Personal Shopper, film inabouti de Olivier Assayas (Festival de Cannes 2016)

Présenté en compétition officielle à Cannes, Personal Shopper est un film traitre. Il ne choisit pas son genre, reste entre deux eaux et déstabilisé forcément le spectateur en quête d’une lecture claire, codée, rangée.

Impossible de dire s’il s’agit d’un film d’horreur, d’un thriller et pourquoi pas d’une pseudo romance par procuration. Olivier Assayas propose une immersion dans le monde des Personnal Shopper, incarné par Maureen et jouée par Kristen Stewart (Café Society, Sils Maria). Elle achète bijoux et vêtements de haute couture pour le compte de sa riche cliente qui n’a pas le temps de s’y consacrer. Un métier qu’elle déteste presque autant que celle pour qui elle travaille. Mais cela lui permet de payer son loyer parisien. Jusqu’au jour où tout va basculer.

Mais l’histoire ne se limite pas à ça. La jeune femme avait un jumeau. Depuis son décès dans la capitale, elle n’a de cesse d’attendre un signe de lui depuis l’au-delà. Ses dons de médium lui permettent parfois d’entrer en contact avec des présences fantomatiques, qui s’incrustent avec surprise dans le scénario.

Le thriller qui accable la Personal Shopper a du mal à intégrer pleinement la dimension de la quête fantomatique qui occupe la médium. Alors que le scénario semble en difficulté, une vraie proposition est toutefois faite en dénouement. Cette dernière aurait reçu toute mon adhésion si la dualité d’intrigues avait été mieux orchestrée. Le film aurait sans doute mérité d’être digéré une première fois pour soigner davantage un scénario dont les murs porteurs sont nus et apparents. La surprise manque, la lecture est téléphonée. Les hypothèses sont conjecturées. Et la déception pointe.

Personal Shopper se prend les pieds dans le tapis, manque certainement la marche à peu de choses. Le film porte en lui une prise de risque qui aurait pu aboutir à un chef d’œuvre. On a vraiment l’impression d’être passé à côté de quelque chose qui aurait pu être grand. C’est dommage autant que c’est raté.

Maureen, une jeune américaine à Paris, s’occupe de la garde-robe d’une célébrité.
C’est un travail qu’elle n’aime pas mais elle n’a pas trouvé mieux pour payer son séjour et attendre que se manifeste l’esprit de Lewis, son frère jumeau récemment disparu.
Elle se met alors à recevoir sur son portable d’étranges messages anonymes…

Julieta : peinture d’Almodovar sur la douleur des mères (Festival de Cannes 2016)

Avertissement : cette chronique dévoile quelques aspects de l’intrigue, dont l’effet de surprise repose en grande partie sur la mise en scène. 

Une énième fois en compétition officielle, Almodovar expose dans son dernier film Julieta la douleur d’une mère punie par la vie.

Avant d’être mère, Julieta était une jeune femme épanouie et amoureuse. L’amour de sa vie, pêcheur de profession, décide de partir en mer après une dispute, malgré les mauvaises conditions météorologiques. Il ne s’en sortira pas. Sa disparition soudaine va plonger la famille dans le deuil et anéantir durablement la jeune maman. C’est sa fille, pré-ado, qui va s’occuper d’elle avec amour avant de décider, à sa majorité, de partir se recueillir en retraite.

Pour une raison inconnue la jeune fille ne donnera plus signe de vie à sa mère. Après le deuil de son amour, Julieta subit celui de sa fille. Une douleur immense mêlée à une profonde incompréhension. Mais alors qu’elle se refusait de penser à sa fille, une amie dit l’avoir croisée par hasard une semaine plus tôt. Tout le passé de cette mère blessée ressurgit alors avec émoi.

L’histoire de Julieta ne se résume pas à une jeune fille qui disparaît et refait surface en bouleversant sa mère. Almodovar livre surtout un aperçu émotionnel des épreuves qui jalonnent l’existence d’une mère. Cette femme blessée, endeuillée et abattue se raccroche à la moindre lueur d’espoir dans de grands bouleversements.

Le pitch paraît minimaliste surtout quand on a assisté à l’exercice de style du réalisateur. Il excelle une fois encore dans une mise en scène de haute volée. Almodovar peint une véritable toile sous nos yeux. Un tableau vierge où les traits courent anarchiquement, épousent des formes mystérieuses et ne dévoilent leur évidence que dans leur finalité. Une toile de mères de tous âges et de tout temps. Un sujet universel et ô combien intemporel, traité avec beaucoup de symboliques.

