« Un homme sans titre » : récit contre l’effacement

Adapté du livre de Xavier Le Clerc et porté à la scène par Jean-Louis Martinelli, le spectacle avance comme une adresse sans retour : une lettre au père qui n’a jamais eu droit à l’inscription pleine, à la reconnaissance, au récit officiel.

Ici, le théâtre ne représente pas, il répare ou feint de réparer ce que l’histoire a méthodiquement effacé.

Sur scène, presque rien. Une table, quelques chaises, et cette géographie pauvre qui devient peu à peu cartographie intime.

Jean-Louis Martinelli avec le geste qu’on lui connait, ne surcharge pas : il creuse. Son dispositif minimaliste agit comme une chambre d’écho où chaque mot résonne avec une densité accrue.

On passe de la Kabylie à la Normandie sans bouger, comme si l’exil était moins un déplacement qu’une vibration persistante dans le corps.

Une langue contre l’oubli

Le plateau est nu, mais saturé d’Histoire, celle, majuscule, de l’immigration ouvrière, et celle, minuscule et fracassée, d’un homme broyé dans ses marges.

Sa mise en scène procède par évocation plus que par composition. Elle ne cherche jamais l’effet, encore moins l’illustration : elle organise le vide comme une matière active.

Chaque déplacement d’objet – des chaises qui apparaissent, une table qui pose une condition, des images d’archive qui défilent – inscrivent le temps qui passe, la famille qui vit, se densifie, puis se délite.

Le geste est sûr et d’une précision d’orfèvre : il suffit d’un léger déplacement pour faire basculer un espace domestique en territoire politique. La musique et la lumière, elles, découpent sans dramatiser, laissant affleurer des zones d’ombre qui ne sont pas des effets mais des réminiscences.

Et puis il y a Mounir Margoum, formidable de vérité et d’humanité. Seul en scène, mais jamais solitaire. Il ne joue pas, ou si peu : il porte.

Sa voix, droite, assurée, refuse l’emphase là où le pathos serait facile. Ce refus est sa force. Margoum ne cherche pas à faire pleurer, il installe une dignité. Et c’est précisément cette dignité, sèche, presque minérale, qui fissure le spectateur. À force de retenue, l’émotion affleure comme une nappe souterraine.

Le texte, lui, oscille entre la violence du constat et une forme d’apaisement tardif. « Mon père illettré fut mon premier livre » : la formule pourrait sombrer dans le slogan, mais elle tient ici comme un axiome tragique.

Martinelli construit ainsi un théâtre de la trace, où l’invisible (le père, l’histoire, la langue perdue) affleure par strates, sans jamais se donner entièrement. Ce refus du spectaculaire n’est pas une économie de moyens, mais une éthique du regard : ne pas combler le manque, le laisser investir le spectateur.

Une retenue éthique : ne pas trahir, ne pas spectaculariser la misère, ne pas surjouer la mémoire. Car « Un homme sans titre » n’est pas une fresque : c’est une incision. Une tentative de dire l’indicible sans le recouvrir. Un théâtre de la filiation empêchée, amputée, où l’identité se construit non pas sur un héritage, mais sur une absence à combler.

 Dates: du 16 au 29 mars 2026  – Lieu : Théâtre de la ville (Paris)
Mise en scène : Jean-Louis Martinelli

« À notre place » : une chambre d’échos en résonance sensible et incertaine

Avec « À notre place », Arne Lygre poursuit son entreprise de déminage des relations humaines : non pas les raconter, mais les dissoudre lentement dans une langue qui les précède, les déborde, les trahit.

Et Stéphane Braunschweig, compagnon fidèle, ne met pas seulement en scène une pièce, il installe un dispositif de révélation clinique où l’intime devient une matière instable, un gouffre.

D’emblée, le spectacle déjoue l’attente. Trois femmes, oui – Astrid, Sara, Eva – mais ce triangle n’est qu’un leurre.

Car chez Lygre, l’amitié n’est jamais un refuge : c’est une zone de friction où les absents prolifèrent

Fils, pères, frères, morts et vivants contaminent la scène, comme si chaque relation portait en elle une mémoire clandestine. L’intimité devient un espace surpeuplé, saturé de présences qui empêchent toute résonance avec soi-même.

Braunschweig capte cela avec une rigueur presque chirurgicale. Sa mise en scène, épurée jusqu’à l’os, ne cherche ni à illustrer ni à rassurer.

L’intime en fuite

Elle expose. Les corps circulent dans un espace mental plus que physique, et la scénographie, d’une netteté à l’épure ciselée, agit comme une chambre d’écho : tout y résonne, rien n’y perdure.

On retrouve cette esthétique de la surface lisse, déjà à l’œuvre dans ses précédentes incursions chez Lygre, où le décor ne sert qu’à mieux faire affleurer les failles du langage.

Car le véritable vertige est là : dans cette langue qui dit tout et donc annule tout. Les personnages parlent, se corrigent, se commentent, comme s’ils tentaient d’atteindre une transparence absolue.

Mais à force de tout dire, ils ne disent plus rien de vivant. Le réel s’épuise dans sa propre explicitation. On assiste moins à des scènes qu’à des tentatives de formulation du monde en crise et toujours incertain.

