« Tout mon amour » : le huis clos familial et percutant de Laurent Mauvignier

Première pièce de Laurent Mauvignier, « Tout mon Amour » est portée par une écriture poignante et brute, dont l’incarnation très présente circule entre des espaces réels et mentaux. L’écrivain dramaturge consacre son œuvre aux sujets les plus intimes tels que le deuil, la famille, la perte et parvient ainsi à creuser une place à l’indicible.

Le découpage de la pièce, dans la mise en scène cinématographique d’Arnaud Meunier, lui confère un rythme et un suspens qui instaurent un climat énigmatique entre l’ici et l’ailleurs, le passé et le présent, le dedans et le dehors, les vivants et les morts, où se débattent des personnages en quête d’eux même et d’un traumatisme irrésolu. Une réussite.

Entre l’ici et l’ailleurs

A la mort de son père, un homme (Philippe Torreton) revient dans le village où il a passé son enfance. Sa femme (Anne Brochet) l’accompagne. L’enterrement terminé, une jeune fille se présente à eux et prétend être Elisa (Ambre Febvre), leur fille, disparue mystérieusement dix ans plus tôt, à l’âge de six ans. La Mère refuse de la croire. Le Père doute. Leur fils (Romain Fauroux), resté à Paris, les rejoint.

Mais cette fille qui est-elle ? Une imposture ou l’être tant espéré ? Et que dire au fils, l’enfant devenu unique après la disparition de sa sœur.

Avant de répondre à la question de l’identité de la jeune fille, c’est d’abord le rendez vous d’une famille qui doit régler ses comptes, entre les vivants bien sûr, mais aussi avec les disparus, qu’ils soient morts (le grand-père) ou kidnappés (Élisa).

Le manque : une violence sourde 

« Tout mon amour » interroge donc les liens secrets entre un homme et une femme qui ont traversé la perte d’un enfant et sont confrontés au retour possible de celui-ci, mais dans le corps d’une inconnue, d’une autre ? Car si Elisa est vraiment leur enfant ? Quelle place, alors, pour le fils ? Et si l’important était ailleurs, par exemple dans la décision de croire à l’impossible ou de se refuser obstinément à croire au possible ? Jusqu’où est-on prêt à croire par amour ?

Et comment le retour de ce fantôme va-t-il bouleverser l’échiquier familial ? Avec un traitement du silence, des non-dits, et de l’incommunicabilité, qui n’est pas sans rappeler celle de Jean-Luc Lagarce dans « Le Pays lointain », Laurent Mauvignier interrogent les ravages de l’absence et les sentiments les plus inavouables. Et traque – entre mémoire, oubli et déni – l’emprise inconsciente dont les morts hantent les vivants ainsi que la violence sourde née du manque, qui emprisonne les protagonistes dans le silence et l’incompréhension.

Les spectateurs sont les témoins de cette histoire. Une tragédie contemporaine qui se construit autour d’une situation extrême mais dont les ressorts universels parlent à chacun. A l’abri de la langue vive, terrestre, de Mauvignier et d’un décor double aux combinaisons changeantes de Pierre Nouvel, le dramaturge fait naître une fausse unité de temps et d’espace, où souvenirs et évocations viennent brouiller le rapport au présent.

Aux prises avec ce trouble, les corps se frôlent, se cherchent, on marche beaucoup, on se jauge, on tourne les uns autour des autres, on s’esquisse, on s’approche, on s’isole, puis on se perd. La mise en scène, très maîtrisée d’Arnaud Meunier aux accents énigmatiques, accompagne de concert la mise sous haut tension des personnages et le déploiement de la dramaturgie où la parole creuse autant qu’elle ne dissimule.

D’un jeu incarné mais aussi distancié, la direction d’acteurs excelle. Philippe Torreton, d’une justesse remarquable, est ce père offensif puis dépassé par la situation. Face à lui, Anne Brochet, à fleur de peau, se révèle aussi troublante qu’inquiétante. Elle incarne au cordeau cette mère inconsolable, consumée par la douleur et hantée par une mémoire indépassable. Jean-François Lapalus campe un grand père (revenu des morts) teigneux et aigri, plein de ressentiments à l’égard de son fils, tandis que Romain Fauroux et Ambre Febvre sont les enfants sacrifiés sur l’autel d’une douleur insurmontable. Bravo !

Dates : du 17 mai au 5 juin 2022 – Lieu : Théâtre du Rond-Point (Paris)
Metteur en scène : Arnaud Meunier

Des âmes en crise sous le regard affûté de Julie Duclos

Lars Norén est un des dramaturges suédois les plus radicaux de la seconde moitié du XXè siècle. Considéré comme le digne successeur de Strindberg ou Bergman, il ne cesse de creuser au cœur des angoisses existentielles et relationnelles pour en décortiquer les ressorts psychologiques et intimes.

