerveillés. Au sein de la Fondation Vuitton aux bâtiments imaginés par le célèbre architecte américain Frank Gehry, les célèbres mobiles déploient leur légèreté aérienne dans une chorégraphie féérique. Une autre exposition dédiée à Alexander Calder nommée Performing Scultpures s’était déroulée à la Tate Modern de Londres en 2015 avec des œuvres qui flottaient dans les airs et dessinaient des ombres mystérieuses sur les murs, le même sentiment d’étrangeté étreint les visiteurs fascinés par les chorégraphies aériennes des œuvres faites de métal et de plaques colorées. L’exposition comprend également des peintures et des structures rigides pour ne rien oublier de la réflexion toujours en mouvement de l’artiste. L’exposition s’étend sur plusieurs étages et a été conçue en étroite collaboration avec la Calder Foundation qui en est également le principal prêteur. Elle bénéficie en outre de prêts d’institutions internationales et de collectionneurs privés de premier ordre avec au total près de 300 œuvres, des mobiles et des stabiles et également des portraits réalisés à partir de fil de fer, des figures sculptées en bois, des peintures, des dessins et même des bijoux conçus comme de véritables sculptures. Le parcours chronologique occupe plus de 3000 m2 pour figurer les préoccupations artistiques majeures de Calder, le mouvement, la lumière, la réflexion, les matériaux bruts, l’équilibre et la gravité. Des œuvres de Picasso, Paul Klee, Miro ou Mondrian parsèment le parcours pour des rapprochements chronologiques et artistiques qui titillent l’imagination des visiteurs.
L’exposition est visible jusqu’au 16 aout 20206, l’occasion de se confronter à un artiste qui interpelle et fascine.
[BD] Braquage à la hussarde, de Vincent Brugeas & Mr Fab (Glénat)
Notre avis sur Braquage à la hussarde : Vincent Brugeas et Mr Fab livrent un récit historique tendu, à mi-chemin entre le film de casse et le drame politique. Ancré dans une période charnière de l’histoire de France, l’album détourne les codes du braquage classique pour les transposer dans un contexte napoléonien en pleine chute, donnant naissance à un huis clos aussi brutal que stratégique.
L’intrigue : un braquage napoléonien en 1814
L’intrigue se déroule en 1814, alors que l’Empire vacille sous la pression des armées alliées. Cinq officiers français refusent d’assister passivement à l’effondrement du régime et élaborent un plan audacieux : capturer une comtesse royaliste afin de mettre la main sur un mystérieux coffre. Mais derrière l’or supposé se cache un enjeu bien plus vaste, capable de faire basculer l’équilibre du pouvoir.
Très rapidement, le récit abandonne la mécanique classique du braquage pour basculer vers un affrontement psychologique. Une fois enfermés dans le château, les rapports de force évoluent, les alliances se fissurent et la tension devient omniprésente. Entre fidélité à Napoléon, ambitions personnelles et tentations de trahison, les cinq hommes se déchirent sous le regard d’une comtesse loin d’être aussi vulnérable qu’elle en a l’air.
Braquage à la hussarde avis : un thriller politique tendu
C’est précisément dans cette dimension que Braquage à la hussarde trouve sa singularité. Plus qu’un récit d’action, l’album s’impose comme un thriller politique resserré, où chaque décision peut faire basculer le destin des personnages comme celui du pays. Le huis clos devient un laboratoire de tensions, où se confrontent loyauté, idéologie et survie.
Graphiquement, Mr Fab accompagne cette montée en pression avec un dessin expressif et énergique. Les compositions accentuent l’enfermement et la proximité des corps, tandis que les couleurs chaudes renforcent l’atmosphère oppressante. L’influence des grandes fresques historiques se mêle à une mise en scène très cinématographique, donnant au récit une intensité constante.
Un one-shot dense et maîtrisé
Ce one-shot se distingue également par son efficacité narrative. Sans s’étendre inutilement, il construit une progression tendue, où chaque révélation relance les enjeux. L’équilibre entre contexte historique et suspense fonctionne pleinement, rendant la lecture aussi immersive que nerveuse.
Avec Braquage à la hussarde, Brugeas et Mr Fab signent un album dense et maîtrisé, qui détourne les codes du genre pour proposer un thriller historique incisif. Une lecture tendue, intelligente et parfaitement rythmée. A lire !!
Extrait de la BD :
Résumé éditeur :
Cinq hommes. Un coffre. Un secret qui peut faire basculer l’Histoire.France, 1814. L’Empire s’essouffle et les armées alliées envahissent la France. Et tandis que Paris tremble, cinq officiers français ayant prêté allégeance à la franc-maçonnerie refusent de rester spectateurs de la chute de Napoléon. Leur plan : capturer une comtesse royaliste ! Ce n’est pas tant cette vieille cousine des Bourbons qui les intéresse mais son coffre qui pourrait faire vaciller le pouvoir ! Barricadée au cœur d’un château isolé, la Comtesse revenue d’exil détient un coffre-fort rempli d’or… et de secrets. Les cinq officiers livrent un assaut audacieux mais une fois à l’intérieur rien ne va se passer comme prévu. À qui est destiné ce trésor et que révèle la correspondance codée que la Comtesse garde précieusement ? Alors qu’ils n’ont jamais été aussi proches du but, des divisions éclatent entre les cinq frères d’armes. La tension monte d’un cran quand il faut arracher de leur otage le code secret du fameux coffre. Entre fidélité à Napoléon, tentation de trahison et rêve d’Amérique, les officiers se déchirent sous le regard cruel de la Comtesse prête à jouer sa dernière carte avant que la France ne bascule…
Date de parution : 22 avril 2026 Scénario : Vincent Brugeas Dessin : Mr Fab Éditeur : Glénat Format / Pages : 80 pages
Près de vingt ans après sa première publication, les éditions Glénat remettent en circulation Comment dessiner ?dans une nouvelle édition 2026 qui ressemble moins à une simple réimpression qu’à une véritable madeleine pour lecteurs élevés à l’école Tchô!. Le tandem Zep et Tébo y retrouve intact ce mélange d’absurde, de dérision et de passion du dessin qui faisait déjà le sel de l’édition originale de 2008. on est surpris par la modernité étonnante de l’album : malgré son humour très “années Tchô!”, le livre conserve une fraîcheur communicative grâce à son rythme de strips, ses faux conseils techniques et son autodérision permanente. BDZoom parle ainsi d’un « ABC de la BD à l’humour XXL », rappelant que l’ouvrage reste l’un des rares manuels de dessin entièrement conçus comme une bande dessinée humoristique. Le paradoxe fait toute la personnalité du livre : sous les blagues idiotes, les slips dessinés à la va-vite et les gags parfois volontairement régressifs, il existe de vrais conseils de narration et de mise en scène. La nouvelle édition conserve cette philosophie intacte : apprendre à dessiner sans intimidation académique. Le discours éditorial de Glénat insiste d’ailleurs sur des « vrais conseils de pros » cachés derrière les « gags poilants », formule qui résume parfaitement l’esprit de l’album. La réédition 2026 apporte également quelques nouveautés, notamment un retour au format classique de la collection Tchô! ainsi que deux pages bonus consacrées au dessin animé. Un ajout modeste mais cohérent avec l’évolution des auteurs et avec les passerelles actuelles entre BD, animation et webtoon.
Au fond, cette édition 2026 agit surtout comme une réaffirmation de l’esprit Tchô! : une BD irrévérencieuse, généreuse et profondément amoureuse du dessin. Derrière la blague permanente, Zep et Tébo rappellent une idée simple mais précieuse : avant d’être une technique, le dessin reste un jeu.
Dans une époque obsédée par le lisse, la maîtrise de soi et la tyrannie des silhouettes calibrées, « Nous les grosses » surgit comme une déflagration tendre et rageuse.
Avec ce seul en scène écrit et mis en scène par Guillaume Druez, le théâtre cesse d’être un espace de pure représentation pour redevenir un lieu de friction, de mémoire intime et de réappropriation du corps.
Rien ici ne cherche l’exemplarité militante ou le manifeste démonstratif. Le spectacle avance autrement, dans une matière plus trouble, plus vivante, faite de souvenirs, d’humiliations anciennes, de désirs empêchés et d’humour salvateur.
Le corps comme champ de bataille
On est saisi par la singularité de la construction. Guillaume Druez refuse le piège du témoignage linéaire. Il compose une partition éclatée, presque musicale, où les récits personnels se mêlent aux injonctions sociales, aux regards des autres, aux violences ordinaires que l’on finit par incorporer comme une seconde peau.