Et pourtant, quelque chose cherche à advenir. Une tentative sourde, presque organique. Lygre ausculte une question simple et abyssale : où est notre ancrage quand toute relation nous déplace ?

L’amitié ici n’est ni consolatrice ni stable, elle est une forme de dépendance déplacée, parfois aussi violente, aussi exclusive que l’amour lui-même.

Les trois comédiennes – Cécile Coustillac, Clotilde Mollet, Chloé Réjon – naviguent dans cette partition avec une précision remarquable.

Elles ne jouent pas des personnages : elles incarnent des points de passage. Tour à tour elles deviennent elles-mêmes, les autres, les hommes absents, brouillant les identités avec une fluidité troublante.

Cette porosité est l’une des plus belles réussites du spectacle : elle matérialise ce que le texte suggère, que nous ne sommes jamais un, mais toujours traversés.

Reste une impression persistante, presque inconfortable : celle d’un théâtre qui refuse la consolation. « À notre place » n’offre ni résolution ni catharsis. Il laisse le spectateur dans un état d’instabilité douce, comme après une conversation trop lucide pour être honnête.

Un théâtre de la dissection, oui mais où, à force d’ouvrir les corps et les mots, on découvre moins leur vérité… que leur irréparable vacillement.

 Dates: du 18 mars au 17 avril 2026  – Lieu : Théâtre de la Colline (Paris)
Mise en scène : Stéphane Braunschweig

Catherine Hiegel souveraine et désopilante dans Les Règles du savoir-vivre

« Les règles du savoir-vivre dans la société moderne » est une pièce de Jean-Luc Lagarce l’un des auteurs français les plus importants de la fin du 20e siècle, et l’un des plus joués en France. Il s’agit d’un monologue qui s’appuie sur la réécriture d’un manuel de bonnes conduites de la Baronne Staffe, née en réalité de condition modeste sous le nom de Blanche Soyer, paru en 1889.

Le propos consiste à édicter à destination des aristocrates et grands bourgeois du XIXe siècle, à partir des grands moments de l’existence (naissance, fiançailles, mariage, veuvage) la conduite à tenir et que Lagarce d’un regard corrosif, taille au scalpel pour mieux en faire ressortir toute la parodie sous-jacente.

Un grand numéro d’actrice

Sur la scène, la baronne/conférencière prend les traits de Catherine Hiegel où d’emblée sa partition sous la direction aiguisée de Marcial Di Fonzo Bo, participe sournoisement à la charge caustique contre les conventions sociales et leurs fausses apparences.

Vêtue d’une tunique noire rehaussée d’une collerette blanche, dans un décor minimaliste constitué de grandes tables sur roulettes qu’elle déplace à l’instar d’un nouveau chapitre du manuel abordé, la dame nous instruit des codes à suivre pour ne pas « se laisser déborder par les futilités accessoires que sont les sentiments et pour gérer la vie comme une longue suite de choses à régler ». Car il s’agit avant tout de « tenir son rang ! ».

Sur un ton compassé aux airs de patronnesse, la conférencière – sourire aux lèvres mais faussement maternelle masquant en fait une implacable solitude – porte à son paroxysme le parcours désopilant de la jeune fiancée jusqu’au mariage puis au veuvage que les règles de la bienséance doivent régenter et accompagner, le tout délesté de tout ressenti intime et émotionnel. Où l’obsession de la mort « toujours possible, envisageable », se rappelle sans le moindre égard aux percepts édictés.

A travers cette adresse anachronique, l’auteur nous renvoie – dans une langue mélodieuse et une syntaxe dense – le portrait d’une société bourgeoise conservatrice et corsetée. Derrière la forme caricaturale d’un guide de convenances prétexte pour Lagarce à une critique sociale, il pointe avec une ironie mordante la famille, l’amour, la mort, la solitude et les valeurs d’une société torpillée par les faux-semblants que l’on se doit toujours de sauvegarder.

Ni tout à fait la même, ni tout à fait une autre

La comédienne très inspirée dans une mise en scène épurée de Di Fonzo, en interaction avec le public, déploie un jeu subtil et sarcastique empreint de rupture de jeu, où ses attitudes, parfois sa méprise, et ses mimiques, amplifient à dessein les moments tragico-comiques. Tantôt espiègle, tantôt sévère, tantôt candide, toujours singulière, elle est extraordinaire de finesse et d’intelligence où, ni tout à fait la même, ni tout à fait une autre, elle se joue à l’envi du propos entre conviction désarmante et distance désopilante !

Cette pièce donne aussi à entendre le ton singulier de Jean-Luc Lagarce fait de sonorités, de variations et de reprises. Son rythme donne toute son ampleur à la dérision et au décalage des situations décrites qui, par delà le rire qu’elles provoquent, n’en sont pas moins empreintes de gravité. Car c’est là, la périlleuse et grande affaire que de pourvoir y survivre…!

Dates : du 2 mars au 19 mai 2026 – Lieu : Théâtre des Bouffes Parisiens (Paris)
Mise en scène : Marcial Di Fonzo Bo