Un « George Dandin » baroque et onirique pour un spectacle total

On ne présente plus les deux complices qu’étaient Molière et Lully, auxquels nous devons des comédies comme Le Bourgeois gentilhomme où la musique trouve naturellement sa place. George Dandin, créé en 1668 à Versailles pour le plaisir de Louis XIV, relève du même heureux mélange des genres : il s’agit d’une histoire bouffonne et noire où s’intercalent des intermèdes musicaux qui mettent en scène bergers et bergères idéalisant la noblesse de cour. Mais si les pages musicales ont cette grâce inimitable typique de Lully, elles sont avant tout le contrepoint facétieux de la satire dont elles pointent le vertige.

Michel Fau, homme de théâtre sans égal  

Fort d’une présence et d’une exigence toujours singulières, Michel Fau, homme de théâtre sans égal, s’empare de cette farce tragi-comique et de son rôle-titre avec la folie baroque, la poésie et l’outrance fantasque qu’on lui connaît. Il y distille à dessein la noirceur qui mine la comédie et le grotesque qui habite le tragédie, en osmose parfaite avec l’esprit purement moliéresque de la cruelle satire pour un spectacle total.

George Dandin, un riche paysan, a dépensé sa fortune pour devenir George de la Dandinière. Hélas, comme chacun sait, l’argent ne fait pas le bonheur et chez Molière sans doute moins qu’ailleurs. Le « mari confondu » subira le mépris de son épouse et de sa belle-famille, et l’humiliation d’être ouvertement trompé.

Une cérémonie baroque et grandiloquente 

Un conte féroce à la morale furieusement amère, où Molière mélange la comédie de mœurs, la critique sociale et la tragédie en mettant à nu les vilénies et les fourberies.

Le spectateur, médusé, assiste alors en trois actes à la descente aux enfers du parvenu Dandin, victime volontaire de son ambition débordante, aux prises avec une très jeune épouse qui, avec force et détermination, revendique son désir de liberté.

La lecture de Michel Fau avec son sens aigu de la théâtralité, s’inscrit à merveille dans la bouffonnerie et la tragédie comme pour mieux singer le jeu de la comédie humaine et ses travers à la fois cruels et dérisoires, cabotins et grotesques, où la quintessence de l’œuvre y est portée à son paroxysme, empreinte de jeux de pouvoir, de vanité, et d’humiliation.

Quatre chanteurs et huit musiciens de l’Ensemble Marguerite Louise participent à la mise en abîme de cette fable à la fois burlesque et sombre où tout chatoie, déborde de couleurs et nous plonge dans un monde onirique et symbolique.

Avec des intermèdes musicaux qui se jouent à l’envi de l’infortune amoureuse en chantant le pouvoir de l’amour quand le verbe clame le désespoir d’un mari humilié !

Dans des costumes d’apparat signés Christian Lacroix qui signent l’appartenance à une classe et un décor d’Emmanuel Charles, mettant en scène une petite maison, entourée de branches d’arbres tout droit sortie d’un conte maléfique, qui symbolise avec ses deux étages sa position sociale (Dandin étant en bas, les aristocrates en haut) mais aussi le purgatoire, le verbe se fait ravageur et parodique, grotesque et inquiétant.

Dans le rôle de George Dandin, Michel Fau impressionne en clown tragique. Face à lui six comédiens : Alka Balbir, Armel Cazedepats, Philippe Girard, Anne-Guersande Ledoux, Florent Hu et Nathalie Savary en parfaite osmose lui donnent la réplique dans un jeu aussi baroque qu’extravagant. Bravo !

Dates : du 6 au 29 mai 2022 – Lieu : Athénée Théâtre Louis-Jouvet (Paris)
Metteur en scène : Michel Fau

Beckett transcendé à l’Opéra de Paris

En 1957, Samuel Beckett vient de clore l’écriture de sa deuxième pièce de théâtre ; Kurtág arrive tout juste en France et, sur le conseil de son aîné György Ligeti, décide d’en voir la création : c’est sa première rencontre avec Fin de Partie. Pendant les six décennies qui suivront, l’univers de Beckett tournera dans la tête du compositeur – quelques bribes s’en échappent dans les années 1990, une pièce pour piano et voix, remaniée pour voix et ensemble, sur le dernier texte de Beckett, What is the Word.