La scène devient alors un territoire mental où l’enfance, les fantasmes romantiques, les diagnostics médicaux et les humiliations quotidiennes se superposent dans un même mouvement d’exploration.
Le spectacle s’apparente à une traversée intime et à une déambulation dans les couloirs de la grossophobie contemporaine.
Mais cette réussite dramaturgique trouverait difficilement une telle puissance sans l’interprétation de Stéphane Bissot.
Rarement une actrice aura occupé l’espace avec une présence aussi entière, aussi mouvante, aussi dangereusement sincère. Elle porte une expérience traversée par toutes les contradictions d’une existence placée sous le jugement permanent des regards.
Son art est celui des grandes actrices qui composent un univers. Elle peut faire naître le rire dans une phrase avant d’y injecter soudain une détresse abyssale.
Son corps devient ici un champ de bataille poétique, un lieu d’exposition mais aussi de résistance. Chaque silence, chaque déplacement, chaque variation de souffle paraît raconter une histoire plus vaste que les mots eux-mêmes.
Il y a dans sa manière de dire le texte une beauté et une brutalité délicate. Elle dit l’inconfort, la gêne, la détresse mais aussi la liberté.
Stéphane Bissot transforme progressivement le plateau en confession collective. À travers elle, ce ne sont plus seulement les grosses qui parlent, mais tous les corps assignés, moqués, corrigés, surveillés.
La mise en scène, d’une apparente sobriété, travaille subtilement les effets de rupture. Quelques lumières crues, des surgissements musicaux, des adresses directes au public suffisent à faire basculer le spectacle du rire à la tragédie intime face à la boulimie qui dévore de l’intérieur.
Guillaume Druez comprend que le théâtre n’a pas besoin d’accumuler les signes lorsqu’un corps raconte déjà le monde. Il laisse donc respirer le vide, les suspensions, les moments de désarmement. Cette économie scénique donne au spectacle une puissance de percussion.
Un spectacle politique aussi car il ose remettre de la chair, de la vulnérabilité et du désordre là où notre époque impose une image formatée, conditionnée. On en ressort secoué, ému, et confronté à ce que les corps portent silencieusement et dangereusement en eux.
Dates : du 15 avril au 30 mai 2026 – Lieu : Manufacture des Abbesses (Paris) Mise en scène : Guillaume Druez
L’histoire de la cafetière est de ces albums qui commencent comme une promesse tranquille… pour mieux se renverser — littéralement — sous les yeux du lecteur. Une cafetière chute, une tache envahit la page, et soudain, l’histoire déraille. À partir de cet incident minuscule, Anne Herbautsconstruit un récit très inventif. Le livre séduit par son principe narratif à la fois simple et malicieusement chaotique. Tout part d’un enchaînement absurde — un chat, un oiseau, un escabeau — qui provoque une catastrophe dérisoire mais aux conséquences collectives. L’histoire elle-même devient terrain de jeu, presque objet vivant, contaminé par la fameuse tache de café.
Très vite, le récit glisse vers une mécanique bien connue — celle de la faute partagée. “C’est à cause de l’autre !” devient le refrain implicite d’un petit monde qui se renvoie la responsabilité.
Mais là où le livre trouve sa singularité, c’est dans l’irruption de la “Tache” elle-même, presque personnifiée, qui vient remettre de l’ordre. Ce renversement — la salissure qui devient médiatrice — est souvent relevé comme une idée forte : il transforme une péripétie banale en leçon de coexistence et de réparation. Nettoyer, ranger, s’excuser : autant d’actions concrètes qui replacent les personnages dans une dynamique collective.
L’histoire de la cafetièreapparaît poétique, légèrement absurde, proche du regard enfantin.
Le film 7 jours en juin raconte un événement très peu connu autour du débarquement en juin 1944, l’épisode de Graignes. Le film se concentre sur des parachutistes américains largués beaucoup trop loin de leur zone prévue d’atterrissage. Le temps de se familiariser avec les personnages de soldats américains et de civils français, l’intrigue se met en place avec une entraide purement humaine entre ces 2 camps dans un combat main dans la main. Les scènes de guerre sont d’un réalisme impressionnant, même supérieur à certaines superproductions hollywoodiennes. Les affrontements font monter la tension en flèche avec des soldats à qui les spectateurs s’attachent rapidement. Le crescendo est prenant jusqu’à une dernière partie qui remue les tripes, rien de moins, de quoi se plonger dans une période de l’histoire que chacun devrait connaitre. La caméra se fond la plupart du temps dans l’ambiance de chaque plan et de chaque scène. La réalisation est solide, sans exagération et même souvent avec un sacré sens de l’épure pour un résultat d’un très beau réalisme. Pour tout dire, je n’avais pas entendu parler de ce film à sa sortie, il aurait pourtant mérité une bien meilleure publicité. Même s’il est dommage que les soldats américains parlent autant français, pas très réaliste même si dans la vraie histoire, quelques soldats acadiens ont permis une communication facile entre les soldats et les civils français. Un film à découvrir.
Synopsis: Le 6 juin 1944 les parachutistes américains sont largués en Normandie. Face aux conditions déplorables beaucoup d’entre eux vont atterrir à des dizaines de kilomètres de leur drop zone initiale. Ce sera le cas pour plusieurs soldats de la 82 ème aéroportée se retrouvant aux abords du petit village de Graignes, à 30 kilomètres de Carentan. Aidés par la population locale les parachutistes vont décider d’y établir une position de défense qui sera bientôt assiégée par une division SS. Malgré la bravoure de ces soldats et le courage de certains habitants, prêts à tout pour aider les Américains, la situation va vite s’avérer désespérée et Graignes restera dans les mémoires comme le théâtre de massacres perpétrés par les nazis et comme le petit Fort Alamo Normand dans celle des combattants américains.
[BD Jeunesse] Le Complot des grenouilles, de Júlia Rubau Vigara (Aventuriers d’Ailleurs)
Avec Le Complot des grenouilles, Júlia Rubau Vigara signe un album jeunesse qui mêle aventure, fantaisie et malice dans un univers pour le moins étrange. L’ouvrage déroule une vraie mécanique de bande dessinée d’aventure, où le mystère d’une pierre rose entraîne une bande d’enfants au cœur d’un complot amphibien du genre absurde.
Léna et ses amis, coincés dans l’ennui des vacances, tombent sur un indice qui les conduit vers une société secrète de grenouilles parlant et complotant dans l’ombre. À partir de là, l’album enchaîne les trouvailles avec une belle énergie : vieille grenouille revêche, fête de village menacée, secrets dissimulés dans les roseaux et galerie de personnages hauts en couleur. L’ensemble garde un ton vif, léger, lisible, sans jamais renoncer au goût de l’aventure.
La personnalité graphique de Júlia Rubau Vigara peut dérouter. Son trait souple, expressif, immédiatement identifiable, donne à l’album une atmosphère singulière. Il y a dans ces pages quelque chose de joueur, d’organique et de très vivant. Le Complot des grenouilles ne cherche pas à surcharger son propos : il préfère installer un imaginaire fort, faire monter le mystère, puis embarquer son jeune lectorat dans une aventure dynamique et inventive. C’est précisément cette simplicité maîtrisée qui rend l’album attachant.
Avec ce récit complet, Aventuriers d’Ailleurs publie une bande dessinée jeunesse portée par une véritable sensibilité visuelle qui pourrait plaire aux plus aventuriers d’entre nous.
Extrait de la BD :
Résumé éditeur :
Léna et ses amis découvrent une mystérieuse pierre rose liée à une société secrète de grenouilles qui prépare un mauvais coup. Entre secrets enfouis, plans farfelus et course contre une vieille grenouille bien décidée à gâcher la fête du village, l’aventure s’annonce mouvementée.
Date de parution : 29 avril 2026 Auteur : Júlia Rubau Vigara Éditeur : Aventuriers d’Ailleurs Collection : Histoire complète / Récit pédagogique Format / Pages : 104 pages
[BD] Les Chats en BD – Tome 3, de Christophe Cazenove, Flora & Escapa (Bamboo Édition)
Avec Les Chats en BD – Tome 3, Bamboo poursuit une série jeunesse qui observe le quotidien familial à hauteur de moustaches. Après avoir déjà trouvé son ton entre tendresse, humour et scènes domestiques très parlantes, cette nouvelle aventure ajoute un grain de sable de taille dans la mécanique féline : l’arrivée d’un bébé dans la maison.