Kliniken est un texte sur la folie. Composé de brides de conversation de patients d’une unité psychiatrique dont la parole compulsive, impulsive, fragmentée, de chacun des personnages, permet de se soustraire au temps présent et faire advenir une vérité.

Un monde intranquille 

La pièce met en scène des personnages qui occupent le temps comme ils le peuvent. On les observe aller et venir, discuter, et affronter le quotidien d’une journée ordinaire. Présent avec eux, un animateur infirmier va et vient.

Ils nous livrent des récits décousus porteurs de blessures et de résurgences de souvenirs enfouis mais aussi un regard critique sur le monde, aux prises avec une souffrance tue, des vagues d’agressivité, des sursauts de combativité, une ironie salvatrice et une humanité à fleur de peau.

Les mots se font alors les catalyseurs des humeurs, des peurs, d’une violence contenue, des angoisses, des transgressions, du jeu de soumission et de domination des personnages.

L’écriture féroce et incisive de Lars Norén dévoile autant qu’elle ne dissimule. Elle cristallise par delà l’enfermement intérieur et l’errance, les rapports de force entre les protagonistes et leur intanquillité, propices à une introspection plurielle, rebelle et intime.

Pièce très noire mais non sans humour car si le texte révèle des parcours de vie avec son lot d’échecs, de chagrins, de destins brisés et de désirs inaccomplis, il imprime aussi à travers cette libération de la parole, un acte de résistance et une volonté commune de faire bloc.

Dans sa mise en scène inventive et un décor clinique mais lumineux, qui offre une ouverture sur l’extérieur avec son possible échappatoire, Julie Duclos creuse, à bonne distance, cet embrasement méditatif et sensitif avec ses turbulences, ses débordements et ses ruptures qui lui permettent de fragmenter l’espace de perdition avec de la vidéo révélant ses coulisses, d’introspection, où se créent alors un autre rapport au monde : sensible et onirique.

Dans une traversée aussi chorale que sensorielle, le jeu s’imprègne de la progression dramatique et déconstruite de la langue du dramaturge servi par des comédiens magnifiques. Bravo !

Dates : du 10 au 26 mai 2022 – Lieu : Odéon – Théâtre de l’Europe  (Paris)
Metteur en scène : Julie Duclos

La recréation du Richard III, mis en scène par Matthias Langhoff en 1995 à l’initiative d’une partie de l’équipe initiale, est un événement à plus d’un titre. La pièce conserve le décor d’origine : un plateau mouvant, incliné, auquel s’accrochent pont-levis et escaliers. Sur ces planches branlantes, manipulées à vue par des poulies poussives, pas moins de cinquante personnages gravitent autour du jeune Richard : reines, courtisans, guerriers, traîtres.

Marcial Di Fonzo Bo qui s’y révélait ce roi en prise directe avec le mal, reprend le rôle et la mise en scène avec Frédérique Loliée. Une récréation à saluer qui permet aux jeunes générations de découvrir un spectacle de référence et à de jeunes acteurs d’y participer.

Le plateau qui s’apparente à une machine de guerre est aussi une machine à jouer, périlleusement et furieusement arpentée. Car le monde est un théâtre et, plus encore que Richard, c’est un monde qui boite et témoigne de sa fureur comme de sa folie. Sa propension au chaos et à l’inhumanité est à l’œuvre 3 heures durant sans aucun répit pour une pièce culte et collector.

Richard III est une pièce de jeunesse. Elle consacre la figure emblématique d’un roi maudit meurtri par l’absence d’amour et une solitude abyssale qui font naître chez lui un profond sentiment d’exclusion et d’humiliation.

Shakespeare à travers cette fresque démoniaque traite de la question du pouvoir et de son ascension aux prises avec des stratégies de séduction et de manipulation. Où le prétendant pour accéder au trône devient la figure du mal absolu, au service d’une ambition machiavélique et sanglante, qui interroge également la force rhétorique du langage et de sa machination, capables d’asseoir un dessein.

Une pièce monstre

Mais la pièce déploie aussi la tragédie d’un homme manipulateur et solitaire qui utilise sa rancœur comme une arme et se sert du ressentiment des êtres qui l’entourent pour alimenter sa propre perversité.

Et dans cette fuite en avant se lit aussi l’imaginaire déjà grotesque de Shakespeare et son goût pour une théâtralité exacerbée. Car Richard use de tous les artifices du théâtre à l’instar de la mise en scène et de son acteur-roi : séduction, manipulation, composition, imprécation, masque et fait de sa conquête du pouvoir un enjeu exaltant, indomptable, divertissant et une démonstration implacable, sarcastique et ravageuse de la radicalité humaine cachée en tout homme.

Dès son entrée en scène, le comédien fait sensation fort d’une aisance et d’un timbre qui font circuler le verbe, offrant en même temps un visage grimaçant ou souriant.

La Famille d’York vient de conquérir le royaume d’Angleterre. Henri VI a été tué, Edouard IV règne. Son frère, Richard de Gloucester, monstre difforme et mal aimé supporte mal cette paix qui s’installe. il en sera donc le trouble-fête vénéneux et tragique. Il entame une sanguinaire marche au trône en faisant assassiner son frère Clarence, puis, son autre frère, le roi lui-même.