Une œuvre foisonnante

L’écriture de Fin de Partie commence à proprement parler en 2010, mais le compositeur y consacrera huit ans de sa vie jusqu’à la création de l’opéra en 2018, intitulé Samuel Beckett : Fin de partie : scènes et monologues, opéra en un acte. Comme son nom l’indique, c’est un enchaînement de scènes extraites de la pièce originale. Sur un livret qui réduit la pièce à un peu plus de la moitié, sans jamais la réécrire, l’ouvrage déploie tout l’art avant-gardiste et expressionniste du compositeur qui se révèle en parfaite symbiose avec les personnages et la trame dramaturgique.

Une composition dont la portée dépasse le monde de la musique pour s’étendre également aux territoires du théâtre et de la littérature. Et dont le livret respecte fidèlement le texte du dramaturge irlandais.

Fin de partie raconte l’histoire de quatre personnages. Hamm aveugle et en fauteuil roulant. Avec lui, ses parents culs-de-jatte, bouclés dans des poubelles, qui apparaissent par intermittences, et Clov, son domestique, peut être un fils adoptif.

Mais aujourd’hui quelque chose a changé : ça va peut-être enfin tout à fait finir. C’est cette fin, espérée et crainte, retardée et accélérée, jouée et subie, cette impensable et impossible fin, que raconte Fin de partie : Clov partira-t-il : abandonnant Hamm à lui-même ? La question est entière, et si la tension est extrême entre les deux personnages, si les paroles qu’ils s’échangent sont des coups qu’ils se portent, pointe simultanément une forme d’attachement entre eux, l’attachement d’un vieux couple. « Quelque chose suit son cours », mais cela va-t-il pour autant finir dans ce refuge coupé de tout, dans cet univers dévasté et post-apocalyptique.

Et au contraire de En attendant Godot, qui centre l’action autour d’un personnage qui ne viendra jamais, Fin de Partie nous place dans l’attente de départs que l’on ne verra pas : celui de Clov, annoncé dès le début (« fini, c’est fini, ça va finir »), mais qui est encore présent à la fermeture du rideau ; celui des parents, dont la mort est suggérée sur scène sans qu’ils quittent l’abri de leurs poubelles. L’action est soit passée (Nell et Nagg évoquent leurs souvenirs de jeunesse), soit future (le départ de Clov, un projet de roman évoqué par Hamm, ce dernier allant jusqu’à affirmer que sa vie « a toujours été [future]»). Le présent se vivant dans l’attente et le ressassement pour les protagonistes déjà prisonniers d’eux-mêmes, et en attente de la fin.

Pour accompagner ces figures immobiles, le metteur en scène Pierre Audi n’ajoute sur le plateau qu’un cabanon dont la configuration change de perspective entre les scènes et recompose l’espace entre un monde intérieur et un monde extérieur.

Győrgy Kurtág sert à merveille le drame existentiel non pas en l’accompagnant mais en l’enrichissant de sa traduction musicale qui imprime la psyché des personnages où la musique et le chant soulignent la recherche profondément beckettienne du silence et de l’ailleurs. Kurtág s’ appuie aussi sur les résonances créées par le poème « Roundelay », autre œuvre beckettienne placée en prologue de l’opéra. Une musique qui amplifie ou prolonge le texte dans une veine orchestrale aussi puissante que neuve.

Les quatre chanteurs : Frode Olsen – Leigh Melrose – Leonardo Cortellazzi – Hilary Summers sont en parfaite symbiose avec leurs personnages où leur timbre se joue à l’unisson des variations du grand Sam, aux prises entre le dedans et le dehors, l’ici et l’ailleurs, la consolation et la désolation, le fini et l’infini. Le tout emmené par le chef Markus Stenz et son geste sûr qui donne toute son ampleur à la résonance orchestrale et métaphysique de l’œuvre. Bravo !