L’idée est simple, mais elle fonctionne immédiatement. Du point de vue des chats, ce nouvel être minuscule débarque avec des habitudes absurdes, des bruits incompréhensibles et une capacité déconcertante à bouleverser les routines les mieux installées. L’album joue alors sur les écarts entre perception animale et réalité familiale, en transformant les petits désordres du quotidien en ressorts comiques très efficaces.
Ce troisième volume confirme ce qui fait le charme de la série : un regard juste sur la vie de famille, sans caricature lourde ni moralisation pesante. Christophe Cazenove et Flora s’appuient sur des situations concrètes, inspirées du vécu de l’autrice, pour faire surgir un humour accessible aux enfants, tout en ménageant un second niveau de lecture pour les parents. Le résultat tient autant de la chronique domestique que de la BD d’observation, avec ce qu’il faut de douceur et d’espièglerie.
Le dessin d’Escapa participe pleinement à cette réussite. Son trait souple, expressif et immédiatement lisible donne beaucoup de présence aux chats, dont les attitudes, les regards et les réactions suffisent souvent à provoquer le sourire. Les couleurs claires et l’énergie des planches installent une ambiance vive, chaleureuse et très accueillante, idéale pour le jeune public.
Sans révolutionner la formule, Les Chats en BD – Tome 3 réussit ce qu’on attend de lui : capter avec malice un nouveau chamboulement du quotidien et en faire une lecture familiale drôle, tendre et bien rythmée. Une BD jeunesse qui comprend aussi bien les enfants que les chats… et sans doute un peu les parents débordés.
Cette série de BD jeunesse compte plusieurs volumes publiés chez Bamboo Édition. Retrouvez notre critique du Tome 1 des Chats en BD sur PublikArt.
Les Chats en BD – Tome 3 : extrait de la BD
Résumé éditeur
Accueillir un troisième chat à la maison relevait déjà du défi… mais l’arrivée d’un bébé vient bouleverser tout l’équilibre ! À peine installé, le jeune félin tentait encore de trouver sa place sous le regard tantôt vigilant, tantôt malicieux, de ses deux aînés. Et voilà qu’un nouvel habitant fait irruption : un petit humain, sans poils et aux habitudes bien mystérieuses. Entre curiosité, incompréhension et ajustements du quotidien, chats et bébé apprennent à cohabiter dans une joyeuse effervescence. Ronronnements et biberons rythment désormais la vie de cette maison transformée en véritable jungle domestique.
Date de parution : 29 avril 2026 Scénario : Christophe Cazenove & Flora Dessin : Escapa Éditeur : Bamboo Édition Collection : Jeunesse / Dès 7 ans Format / Pages : 48 pages
Le jour où le petit phare du bout du monde brava la tempête du siècle (Glénat Jeunesse)
Le jour où le petit phare du bout du monde brava la tempête du siècle s’inscrit dans cette veine de la littérature jeunesse qui cherche à apprivoiser les grandes peurs contemporaines sans jamais écraser son jeune lectorat. Ici, la tempête gronde, spectaculaire, presque démesurée — mais au cœur du récit, ce n’est pas tant le fracas des éléments qui domine que la réponse humaine (ou plutôt collective) qu’elle suscite. Le choix du phare comme figure centrale n’a rien d’anodin. Gardien fragile en apparence, planté à la lisière du monde, il devient le symbole d’une résistance discrète mais essentielle. À travers lui, l’album déroule une histoire simple : un danger survient, la communauté vacille, puis s’organise. Ce schéma classique pourrait sembler attendu, mais il est ici assumé comme une structure rassurante, parfaitement adaptée aux enfants.
Là où l’album trouve sa justesse, c’est dans sa manière d’aborder des thématiques lourdes — dérèglement climatique, montée des eaux, catastrophes naturelles — sans céder au catastrophisme. Le propos reste accessible, incarné, et surtout porteur d’une idée claire : face à l’adversité, c’est l’entraide qui fait tenir debout. Cette dimension collective, très présente, donne au récit une tonalité chaleureuse qui contrebalance efficacement la violence de la tempête.
Sur le plan esthétique, l’univers visuel (tel qu’il est décrit dans les premières présentations) semble jouer sur un contraste marqué : d’un côté, la furie des éléments ; de l’autre, des couleurs et des personnages expressifs, presque joyeux. Ce décalage participe pleinement de l’expérience de lecture, en maintenant une tension sans jamais basculer dans l’angoisse.
Ce très joli album propose une aventure à hauteur d’enfant. Le jour où le petit phare du bout du monde brava la tempête du siècle révèle toute la richesse des rapports humains face aux épreuves !
Infos de l’éditeur :
Date de parution : Avril 2026 Auteur : Coralie Crus Illustrateur : Lionel Tarchala
L’entente, la face cachée d’Alexandrie offre une belle plongée dans le monde ouvrier égyptien. Le réalisateur Mohamed Rashad met à profit son expérience de documentariste dans une fiction tendue qui tient en haleine tout du long. Suite à un accident, un ouvrier est décédé et la direction de l’usine propose à son fils de prendre sa place et de percevoir son salaire en échange de la promesse de ne pas porter plainte. Le procédé peut paraitre surprenant mais il existe en Egypte, officieusement, soulignant bien la dépendance de la classe la plus pauvre à un travail et son salaire pour continuer de subsister tant bien que mal. Le film prend des airs de polar quand le fils découvre que l’accident n’était peut être pas le fruit du hasard. Ce fils qui cherche à se ranger a eu maille à partir avec la police à cause de sa collusion avec des trafiquants de drogue, sans qu’on sache longtemps s’il était un complice ou juste un électron libre. Les couches défavorisées d’une société sont le plus souvent les plus touchées par les affaires de drogue, le film s’en sert pour épaissir l’intrigue, surtout que les plus favorisés profitent également de cette manne, en secret. Les jeunes personnages de Hossam et Maro sont obligés de s’entendre, ils se chamaillent et se soutiennent alternativement au fur et à mesure d’un film qui souligne la violence inhérente à la société égyptienne. En parallèle, Hossan fait connaissance d’Abeer, une jeune femme dont la mère est morte à l’usine alors qu’elle avait 2 ans. Elle représente pour lui une lueur d’espoir pour échapper à un quotidien par trop pesant. Le film est un drame pudique qui démontre les difficultés quotidiennes de la société égyptienne mais également la possibilité de s’y accomplir.
Synopsis: Deux frères, Hossam, 23 ans, fauteur de troubles, et Maro, 12 ans, vivent dans une communauté marginalisée d’Alexandrie. Après la mort de leur père dans un accident de travail, ils sont embauchés par la même usine en guise de « compensation » pour leur perte, au lieu d’intenter une action en justice. Alors qu’ils s’adaptent à leur nouvel emploi, ils commencent à se demander si la mort de leur père était vraiment accidentelle.
[MANGA] Les Noces des lucioles – Tome 7, d’Oreco Tachibana (Glénat Manga)
Avec Les Noces des lucioles – Tome 7, Oreco Tachibana poursuit l’un des shojo les plus singuliers et addictifs de ces dernières années. À la croisée de la romance tordue, du thriller sentimental et du drame historique, la série continue de jouer avec une tension très particulière : celle qui naît d’un lien amoureux aussi attirant qu’inquiétant, construit autour d’un assassin imprévisible et d’une héroïne qui refuse de se laisser écraser.
Ce volume est placé sous le signe de l’infiltration et du basculement intime. Pour éloigner l’homme qui tourmente Asagiri de l’île, Satoko imagine un plan aussi risqué qu’inattendu : déguiser Shinpei en courtisane afin de l’approcher au plus près. Une fois l’infiltration lancée, Shinpei se charge de neutraliser les gardes avec cette violence souriante qui fait tout le malaise du personnage. Dans le même temps, Satoko voit naître en elle une décision lourde de conséquences.
Les Noces des lucioles – Tome 7 : un shojo vénéneux et addictif
Ce qui continue de distinguer Les Noces des lucioles, c’est sa manière de prendre les codes du shojo pour les faire dériver vers quelque chose de beaucoup plus vénéneux. Oreco Tachibana excelle à créer une romance où l’attirance, la peur, la dépendance et la survie semblent constamment imbriquées. Cette tension explique largement pourquoi le titre a dépassé le simple cadre du shojo romantique classique pour toucher un lectorat plus large : plus d’un million d’exemplaires vendus au Japon avaient déjà été annoncés très tôt, le manga a reçu le prix “Minna ga Erabu !! Denshi Comic Taisho 2024”, et une adaptation animée est désormais en route. Une œuvre qui ne cesse de gagner en visibilité, portée à la fois par la beauté du dessin d’Oreco Tachibana et par un sens très sûr de la frustration romantique.