Dès lors, plus rien ne l’arrêtera pour se débarrasser de tous les gêneurs – ennemis comme amis -, avec beaucoup de facilité, là où l’ horreur de Richard III n’est pas Richard, mais le résultat d’un processus collectif qui prend aussi ses racines dans sa lignée déjà fratricide.

La mise en scène d’une lisibilité et d’une intelligence parfaites – joue à merveille la carte Shakespearienne avec ses différents degrés de théâtralité qui oscillent entre réalité et fiction, tragédie et bouffonnerie, focalisant des scènes aussi visuelles que puissantes. Le tout porté par une direction d’acteurs exceptionnels.

Dans le pur esprit brechtien dont Matthias Langhoff est l’héritier, il déroule la tragédie selon une lecture à la fois brute et distanciée.

La troupe de jeunes acteurs emmenée par l’incroyable Marcial Di Fonzo Bo passe de rôles en rôles et insuffle à la représentation une énergie enivrante. La réappropriation du texte, du sens et de la langue ainsi que le déplacement des corps toujours en alerte, font de ce Richard III une figure intemporelle.

A partir d’une aire de jeu transformée en arène à ciel ouvert propre au théâtre élisabéthain, à l’abri d’un plateau incliné, un décor baroque et un mélange des époques, elle est un écrin fulgurant et tonitruant à ce théâtre de bruit, de sang et de fureur. Bravo !

Dates : du 12 au 15 mai 2022 – Lieu : La Villette (Paris)
Mise en scène : Matthias Langhoff

Le retour théâtral et triomphal de Mats EK à Garnier

Danseur et chorégraphe suédois, Mats Ek a commencé sa carrière comme metteur en scène de théâtre et n’a opté pour la danse qu’en 1973, lors de son entrée dans le Ballet Cullberg dont il sera le directeur artistique de 1985 à 1993. Il y signera une trentaine de chorégraphies, toutes innovantes.

Ses lectures provocantes de Giselle (1982), du Lac des Cygnes (1987), de La Belle au Bois dormant (1996) ou de Carmen (2002) ont fait sa célébrité. De retour au théâtre dans les années 1990, Mats Ek y fera danser les acteurs. Il travaillera également pour la télévision (La Vieille et la Porte, en 1991, un film ayant sa mère pour interprète).

Sa danse physique et expressive non dépourvue d’humour, s’imprègne de toute la dimension intime, charnelle, guerrière, jusqu’auboutiste de l’héroïne de Bizet, qui voit les corps exacerber l’urgence fiévreuse, la provocation et la liberté.

La Carmen de Mats Ek est une femme sulfureuse et dominatrice qui brûle d’un désir ardent et d’une combattivité émancipatrice, comme le symbolise la longue traîne rouge de la danseuse, étendard de tous les combats et de toutes les victoires. Le chef d’œuvre de Bizet se charge alors d’une dimension guerrière et passionnelle, violente et triviale, empreint d’une tension dramatique.

Une danse sensorielle

Après l’entracte, on découvre sur la Sonate en si mineur pour piano de Liszt, Another place, un pas de deux. Il met en scène un homme et une femme jeunes, vêtus d’habits de ville, qui se cherchent sans jamais se trouver. Et explore sans relâche l’histoire d’un couple emporté par l’usure du quotidien aux prises entre l’évitement, la fuite et un rapprochement irréconciliable. Une alternance de mouvements entre impulsion et rupture qui déploie dans une veine théâtrale facétieuse si propre au chorégraphe, des sauts vifs et des cambrures franches, dans une dialogue aussi intime qu’irrésolu.

Sans transition le programme se poursuit avec l’arrivée d’une vingtaine de danseurs sur scène juste avant la première note du Boléro, qui font bloc face à un homme avec un seau d’eau dont il verse le contenu dans une baignoire, répétant ainsi son geste inlassablement. Tout autour de lui, des individus travaillent, se battent, tombent, aiment : l’humanité se donne à voir. Par deux, par trois, par cinq ou même en solo, les 20 danseurs, en combinaison unisexes anthracite à capuche faussement uniforme, entrent et sortent en groupes plus ou moins grands, seuls ou en duo, au rythme des entrées instrumentales, du thème et du contre-thème, tandis que, le vieil homme poursuit inexorablement son parcours et son geste immuable de remplissage.

Dans un mouvement parfaitement réglé, la chorégraphie suit le lent crescendo de la musique et son effet d’entrainement hypnotique. Le groupe focalise au rythme de la partition entre répétition et altération, l’instant fatidique et libérateur où le vieil homme se jette dans le bain pour un effet aussi saisissant que salvateur. Bravo !

Dates : du 7 mai au 5 juin 2022 – Lieu : Palais Garnier (Paris)
Chorégraphe : Mats EK