Dates : du 30 avril au 19 mai 2022 – Lieu : Palais Garnier  (Paris)
Metteur en scène : Pierre Audi 

“Cendrillon” sous le regard envoûtant de Joël Pommerat

Depuis plus de quinze ans, Joël Pommerat qui se revendique “écrivain de plateau”, écrit et met en scène. Reconnaissables dès les premières secondes pour l’univers poétique dont elles sont tissées, mêlant intimement le clair-obscur de l’imaginaire (l’inconscient) à la réalité mais aussi les rapports sociaux entre individus, les histoires scéniques de Pommerat s’apparentent à des comtes moraux et immoraux. Où comment le bien et le mal se masquent, se mélangent l’un derrière l’autre, l’un avec l’autre.

Et à partir d’un sujet qui semble tout à fait réaliste donc concret, le dramaturge nous entraîne de par son écriture dans une autre réalité, celle de personnages enfermés en eux-mêmes qui rêvent et parlent seuls à travers de longs discours émouvants ou encore entre eux, déterminés par le rôle familial/social dans lequel ils sont enfermés.

L’utilisation du micro comme vecteur de la voix contribue aussi à créer un climat à part entière. Le théâtre de Pommerat est donc un monde à part qui chemine entre l’ici et l’ailleurs. Un monde d’ambiguïté, de trouble, de profonde humanité où par-delà le visible et son implacable vérité, l’inconscient de nos “je” et les interdits collectifs sont également convoqués.

Un monde sans fard aussi lorsqu’il s’attaque au conte en revisitant de sa magie noire Pinocchio, Le Petit Chaperon rouge ou encore Cendrillon. Un monde désabusé, d’illusions perdues traduisant parfaitement les angoisses de notre époque lorsqu’il narre le capitalisme dans Les Marchands ou La grande et fabuleuse histoire du commerce. Chacune de ses œuvres est d’une inventivité plastique et théâtrale rares où Pommerat s’affirme comme l’un des auteurs-metteurs en scène majeur de cette dernière décennie.

A peine sortie de l’enfance, une toute jeune fille (Cendrillon) s’est tenue au chevet de sa mère gravement malade. Quelques mots – prononcés à mi-voix par la mourante, dans un souffle, et peut-être « mal entendus » par l’enfant – et la voilà liée, chargée de mission, tenue à un rôle.

Quelle marge de manœuvre lui reste-t-il pour envisager de suivre son père qui se remarie ? Comment « composer » avec l’avenir qui se dessine sous les traits d’une belle-mère coquette nantie de deux grandes adolescentes frivoles et égocentriques ?

Comment naviguer entre les cendres du passé, le réel qui s’impose, la vie effervescente et une imagination qui déborde ? Quels seront les points d’appui pour entrer de plain-pied dans le désir et l’existence ? Un prince naïf ? Une fée déjantée ?

Le metteur en scène livre ici sa version très personnelle du conte de Perrault. Loin des histoires de princesses qui rêvent au prince charmant, il se plonge au cœur de l’enfance et des questions tragiques qui la jalonnent parfois. Oubliés les oiseaux chanteurs et les couleurs pastel. Cendrillon est Sandra, une petite fille submergée par le deuil de sa mère, qu’elle tente de vivre comme elle le peut. Tous les éléments de l’histoire originale sont présents, mais détournés, chargés d’un sens différent qui lui donne un souffle radicalement novateur. Si Pommerat choisit d’axer sa pièce autour du deuil et de la confrontation d’une enfant avec la mort, il le fait avec assez de légèreté pour que les spectateurs se laissent aller à rire à de nombreux moments du spectacle où émotion et humour sont au rendez-vous.

Menant de front une écriture personnelle stimulée par la présence des acteurs et le travail minutieux de la lumière, des projections et du son, il crée pour la scène des images singulières et troublantes, désoriente l’oreille par l’apparente simplicité d’une langue tenue à l’essentiel, émeut par l’étrangeté d’un jeu dénué des théâtralités convenues. En le renouvelant, en l’habillant des pouvoirs illusionnistes du théâtre contemporain, il rafraîchit la puissance originelle du conte, sa texture à la fois familière et cryptée : un dédale de sens pour questionner la vie, toute la vie, sans morale ni réponse toute faite.

Et les comédiens sont tous à l’unisson pour interpréter leur personnage de conte initiatique, dans un subtil jeu de va-et-vient entre gravité, drôlerie et radicalité. 

Dates : du 3 mai au 19 juillet 2022 – Lieu : Théâtre de la Porte Saint-Martin (Paris)
Metteur en scène : Joël Pommerat