Avec Les Noces des lucioles – Tome 7, on remarque une série qui maîtrise son mélange de sensualité, de tension et de noirceur. Un volume qui devrait ravir les lecteurs déjà happés par le duo Satoko/Shinpei, tout en confirmant la place de ce manga parmi les shojo les plus marquants et les plus tordus du moment.
Résumé éditeur :
Assassin creepy cuteAfin de chasser l’homme qui tourmente Asagiri de l’île, Satoko élabore un plan pour le moins inattendu : faire passer Shinpei pour une courtisane de sorte à ce qu’il s’approche au plus près de ce fameux client. Une fois l’infiltration réussie, Shinpei se chargera de neutraliser les gardes qui l’attaqueront, le sourire aux lèvres et couvert de sang. Du côté de Satoko, une décision lourde de sens prend toutefois peu à peu racine dans son cœur.
Date de parution : 8 avril 2026 Auteur : Oreco Tachibana Éditeur : Glénat Manga Collection : Shojo + Format / Pages : souple – 13 x 18 cm – 192 pages
Les éditions Sarbacane nous offrent une petite pépite avec l’album : Un an ailleurs. C’est l’histoire de la famille Ducos. Max Ducos est peintre. Il expose régulièrement à Paris et à Arcachon ! Il a déjà publié de nombreux albums jeunesse. Son dernier est assez unique puisqu’il raconte la vie de sa propre famille quand ils sont partis vivre un an ailleurs ! Un an au Nord de l’Etat de New-York. On les voit évoluer, dans leur nouvelle maison, au fil des mois, des saisons et de leurs belles découvertes. C’est tout simplement sublime ! Le jeune lecteur va voyager en tournant chaque page et peut-être aura-t-il envie de tenter la même expérience ? Les illustrations ressemblent davantage à des tableaux qu’à de simples dessins ! Un an ailleursest un très bel album, à la couverture cartonnée et des pages de très haute qualité. Un livre, carnet de voyage, à lire et relire. Notre coup de coeur !
30 minutes de sursis est le premier long métrage de Sydney Pollack, réalisateur de Out of Africa, Tootsie et Les 3 jours du Condor. A sa sortie, la réussite critique fut totale et lui permit de travailler son style, ce qui aboutit rapidement à l’autre réussite On achève bien les chevaux inspiré du roman éponyme d’Horace Mac Coy. L’idée du scénario vint de Stirling Stilliphant qui s’inspira d’un sujet véridique d’un cas de sauvetage par téléphone d’une femme ayant appelé un centre d’appel pour personnes en détresse. Sidney Poitier est à l’époque une vedette reconnue depuis les 2 films Graine de violence sorti en 1955 et La chaîne sorti en 1958 de Stanley Kramer. Le film se passe beaucoup au téléphone entre Sidney Poitier et la grande Anne Bancroft qui gagnera en renommée avec son rôle de cougar dans Le Lauréat. L’actrice y est saisissante d’humanité. Sydney Pollack a connu la carrière qu’on lui connait et fait preuve d’une grande sobriété dans ce film tendu et reconnu comme un premier film réussi. L’étudiant en médecine qui travaille bénévolement dans un centre d’appel pour personnes en détresse fait tout pour sauver à distance une femme qui menace de se suicider. Si le film fait preuve d’une théâtralité parfois excessive, le film se suit avec intérêt, et le réalisateur ainsi que ses 2 acteurs feront des carrières majeures à Hollywood, un film à découvrir.
Synopsis: Étudiant en psychologie, Alan est bénévole dans un centre d’appels d’urgence. Ce jour-là, au bout du fil, il y a Inga, une femme désespérée qui vient de prendre une dose mortelle de comprimés et souhaite parler à quelqu’un avant de mourir. Aidé d’un psychiatre et d’un inspecteur de police, Alan n’a que peu de temps pour localiser et sauver sa correspondante.
Mustangs, tome 3 : L’espoir de Kairouan (Flammarion jeunesse)
Dans ce troisième tome de Mustangs,L’espoir de Kairouan, l’histoire continue avec encore plus d’émotions et d’aventure. On suit des personnages courageux qui doivent faire face à des difficultés, mais qui gardent toujours espoir. Les chevaux occupent une place très importante dans le récit. Ils représentent la liberté et la force, et le lien entre les humains et les animaux est très touchant. Le personnage de Kairouan est particulièrement intéressant, car il symbolise l’espoir et la volonté de ne pas abandonner, même dans les moments difficiles. L’histoire est facile à lire, avec à la fois de l’action et des moments plus calmes et émouvants. Mustangs, tome 3 : L’espoir de Kairouan est un livre captivant qui parle de liberté, de courage et d’espoir, et qui donne envie de lire la suite de la série. A tous les passionnés de chevaux et de liberté !
Aux Molières, des récompenses qui dessinent un théâtre fertile
La scène, ce soir-là, avait des allures de carrefour électrique où le théâtre français, dans ses contradictions les plus fécondes, venait se regarder en face.
La cérémonie des Molières 2026, portée par l’ironie affûtée d’Alex Vizorek, n’a pas tant cherché à célébrer qu’à révéler toute sa diversité.
Sous les ors décomplexés de la tradition, quelque chose vibrait, la nécessité de toujours espérer et un désir renouvelé de brûler les planches autrement.
Vizorek, funambule du verbe, a tendu un fil entre satire et tendresse, moquant les rites tout en les honorant d’un regard presque amoureux.
Il y avait dans son phrasé une façon de dégonfler le prestige sans jamais l’humilier, comme si le théâtre avait accepté de rire de lui-même sans jamais perdre sa noblesse.
Et puis il y eut les sacres, ceux qui disent l’époque plus sûrement que les discours. Les Chiens de Navarre, couronnés pour I will survive (de retour à partir du 29 mai aux Bouffes du Nord), ont donc imposé leur chaos organisé, leur art de la déflagration scénique, de la résistance, comme un antidote nécessaire à la bienséance.
Leur théâtre, qui semble toujours sur le point de dérailler, rappelle que le plateau est d’abord un lieu de risque, un espace où l’on vient perdre pied pour mieux réinventer le réel.
Face à cette énergie brute, Laurent Lafitte, récompensé dans La Cage aux folles, impose son vertige. Son jeu s’autorise tout, les ruptures de ton, les éclats presque outranciers, les moments de pure fragilité aussi, comme si le rire devait toujours tutoyer l’abîme.
Et dans cette prise de risque permanente, il révèle une puissance rare, celle d’un acteur capable de faire du théâtre un espace de liberté totale, où la virtuosité ne sert plus à rassurer mais à déranger, à déplacer, à électriser.
Son art, d’une précision presque chirurgicale, creuse sous les mots pour y faire surgir des failles, des silences, des éclats inattendus. Il confirme ce que l’on pressent depuis longtemps, qu’il est un acteur de tension, un équilibriste entre élégance et folie.
Il faut aussi saluer Josiane Balasko, distinguée pour Ca c’est l’amour, dont la présence seule semble porter plusieurs décennies de théâtre populaire et indocile.
Chez elle, la reconnaissance n’a rien d’un couronnement tardif mais tout d’une évidence persistante. Elle est de ces artistes qui n’ont jamais quitté le présent, même lorsqu’elles semblaient appartenir déjà à une mémoire collective.
Quant à Laurent Stocker, récompensé dans Les Femmes savantes, il impose avec une discrétion souveraine une forme d’exigence presque morale du jeu.
Rien de spectaculaire au premier regard, mais une densité, une rigueur qui finissent par aimanter l’attention. Il est de ces comédiens qui construisent dans la durée une œuvre souterraine, essentielle.
Et dans ce paysage tendu entre fulgurance et héritage, le triomphe de La Cage aux Folles comme meilleur spectacle musical agit comme un éclat de joie presque politique.
Car cette œuvre, ici récompensée dans sa nouvelle production scénique, retrouve une vigueur inattendue. Sur scène, les plumes ne sont pas que décoratives, elles deviennent manifeste. Le rire, loin d’être anecdotique, s’affirme comme une arme douce mais insistante, capable de fissurer les évidences.
En consacrant ce spectacle, les Molières rappellent que le divertissement peut être un geste de résistance, et que le music-hall, dans ses excès mêmes, sait parfois dire l’essentiel avec une insolence lumineuse.
