Mozart en état de grâce, dans les pas d’Anne Teresa De Keersmaeker

Après les précédentes collaborations entre Anne Teresa De Keersmaeker et le Ballet de l’Opéra de Paris, qui compte désormais à son répertoire inscrit deux de ses spectacles que nous avions chroniqués (Rain et la soirée de répertoire Bartók/Beethoven/Schönberg ), c’est en tant que metteur en scène qu’elle signe cette production de Cosi fan tutte de Mozart avec sa compagnie Rosas, reprise pour cette nouvelle saison.

Elle associe un danseur de la compagnie Rosas à chaque chanteur où cette duplication à partir d’un geste sûr et si particulier, révèle l’essence même de l’œuvre. Et donne à voir la géométrie de la musique porteuse de multiples résonances, corporelles, émotionnelles, qui sont ainsi dansées où s’inscrivent également les non-dits.

Ferrando et Guglielmo sont fiancés à deux sœurs, Dorabella et Fiordiligi. Afin de démontrer à un philosophe que leurs fiancées sont fidèles, ils font semblant de partir à la guerre, puis reviennent déguisés en étrangers où sous ces fausses identités, courtisent les deux femmes. Mais  voilà que leur plan déraille : chacun se retrouve à poursuivre la fiancée de l’autre. Les couples d’origine sortiront-ils indemnes de ce jeu de l’amour et de la cruauté ?

Entre énergie et mélancolie

La chorégraphe s’empare avec finesse de cette question qui explore l’appel à la transgression entre ces personnages gouvernés par leur désir. Le tout au diapason de la partition claire-obscure de ce Mozart si proche de Marivaux. Et qui n’a cesse de jouer les funambules entre opera buffo et opera seria, soit entre légèreté et profondeur.

Sur un plateau nu, totalement repeint en blanc, avec seulement de chaque coté des panneaux de plexiglass transparents, Anne Teresa De Keersmaeker scrute entre variation géométrique et dynamique pulsative propres à son style, les jeux de la séduction et du désir.

Le vocabulaire fluide, jamais narratif, colle à la musique dont l’élan, tantôt immobile, tantôt volcanique, transfigure la tension des corps et leur rapprochement.

Une distribution éclatante

Et l’écriture sur le thème du livret sans jamais le surcharger dessine des motifs qui recomposent l’espace d’où les corps interagissent entre énergie et mélancolie.

La distribution d’une belle homogénéité est en osmose parfaite avec les rôles/pas distribués où les voix éclatantes des chanteurs et les lignes harmoniques des danseurs se superposent en binôme (Vannina Santoni/Cynthia Loemij, Angela Brower/Samantha van Wissen, Hera Hyesang Park/Marie Goudot, Josh Lovell/Julien Monty, Gordon Bintner/Michaël Pomero, Paulo Szot/ Savio/Bostjan Antoncic) pour faire corps avec la partition, sa résistance, et son mouvement perpétuel.

Dates : du 10 juin au 9 juillet 2024 – Lieu : Palais Garnier (Paris)
Metteur en scène / chorégraphe : Anne Teresa De Keersmaeker

Denis Lavant et Frédéric Leidgens, deux phénix au bord du vide dans une « Fin de partie » magistrale, sont de retour

« Rien n’est plus drôle que le malheur, […] c’est la chose la plus comique […] mais c’est toujours la même chose […]. C’est comme la bonne histoire qu’on nous raconte […] nous la trouvons bonne mais nous n’en rions plus ».

Voilà, tout est dit, Samuel Beckett transcende sa propre noirceur par l’humour implacable de la dérision inscrite en filigrane dans les plis du langage et une humanité au bord du vide.

Clov (Denis Lavant), Hamm (Frédéric Leidgens), Nagg (Peter Bonke) et Nell (Claudine Delvaux) – pauvres rescapés de la vie – continuent à réinventer le jeu de l’humanité. Et ils résistent. Inexorablement. Pour continuer à exister, ils remplissent le temps des mots qui les émeuvent, les font s’insurger ou se taire. Ils vaquent à leurs occupations. Le monde s’est effondré mais eux comme si de rien n’était, ils continuent. « Fin de partie », pièce mémorable de Samuel Beckett, où la tragédie métaphysique du désespoir est portée à son paroxysme.

Une « Fin de partie » éclairante 

Quatre personnages donc sont à l’œuvre. Hamm aveugle et en fauteuil roulant. Avec lui, ses parents culs-de-jatte, jetés dans des poubelles, qui apparaissent par intermittences, et Clov, son domestique, peut être un fils adoptif.

Mais aujourd’hui quelque chose a changé : ça va peut-être enfin tout à fait finir. C’est cette fin, espérée et crainte, retardée et accélérée, jouée et subie, cette impensable et impossible fin, que raconte « Fin de partie » : Clov partira-t-il : abandonnant Hamm à lui-même ? La question est entière, et si la tension est extrême entre les deux personnages, si les paroles qu’ils s’échangent sont des coups qu’ils se portent, pointe simultanément une forme d’attachement entre eux, l’attachement d’un vieux couple. « Quelque chose suit son cours », mais cela va-t-il pour autant finir dans ce refuge coupé de tout, dans cet univers dévasté et post-apocalyptique.