Enfin, la distinction accordée à Joël Pommerat pour Les petites filles modernes, Molière du metteur en scène dans le théâtre public, vient sceller cette édition sous le signe d’une exigence poétique rare.
Pommerat, architecte de la narration, de pénombres et de silences, poursuit son travail d’exploration des zones troubles de l’enfance et du langage. Dans ce spectacle, il ne raconte pas, il ausculte.
Il ne démontre pas, il laisse affleurer. Sa mise en scène, d’une précision presque invisible, agit comme une chambre d’écho où les voix résonnent longtemps après que le noir s’est fait.
Cette récompense consacre moins un spectacle qu’une manière d’habiter le théâtre, à la fois inquiète et profondément humaine.
Cette édition des Molières restera un bon cru. Elle a su donné à voir les lignes de fracture, les contrastes, les dialogues imprévus entre institutions et marges, entre héritage et insurrection.
C’est là que réside son enseignement, dans cette manière d’accepter que le théâtre ne soit jamais un monument figé mais une matière vivante, instable, toujours prêt à se réinventer.
Palmarès complet de la 37ᵉ cérémonie des Molières
Molière du théâtre privé : Le Procès d’une vie, de Barbara Lamballais et Karina Testa, mise en scène Barbara Lamballais, théâtre Le Splendid.
Molière du théâtre public : I Will Survive, de Jean-Christophe Meurisse, Les Chiens de Navarre, mise en scène Jean-Christophe Meurisse, Les Chiens de Navarre.
Molière de la comédie : Fin, Fin et Fin, de Lancelot Cherer, mise en scène Lancelot Cherer, Théâtre Lepic.
Molière de la création visuelle et sonore : La Petite Boutique des horreurs, d’Alan Menken, Howard Ashman, mise en scène Valérie Lesort et Christian Hecq, scénographie Audrey Vuong, costumes Vanessa Sannino, lumière Pascal Laajili. Théâtre de la Porte Saint-Martin, Opéra Comique.
Molière du spectacle musical : La Cage aux folles, de Jerry Herman, Harvey Fierstein, d’après Jean Poiret, mise en scène Olivier Py, Théâtre du Châtelet.
Molière de l’humour : Alex Lutz dans Sexe, Grog, et Rocking-Chair, d’Alex Lutz, mise en scène Tom Dingler.
Molière du jeune public : Casse-Noisette ou le Royaume de la nuit, de Johanna Boyé et Elisabeth Ventura, mise en scène Johanna Boyé, Comédie-Française.
Molière du seul/e en scène : Les Frottements du cœur, avec et de Katia Ghanty, mise en scène Eric Bu, Atelier Théâtre actuel.
Molière du comédien dans un spectacle de théâtre privé : Jérôme Kircher dans Amadeus, de Peter Shaffer, mise en scène Olivier Solivérès.
Molière de la comédienne dans un spectacle de théâtre privé : Josiane Balasko dans Ça, c’est l’amour, de Jean Robert-Charrier, mise en scène Julie-Anne Roth.
Molière du comédien dans un spectacle de théâtre public : Laurent Lafitte, dans La Cage aux folles, de Jerry Herman, Harvey Fierstein, mise en scène Olivier Py.
Molière de la comédienne dans un spectacle de théâtre public : Elsa Lepoivre, dans Hécube, pas Hécube, de Tiago Rodrigues, mise en scène Tiago Rodrigues.
Molière du metteur en scène dans un spectacle de théâtre public : Joël Pommerat, pour Les Petites Filles modernes, de Joël Pommerat.
Molière du metteur en scène dans un spectacle de théâtre privé : Samuel Valensi et Paul-Eloi Forget pour Made in France, de Samuel Valensi et Paul-Eloi Forget.
Molière de la révélation féminine : Marina Pangos dans Le Chant des lions, de Julien Delpech et Alexandre Foulon, mise en scène Charlotte Matzneff.
Molière de la révélation masculine : Lancelot Cherer dans Fin, Fin et Fin, de Lancelot Cherer, mise en scène Lancelot Cherer.
Molière du comédien dans un second rôle : Laurent Stocker dans Les Femmes savantes d’Emma Dante, d’après Molière, mise en scène Emma Dante.
Molière de la comédienne dans un second rôle : Jeanne Arènes dans Le Procès d’une vie, de Barbara Lamballais, Karina Testa, mise en scène Barbara Lamballais.
Molière de l’auteur/trice francophone vivant/e : Barbara Lamballais et Karina Testa pour Le Procès d’une vie.
Molière d’honneur : Muriel Robin.
Ce très beau vin blanc du Mas du Libianest un assemblage des cépages Viognier (40% ), Roussanne (40 %) et Clairette (20 %). Le Mas du Libian s’est inspiré du cave canem trouvé dans les ruines de Pompéi. Le vin bénéficie de la Culture biodynamique certifiée Demeter qui est la marque de fabrique de l’appellation. Ce vin blanc très frais accompagne parfaitement des fromages de chèvres du sud ou tous poissons méditerranéens cuisinés, il fait parti des vins blancs supportant l’ail, il faut en profiter. Le vin peut se garder 5 ans et doit être servi à 12°. Il faut en profiter pour déguster une des 14 500 bouteilles produites au domaine annuellement, avec modération comme toujours!
Publireportage: La famille THIBON achète LIBIAN en 1670. A cette époque ils habitaient au village, Libian était un pavillon de chasse, une gentilhommière. Puis, rapidement, ils s’installent définitivement à Libian comme paysans. Gustave (1903-2001) travaille la terre, en l’absence de son père, durant le guerre de 14/18 puis se tourne vers la philosophie. Son troisième enfant, Jean-Pierre dit « papou », épouse Jacqueline (alias Ou-i) en 1974. Cardiologue, elle laissera tout tomber pour la vigne. Ils se marièrent et eurent …beaucoup de filles : Hélène, Catherine & Cécile. Jean-Pierre décide que le vin sera l’activité principale de Libian : il construit une cave en 1970, qui sera agrandie en 1982. Les vignes ont toujours été travaillées en culture biologique : travail du sol, piochage à la main au printemps, cuivre et soufre…un cap sera franchi en 2005 avec la certification officielle du domaine en biodynamie. Les 3 filles, choisissent la voie du vin. Hélène et son mari Alain s’associent en 1995 à leurs parents sur le domaine. Catherine s’installe à Libian en 2006. Quelques mois plus tard, elle achète un cheval de trait comtois « Nestor » avec qui elle laboure 5 Ha de vignes. Le travail de la terre dans l’amour et le respect, le rythme du cheval (bien différent de ce que l’on vit aujourd’hui) apportent toujours calme et sérénité. 2016, Bambi (un beau blond) s’associe à Nestor. Le domaine s’agrandit progressivement pour arriver aujourd’hui à 25 Ha de vignes et 8 Ha de terres nourricières (oliviers, céréales, foin, jardin, abeilles…..). En 2011, la cave double sa superficie. Ceci permet de reconstituer le « parc à foudres » de différentes provenance (Rousseau, Grenier et majoritairement Stockinger de 30/40 Hl). Du travail accompli dans l’esprit paysans naissent plusieurs vins, 1 vin blanc, 1 rosé et 4 vins rouges très complémentaires qui permettent à Libian de vivre et de transmettre. En septembre 2016 une nouvelle génération s’installe à Libian : Aurélien (fils d’Hélène & Alain).
Tommy Lee Jones & William Friedkin s’offraient un dernier barout d’honneur de légende face à un impressionnant Benicio Del Toro, plus animal que jamais.
Il y a des thrillers qui se contentent de suivre la piste. Et puis il y a Traqué, où William Friedkin, le vieux lion de French Connection et Police Fédérale : Los Angeles – deux des plus grands polars d’action, décide de transformer l’art de la poursuite en corps-à-corps existentiel. Sorti en 2003, un peu sous les radars à l’époque malgré l’aura du maître et son casting, ce film rugueux connait aujourd’hui une seconde jeunesse en édition 4K chez l’Atelier d’Images. L’occasion n’est que trop parfaite pour se (re)plonger dans cette chasse à l’homme qui sent la sève, la sueur et le métal froid de l’arme blanche. Le menu : L.T. Bonham (Tommy Lee Jones, plus buriné et habité que jamais), instructeur de forces spéciales à la retraite, face à son ancien élève, Aaron Hallam (Benicio Del Toro, au magnétisme inquiétant), devenu une machine à tuer. Maître et disciple. Créateur et créature. La forêt devient leur arène, Portland leur champ de bataille final. Comme à ses plus belles heures, Friedkin ne triche pas. Pas d’effets numériques tape-à-l’œil, pas de musique qui vous mâche le suspense : juste le bruit des branches qui craquent, le souffle rauque des poursuivants et le son sec des corps qui s’entrechoquent. Les séquences de traque en milieu naturel sont d’une brutalité presque documentaire. On se retrouve pris dans un maelström où la mise en scène fait la part belle au pièges improvisés, combats au couteau d’une sauvagerie rare, course-poursuite où chaque pas peut être le dernier. On est loin des blockbusters aseptisés ; ici, la violence a un poids, une conséquence physique visible. C’est du cinéma d’action à l’ancienne, teinté d’un western crépusculaire et d’une réflexion sourde sur la transmission du mal.
Le chant du cygne d’un Maître à Hollywood.
William Friedkin ne le sait pas encore, mais Traqué sera son dernier grand film de studio avec un budget de 55 millions de dollar à cause d’une réception trop tiède à l’époque. Et pourtant, derrière un scénario d’une apparente simplicité, se cache un film somme qui ravive toutes les névroses fiévreuses de son auteur. Ce face-à-face viscéral n’est pas seulement physique : il est moral, presque philosophique. Que devient l’élève quand le maître lui a tout appris sauf l’humanité ? Friedkin pose la question sans jamais la hurler, avec cette lucidité sèche qui caractérise ses meilleurs films. 2 symboles : ces tôles froissées si organiques à l’ère du numérique, mais aussi un Benicio Del Toro dantesque de mystère et de noirceur, devenant un vrai spectre démoniaque digne de Pazuzu. La 4K sublime le travail du réalisateur : les verts sombres et humides de la forêt gagnent en densité, les textures des combats deviennent palpables, et le mixage son (craquements, respirations, lames) renforce l’immersion totale. Jamais une traque n’aura été si perceptible dans notre propre chair. Une édition qui rend enfin justice à ce petit diamant mésestimé des années 2000. Derrière l’adrénaline, Traqué interroge avec intelligence le conditionnement militaire, la filiation toxique et la fine ligne qui sépare le soldat du monstre. Pas de manichéisme, juste une observation froide et sans concession. Du Friedkin pur jus.
Traqué, en édition 4K Ultra HD, est disponible chez L’Atelier d’Images et un peu partout. En bonus, vous trouverez une présentation du film par Philippe Guedj, les commentaires du maestro William Friedkin himself, ainsi que quelques documentaires sur le tournage et des scènes coupées.
Synopsis : L.T. Bonham, un ex-entraîneur des forces spéciales, vit retiré dans les forêts de l’Oregon. Lorsqu’un agent du FBI vient lui demander de l’aide sur une affaire de meurtres perpétrés sur des chasseurs dans la forêt de l’Oregon, il accepte de se rendre sur les lieux du crime. Ces assassinats ne peuvent avoir été commis que par un seul homme : Aaron Hallam, un de ses anciens élèves, le meilleur. S’engage bientôt un redoutable jeu du chat et de la souris.
[BD ADO] Iceworld, de Anne Rivière & Gabriele Barsotti (Bayard Jeunesse)
Avec Iceworld, Anne Rivière & Gabriele Barsotti proposent une bande dessinée de science-fiction portée par un univers polaire hostile et une intrigue construite comme une course contre la montre. Le point de départ est immédiatement accrocheur : piégé sur une planète glacée après avoir découvert un secret compromettant, le jeune Roméo n’a que quelques heures pour trouver de l’aide avant que sa combinaison thermique ne rende l’âme.
Le récit joue sur une mécanique efficace mêlant survie, complot industriel et aventure spatiale. En rejoignant son père pour les vacances, Roméo devient témoin d’un bug qui révèle une vérité que la société Bluetech cherche manifestement à cacher. Dès lors, l’album bascule dans un scénario de fuite et de révélation, où le héros se retrouve isolé sur un monde désert, glacé et dangereux, confronté à des mercenaires autant qu’aux éléments.
Iceworld semble vouloir conjuguer plusieurs plaisirs de lecture : celui du grand décor de science-fiction, avec ses planètes, ses corporations et ses technologies, mais aussi celui d’un thriller adolescent tendu, où chaque minute compte. L’arrivée de NaI, un robot conscient travaillant dans une mine clandestine, enrichit encore l’aventure en introduisant un duo qui doit apprendre à coopérer pour mettre au jour les crimes d’une méga-corporation.
Le dessin de Gabriele Barsotti paraît particulièrement adapté à cet univers, surtout avec un format agrandi et des illustrations généreuses, pensées pour immerger pleinement le lecteur dans ce monde de glace. De quoi faire ressentir l’immensité, le froid, le danger et l’étrangeté d’un écosystème alien tout en gardant une lecture fluide et accessible. Avec Iceworld, Bayard Jeunesse signe ainsi une BD ado de science-fiction qui mise sur l’efficacité narrative, la tension et l’évasion. Entre space opera, aventure de survie et dénonciation d’un système cynique, l’album a tout pour séduire les jeunes lecteurs en quête d’un récit rythmé et immersif.
Résumé éditeur :
Alors qu’il rejoint son père pour les vacances, le jeune Roméo est témoin du bug d’une fenêtre holographique. Un bug qui lui révèle, contrairement aux dires de la société Bluetech, qui produit la nourriture et les abris de toute la galaxie, la planète Laina est en réalité habitable! Roméo a à peine le temps de comprendre ce qu’il a vu: Bluetech lance des mercenaires à ses trousses et attaque sa navette. Roméo s’écrase sur Seiren, une planète déserte et glacée. Dans cet écosystème alien, il pourra compter sur l’aide de NaI, un robot doté de conscience travaillant dans une mine clandestine… ensemble, ils découvrent que Bluetech cache à l’humanité un crime supplémentaire. Poursuivi par leurs ennemis, Roméo n’a que 17 heures pour trouver de l’aide avant que sa combinaison thermique ne tombe en panne.
Date de parution : 15 avril 2026 Scénario : Anne Rivière Dessin : Gabriele Barsotti Éditeur : Bayard Jeunesse Collection : Bande d’ados Format / Pages : 84 pages
Avec Alix et Huguette, Maud Begon propose une bande dessinée jeunesse pleine de fraîcheur, qui mêle humour, amitié et voyage dans le temps. Tout commence avec une découverte aussi étrange que fascinante : l’armoire de la chambre d’Alix est en réalité un passage vers une autre époque. Elle débouche directement chez Huguette, une petite fille vivant… cinquante ans plus tôt. De cette idée simple naît une amitié improbable entre deux enfants séparées par le temps, mais réunies par leur curiosité et leur goût pour les bêtises. Ce premier tome joue habilement sur le contraste entre les époques. À travers les yeux d’Alix, le lecteur découvre un quotidien d’un autre temps : lessive à la main, école en uniforme, rues bien différentes… autant de détails qui éveillent la curiosité et nourrissent le comique de situation. Mais loin d’être une simple leçon d’histoire, l’album reste avant tout une succession d’épisodes drôles et dynamiques, portés par deux héroïnes attachantes. Le vrai point fort réside dans la complicité entre Alix et Huguette. Malgré leurs différences, elles se ressemblent énormément : même énergie, même imagination débordante. Leur duo fonctionne immédiatement et donne lieu à des situations à la fois tendres et amusantes. Côté dessin, le style est expressif, coloré et très accessible pour les jeunes lecteurs. Il accompagne parfaitement le ton léger et pétillant de l’histoire. Alix et Huguette est une nouvelle série BD Kids qui va emballer les jeunes lecteurs ! On attend déjà avec impatience le tome 2 !
[BD] Le Choc des tyrans – Tome 01 : Hitler vs Staline, de Michaël Prazan & Gabriel Andrade (Glénat)
Avec Le Choc des tyrans – Tome 01 : Hitler vs Staline, Michaël Prazan s’attaque à l’un des face-à-face les plus vertigineux du XXe siècle : celui de deux dictateurs que tout oppose en apparence, mais que rapprochent pourtant la fascination du pouvoir absolu, la paranoïa et la violence de leurs systèmes. L’album ne cherche pas le spectaculaire gratuit. Il s’intéresse au temps qui précède l’explosion, à cette lente montée des périls où les démocraties ferment les yeux pendant qu’Hitler réarme et que Staline consolide son emprise.