Et au contraire de « En attendant Godot », qui centre l’action autour d’un personnage qui ne viendra jamais, « Fin de Partie » nous place dans l’attente de départs que l’on ne verra pas : celui de Clov, annoncé dès le début (« fini, c’est fini, ça va finir »), mais qui est encore présent à la fermeture du rideau ; celui des parents, dont la mort est suggérée sur scène sans qu’ils quittent l’abri de leurs poubelles. L’action est soit passée (Nell et Nagg évoquent leurs souvenirs de jeunesse), soit future (le départ de Clov, un projet de roman évoqué par Hamm, ce dernier allant jusqu’à affirmer que sa vie « a toujours été [future]»). Le présent se vivant dans l’attente et le ressassement pour les protagonistes déjà prisonniers d’eux-mêmes, et en attente de la fin.

Un dernier round inscrit dans l’anéantissement – malgré les répétitions, les détours, et les silences qui se nichent entre le texte – et non dénué d’un humour ravageur. Où dans un ultime acte de résistance, la langue ressassée, imprime sur un ton emprunt de dérision, de tendresse et de gravité mêlées, l’impossible quête existentielle.

La mise en scène sobre et subtile de Jacques Osinski fait entendre à merveille l’écriture composite du dramaturge, frappée jusqu’à l’épuisement de cette pensée du désespoir, et au plus près de la condition humaine, de sa résistance, de son mystère, de sa souffrance et de son impuissance.

Denis Lavant et Frédéric Leidgens sont vertigineux d’incandescence. Le premier, trépignant, désarticulé et empêché, ne lâche rien. L’autre, prolixe, aristocrate, et désinvolte, fulmine. Ils portent à l’unisson la profondeur et la richesse du texte de Beckett aux prises entre la dureté et la mélancolie, la consolation et la désolation, le fini et l’infini.

Une ambigüité si propre à l’œuvre du dramaturge et en miroir à notre condition humaine aussi dérisoire qu’unique.

Dates : 5 juin au 14 juillet 2024 – Lieu : Théâtre de l’Atelier (Paris)
 Mise en scène : Jacques Osinski

Le retour gagnant de la compagnie du Zerep / Sophie Perez, olé !

Fondée il y a plus de dix-huit ans, le Zerep s’amuse à exploser les codes classiques du théâtre. Leur premier spectacle, Mais où est donc passée Esther Williams ? était basé sur une méthode originale pour apprendre à nager… sans eau. Ils l’ont présenté dans une piscine parisienne à sec, avec des comédiens recrutés à l’ANPE. C’était en 1998.

Depuis, l’esprit de cette troupe désespérément libre et sans limite, fondée par Sophie Perez (Zerep en verlan) scénographe hors pair, rejointe quelques années plus tard par Xavier Boussiron (musicien, dramaturge et plasticien), n’a guère changé. Les douze pièces et multiples performances proposées par ces joyeux lurons de comédiens aussi à l’ouest qu’investis en témoignent. On se souvient notamment de leur Oncle Gourdin en 2011 et leurs petits lutins persiffleurs qui maltraitaient à l’envi les faiseurs de théâtre, égratignant au passage Jean Vilar ou encore Olivier Py.

Un traquenard esthétique et scénique

Toutes sortes de strates culturelles, d’influences, d’emprunts, de simulacres, de manières d’être sur scène, de sources d’inspiration s’y chevauchent. Les acteurs, les objets, le texte ne constituent qu’un tout protéiforme.

Avec la meringue du souterrain, leur nouvelle création, ils expérimentent le théâtre qui ne se jouerait que dans les salles vides où la scénographie invasive, déborde de partout, pour se répandre dans la salle car il n’y a pas de spectateurs. Un traquenard esthétique et scénique où la représentation, sortie de nulle part, émerge et s’élabore à travers des apartés (chantés parfois) sur un ton vif, subtil, transgressif, créatif, mélancolique et poétique.

Une femme attend sur scène. Un amoureux ? Elle débute alors une exploration fantasque et expressive d’elle même et de ce qui l’entoure. Puis, après tant de faux espoirs, repartira seule et dépitée. La figure de Pinocchio, enfant indocile et imparfait, traverse aussi cet opus scénique avec son énergie, sa désobéissance, ses mensonges, ses fugues, sa naïveté et sa bonne volonté. Un quizz théâtral s’enchaîne où Sophie Lenoir tend le micro à son public et l’enjoint à terminer les textes de théâtre les plus cultes et les plus mémorables.

Un set d’électro theater : table de mixage et entertainment ambiance concert et transe sémentique est aussi de la partie. Sans oublier ces chansons réinterprétées traitant du couple et de l’inspiration.

Le tout jalonné d’un humour décalé et intelligent, d’une mélancolie singulière et inquiétante, d’une absurdité de la profondeur, d’une omniprésence de l’art en tant qu’écriture théâtrale, de la parole prise en étau entre le vrai et le faux, du jeu carnavalesque et de ses masques, d’une certaine idée du hors du jeu, d’une passe d’armes sur l’égo des acteurs, des faux-pas de la fiction face au réel implacable. En un mot du grand art. C’est tout un monde artistique qui se fait jour où tendances populaires et raffinements avant-gardistes sont renvoyés dos-à-dos pour mieux en éprouver les mystères et les mystifications.

Sophie Lenoir et Stéphane Roger dans cette fuite en avant sont formidables de justesse, d’audace, de générosité et d’inventivité. A l’abri d’une esthétique baroque et outrancière qui renvoie au dedans et au dehors, la compagnie du Zerep éprouve, pour mieux s’en moquer mais aussi les revisiter, les formes de la représentation théâtrale. Un geste salutaire et unique.

Dates : du 5 au 15 juin 2024 – Lieu : Théâtre du Rond-Point (Paris)
Création : CIE Zerep / Sophie Perez