Ce premier tome adopte un dispositif particulièrement efficace : un récit en miroir, qui suit la montée en puissance parallèle des deux régimes totalitaires dans les années 1930 et explore la nature ambiguë de leurs relations à la veille de la Seconde Guerre mondiale. Le pacte germano-soviétique, les jeux de dupes diplomatiques, les affinités tactiques provisoires et l’orgueil démesuré des deux hommes composent ici une matière historique dense, mais immédiatement lisible.
A noter que Michaël Prazan n’est pas un auteur historique parmi d’autres : documentariste et écrivain, il a consacré une part importante de son travail aux idéologies radicales, aux crimes de masse et aux zones les plus sombres du XXe siècle. Cette expérience donne au livre une assise documentaire qui dépasse le simple récit pédagogique. Le dessin de Gabriel Andrade accompagne cette approche avec un réalisme appuyé, au service d’une mise en scène de la tension historique plus que de l’effet héroïque. On apprécie son atmosphère de thriller politique, la reconstitution des ambiances berlinoises et moscovites, et la manière dont le récit fait sentir l’approche de la catastrophe.
Avec Hitler vs Staline, Glénat lance donc un triptyque ambitieux, à la croisée du documentaire historique et du polar politique. Un premier volume qui tient sa promesse : raconter la collision de deux totalitarismes non comme une abstraction scolaire, mais comme le résultat d’orgueils, de calculs et de violences déjà à l’œuvre bien avant le fracas des armes. A découvrir !
Extrait de la BD :
Résumé éditeur :
Duel de monstresAvant le fracas des Panzer en 1940, il y a la lente agonie des illusions : les démocraties, engluées dans leurs compromis, ferment les yeux sur la montée des périls. Hitler réarme, Staline purge, et chacun prépare son coup. Les accords de Munich, la guerre d’Espagne, les annexions successives : autant de signaux ignorés. Personne n’imagine la « romance » entre les deux dictateurs qui a été, à bien des égards, ignorée ou mise sous le boisseau et se concrétise par le coup de tonnerre du pacte germano-soviétique de 1939. Se souvient-on également que moins de deux mois avant le déclenchement de l’opération Barbarossa, une délégation nazie est présente, en majesté, aux célébrations du 1er mai sur la Place rouge, pour recevoir les honneurs du dictateur soviétique ? Hitler et Staline se haïssent par idéologie, mais se fascinent par leur ambition. Hitler rêve d’un empire aryen purgé du « poison bolchevik », Staline d’une révolution mondiale écrasant le fascisme. Deux tyrans, deux destins parallèles, un même vertige : celui de l’orgueil démesuré. Car, comme le dit le proverbe : « L’orgueil précède la ruine, la hauteur précède la chute. »Michaël Prazan fait parler les archives dans un récit en miroir saisissant. En retraçant la montée en puissance des deux régimes totalitaires depuis les années 1930, il explore dans ce premier tome la nature des relations ambiguës entre les deux tyrans à l’aube de la Seconde Guerre mondiale. Gabriel Andrade appuie la démonstration par un travail de reconstitution remarquable tant sur le plan historique que psychologique dans ce thriller politique qui nous révèle les coulisses de l’Histoire.
Date de parution : 8 avril 2026 Scénario : Michaël Prazan Dessin : Gabriel Andrade Couleurs : Sébastien Bouët, Fabien Blanchot Éditeur : Glénat Collection : 24X32 Série : triptyque Format / Pages : 24 x 32 cm – 72 pages
« Potiche » ou l’aria secrète d’une femme que l’on croyait docile
Avec « Potiche », la mécanique boulevardière signée Pierre Barillet et Jean-Pierre Grédy trouve sous la direction de Charles Templon une seconde peau, à la fois lustrée et légèrement fendillée, comme ces porcelaines trop parfaites pour être honnêtes.
Le vernis brille, mais quelque chose insiste en dessous, une ligne de fracture à peine visible, et c’est là que la mise en scène devient percutante.
Templon ne cherche pas à moderniser à outrance. Il préfère l’archéologie fine, dégageant du texte ses strates d’ironie, ses silences complices, ses petites cruautés domestiques.
L’émancipation en marche
Le rire surgit, franc, presque mécanique, puis se grippe soudain lorsqu’apparaît la violence douce du titre même. La potiche n’est pas seulement décorative, elle est une construction sociale, une assignation polie, et la scène devient le lieu de son lent débordement.
Le dispositif scénique joue sur une élégance contenue. Tout semble à sa place, trop à sa place forcément, comme si le décor lui-même surplombait le désordre que l’émancipation fomente.
Les lignes sont nettes, les couleurs assorties, mais les corps, eux, trahissent. Ils débordent du cadre, hésitent, s’affranchissent par petites secousses.
C’est dans ces micro-déplacements que la mise en scène ose une folie surréaliste, loin de toute démonstration appuyée.
Du côté des interprètes, la distribution avance comme une mécanique sensible, parfaitement huilée mais jamais automatique.
Et au centre du dispositif, Clémentine Célarié impose une présence qui déborde le cadre même du rôle. Elle ne joue pas la transformation, elle la laisse advenir, par glissements successifs, par infimes déplacements des gestes, du regard et de la voix.
Il y a chez elle une manière de faire vaciller la légèreté sans jamais la rompre, d’introduire dans le rire une lucidité presque clandestine.
Chaque réplique semble porter un double fond, chaque silence ouvre une brèche. Autour d’elle, les partenaires tiennent la ligne avec une précision remarquable, nourrissant le tempo sans jamais chercher à la concurrencer, dessinant un ensemble d’une grande cohérence où les caractères existent pleinement.
Mais c’est bien Célarié qui, par une forme de souveraineté triomphante, capte la lumière et la redistribue, faisant de cette « Potiche » non plus un simple rôle, mais un territoire en mouvement.
Le rythme est un art délicat ici, et Templon le manie avec une précision d’horloger. Les répliques claquent, les quiproquos s’enchaînent, mais jamais au détriment d’une certaine mélancolie diffuse.
Car sous la comédie affleure une solitude tenace, celle des rôles que l’on endosse trop longtemps. Le rire devient alors une surface, une manière de tenir à distance ce qui menace de remonter.
Et puis il y a cette bascule, presque imperceptible, où le personnage central cesse d’être objet pour devenir sujet. Rien de spectaculaire, aucun manifeste, mais une lente reconquête de soi, quasi naturelle.
La force de cette « Potiche » tient là, dans cette transformation mesurée, qui refuse l’héroïsme pour mieux capter le réel.
Ce que propose Charles Templon, au fond, c’est une lecture sans cynisme mais sans naïveté. Il ne sauve pas ses personnages, il les regarde se débattre avec leurs propres limites, avec une tendresse lucide.
La pièce, que l’on croyait connaître, se met alors à vibrer autrement, comme si derrière le rire bien réglé se cachait une question plus sourde, plus contemporaine qu’il n’y paraît. Qui parle vraiment lorsque nous parlons, et combien de voix avons-nous laissées trop longtemps en coulisse ?
Dates : du 12 février au 14 juin 2026 – Lieu : Théâtre Libre (Paris) Mise en scène : Charles Templon
Le guitariste Kamil Rustam bénéficie d’une certaine renommée dans le milieu musical, il a livré le 15 avril 2026 dernier un second album intitulé Listen Up! marqué par des influences diverses, gospel, funk, soul et jazz issues de ses nombreuses immersions aux Etats-Unis. Les 8 titres sont marquées par une plongée fascinante dans la musique soul-funk des années 70, revigorante et passionnante.
Un musicien d’exception
Le second album de Kamil Rustam est marqué par son casting d’exception. Après un premier album solo nommé Cosmopolitain et sorti en 2017 avec un certain succès, le nouvel album a été enregistré dans les légendaires Sunset Sound Studios à Hollywood. Kamil Rustam est de retour avec Listen Up!, un album à la fibre Funk & Soul ultra assumée. Les musiciens qui participent aux 8 titres ont participé à l’édification du son d’autres légendes de la musique comme Stevie Wonder, D’Angelo, John Mayer ou Joe Bonamassa. Grande nouveauté, le génial guitariste place pour la première fois la voix au centre de son album avec des collaborations vocales hors normes portée par nul autre que Eddie Brown, Billy Valentine, Amy Keys, Arnold McCuller, Patrice Rushen et Pino Palladino, du lourd, du très très lourd. Le résultat est un groove imparable, une émotion à fleur de peau et une énergie en mode live qui fait plaisir, en mode soul et intemporel. Le travail à la guitare est un des points forts de l’album, avec l’accompagnement de cuivres chauds et enveloppants, de quoi renvoyer à des racines funk, jazz et soul intemporelles, les chœurs sont partout et accompagnent des voix qui touchent au cœur. comme pour le travail vocal, renforcé par des chœurs très présents. Les rythmes sont portés par une section rythmique carrée et précise, les solos de guitare sont tranchants, les 8 morceaux sont des merveilles.
La Release Party de cet album unique aura lieu le 10 juin au Théâtre de l’IA, 10 rue de la Vacquerie, 75011 Paris pour un moment de musique à ne pas manquer!
[MANGA] One Piece – Édition originale – Tome 112, d’Eiichiro Oda (Glénat Manga)
Avec One Piece – Tome 112, Eiichiro Oda ouvre une nouvelle étape très attendue de son immense saga en menant enfin Luffy et son équipage vers Erbaf. Après les événements d’Egg Head, un autre grand arc est en train de s’installer. Les retrouvailles entre Robin et Sauro, montrent que l’émotion et la mémoire du récit restent au cœur de cette transition.
Ce tome est placé sous le signe de la bascule : Robin peut enfin revoir Sauro, mais cette arrivée sur Erbaf coïncide aussitôt avec l’apparition de personnages inquiétants, comme si cette terre mythique n’allait pas se contenter d’être un simple lieu de retrouvailles. Chaque nouvel horizon est aussi la promesse d’un monde plus vaste, plus dangereux et plus chargé de révélations. Oda parvient encore à faire exister le sentiment du départ vers l’inconnu.
Avec One Piece – Tome 112, on poursuit donc sans surprise l’une des locomotives majeures du manga, mais ce volume a aussi quelque chose de plus particulier : il porte la promesse d’un territoire mythique enfin exploré. Un tome de transition très dense, chargé d’émotion, de pressentiments et de nouveaux enjeux. Et pour une série aussi ancienne, réussir encore à faire naître cette attente n’est pas la moindre de ses forces !
Résumé éditeur :
Se hisser sur les épaules des géants !Maintenant qu’elle a débarqué sur Erbaf, Robin peut enfin fêter ses retrouvailles tant attendues avec Sauro. Mais alors que de nouvelles aventures débutent dans cette contrée inconnue, des personnages pour le moins inquiétants font leur apparition. Faut-il y voir le présage d’une tempête ?! Les aventures de Luffy à la poursuite du One Piece continuent !
Date de parution : 8 avril 2026 Auteur : Eiichiro Oda Éditeur : Glénat Manga Collection : Shonen Format / Pages : souple – 11,5 x 18 cm – 208 pages
[BD JEUNESSE] Ana et l’Entremonde – Tome 4, de Marc Dubuisson & Cy (Glénat)
Avec Ana et l’Entremonde – Tome 4, Marc Dubuisson et Cy referment une série d’aventure jeunesse qui n’a cessé de gagner en ampleur depuis son lancement. Ce dernier volume est aussi le tome le plus épique de la saga, celui où les portes de l’Entremonde s’ouvrent enfin et où les multiples fils narratifs accumulés jusque-là convergent vers un affrontement décisif.
Le point fort d’Ana et l’Entremonde a toujours été sa capacité à mêler souffle d’aventure, imaginaire foisonnant et dynamique de groupe. Ana, Domingo et leurs alliés évoluent dans un univers où pirates, créatures fantastiques, navires et portes intermondes composent un décor très généreux, immédiatement lisible pour un jeune lectorat mais assez ample pour séduire au-delà. Ce tome 4 semble pousser cette logique à son maximum, avec des révélations, des surprises et surtout une bataille navale annoncée comme l’un des grands morceaux de bravoure de la série.
L’univers conçu par Dubuisson et Cy repose sur une vraie idée de dépaysement. Le projet part d’un point de départ historique, l’expédition de Christophe Colomb, pour le faire basculer dans une variation fantastique où l’Histoire se tord, où la Terre n’est plus tout à fait celle que l’on croyait connaître, et où le récit d’initiation prend des allures de grande odyssée. Cette hybridation entre aventure classique, fantaisie maritime et quête initiatique reste l’une des meilleures idées du cycle.
Visuellement, la série doit aussi beaucoup à Cy, dont le travail en couleur directe est audacieux avec un goût pour les ambiances denses, les grandes scènes d’action lisibles et une palette qui donne au monde d’Ana une vraie personnalité.
Avec Ana et l’Entremonde – Tome 4, une aventure fantastique se termine, pensée en quatre volumes, qui tient en haleine jusqu’au bout. Un final qui devrait séduire les lecteurs déjà attachés à l’univers, tout en confirmant la place de la série parmi les propositions jeunesse les plus ambitieuses et dépaysantes du catalogue.
Extrait de la BD :
Résumé éditeur :
Quand les portes de l’Entremonde s’ouvrent enfin…Ana et Domingo, deux jeunes orphelins embarqués par accident dans la fameuse expédition de Christophe Colomb, se sont retrouvés projetés dans l’Entremonde, un univers fantastique peuplé de pirates en tous genres !
Tandis que La Main continue d’étendre son pouvoir sur Kawa-Qawa, Ana et ses amis sont plus déterminés que jamais à l’arrêter avant que les mystérieuses Portes-aux-mondes ne tombent en sa possession.
Entre surprises, révélations et bataille navale explosive, l’ultime tome de la série nous plonge dans une aventure fantastique pleine d’imagination et de rebondissements avec, toujours, des planches en couleur directe à couper le souffle !
Date de parution : 8 avril 2026 Scénario : Marc Dubuisson Dessin et couleurs : Cy Éditeur : Glénat Collection : Jeunesse Format / Pages : 21,5 x 29,3 cm – 104 pages
[MANGA] Sakamoto Days – Tome 21, de Yuto Suzuki (Glénat Manga)
Avec Sakamoto Days – Tome 21, Yuto Suzuki poursuit l’un des shonen d’action les plus efficaces de ces dernières années, en continuant de faire cohabiter avec une aisance remarquable l’humour absurde, la chorégraphie des combats et la tension dramatique. Série désormais solidement installée parmi les succès de Glénat Manga, Sakamoto Days avance ici dans un arc où Shin et Heisuke s’enfoncent au cœur d’un nouvel enfer : la prison de la FJA.
Pour rencontrer l’oracle, Shin et Heisuke se font volontairement incarcérer dans une prison où sont enfermés les pires criminels du pays. À peine arrivés, ils subissent un bizutage brutal qui les place en situation critique. Ce décor carcéral offre à Yuto Suzuki un terrain idéal pour renouveler les affrontements avec de nouvelles dynamiques.
Rappelons que l’idée de départ — un assassin légendaire devenu épicier de quartier — aurait pu n’être qu’un gag à usage unique. Or la série a trouvé depuis longtemps un équilibre très convaincant entre comédie, sens du rythme et suspens. Ce qui en fait l’une des séries marquantes du moment.
Avec Sakamoto Days – Tome 21, Glénat poursuit donc la publication d’un titre qui confirme volume après volume sa régularité et son efficacité. Entre bastons spectaculaires, humour de décalage et progression d’un arc toujours plus intense, ce nouveau tome a tout pour satisfaire les lecteurs déjà embarqués. Et pour les collectionneurs, le premier tirage bénéficie en plus d’une jaquette holographique, petit bonus qui accompagne bien la sortie d’un volume aussi attendu.
Résumé éditeur :
Votre épicier est un assassin légendaire !Afin de rencontrer l’oracle, Shin et Heisuke se font volontairement incarcérer dans la prison de la FJA où sont enfermés les pires criminels du pays. Dès leur arrivée, les détenus et le gardien-chef leur font subir un bizutage qui les met dans une situation critique. Parviendront-ils à traverser cet enfer jusqu’au dernier sous-sol où se trouve l’oracle ? Que l’arc du tourisme carcéral commence !
Date de parution : 8 avril 2026 Auteur : Yuto Suzuki Éditeur : Glénat Manga Collection : Shonen Format / Pages : souple – 11,5 x 18 cm – 208 pages
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[MANGA] Les Noces des lucioles – Tome 7, d’Oreco Tachibana (Glénat Manga)
[BD] Le Choc des tyrans – Tome 01 : Hitler vs Staline, de Michaël Prazan & Gabriel Andrade (Glénat)
[BD JEUNESSE] Ana et l’Entremonde – Tome 4, de Marc Dubuisson & Cy (Glénat)
[MANGA] Sakamoto Days – Tome 21, de Yuto Suzuki (Glénat Manga)