Servi par des actrices que l’on n’a pas l’habitude de voir – et ça fait du bien – le personnage de Julieta contraint à la performance de l’excès. Mais n’est-ce pas un mal nécessaire quand on parle de mères en détresse ? On pourrait en effet reprocher quelques débordements émotionnels, quelques larmes ou tremblements de trop, mais sans excès un Almodovar ne serait pas un Almodovar. Le film n’a pourtant pas fait l’unanimité sur la croisette, loin de là.

Ce Julieta qui ne me faisait pas franchement envie (j’avais lu le synopsis et la bande annonce avant, chose que je préfère d’ordinaire faire après). Mais il est pour moi l’un des favoris pour la Palme d’Or. Verdict ce soir avec le palmarès de la compétition officielle du Festival.

Julieta s’apprête à quitter Madrid définitivement lorsqu’une rencontre fortuite avec Bea, l’amie d’enfance de sa fille Antía la pousse à changer ses projets. Bea lui apprend qu’elle a croisé Antía une semaine plus tôt. Julieta se met alors à nourrir l’espoir de retrouvailles avec sa fille qu’elle n’a pas vu depuis des années. Elle décide de lui écrire tout ce qu’elle a gardé secret depuis toujours.
Julieta parle du destin, de la culpabilité, de la lutte d’une mère pour survivre à l’incertitude, et de ce mystère insondable qui nous pousse à abandonner les êtres que nous aimons en les effaçant de notre vie comme s’ils n’avaient jamais existé.

Paterson, poésie décalée de Jim Jarmush (Festival de Cannes 2016)

Paterson est conducteur de bus. Il porte le prénom de sa ville. Ville sinistrée mais ville de poètes, au premier rang desquels William Carlos Williams. Amateur de strophes, Paterson ne quitte jamais son petit carnet secret où il écrit ses poèmes dès qu’il a un moment.

Film poétique et hautement décalé, Paterson affiche les jours de la semaine qui défilent dans le quotidien rangé de ce brave trentenaire et de son entourage : son improbable compagne, son chien qu’il tolère par amour, son collègue et ses amis du bar du coin. Jim Jarmush décompose un quotidien fade qui n’émeut personne à l’exception de Paterson, incarné avec brio par Adam Driver (Star Wars 7).

Personnage à l’allure presque burlesque, notre poète chauffeur de bus trouve son inspiration dans ce rien qui rythme sa vie. Il livre des vers bruts, sans rime, sans figure de style, sans artifice. Une poésie sans poème.

Alors que tout semble l’enfermer et le contraindre dans une routine qu’il subit, on découvre peu à peu sa grande liberté intérieure. Cet homme est un extra terrestre qui trouve son bonheur dans trois fois rien. Bien qu’il n’ait pas le talent que sa compagne – totalement perchée – aimerait lui prêter, on se laisse séduire par ses histoires faites de boîtes d’allumettes et autres bizarreries. Paterson est un esprit libre qui voit des choses que d’autres ne voient pas. Au delà des mots qu’il griffonne, sa vision du monde et son inspiration font le poète. Elles sont aussi le poème.

Paterson n’est pas un film sur l’écriture. C’est une poésie sur l’âme du poète. Une comédie douce qui convoque incongruité et second degré et parvient parfois à amadouer. Le pari n’était pas gagné. Avec ce grand rien répétitif à outrance, Jim Jarmush réalise un exercice aussi loufoque que difficile. On a de quoi être décontenancé. L’absence d’un scénario plus élaboré est un vrai handicap plus qu’un coup de génie. On aurait aimé suivre une histoire plutôt qu’un almanach aux relents insipides. Heureusement, la photographie recherchée, le ton inattendu et inspiré du film ainsi que le casting sauvent le film.

Paterson demeure une insondable promenade au pays de la poésie qui nous impose un dilemme : a-t-on aimé ou non ? Impossible de trancher.

Ce film a été présenté en Compétition officielle au 69e Festival de Cannes (2016).

Paterson vit à Paterson, New Jersey, cette ville des poètes – de William Carlos Williams à Allan Ginsberg aujourd’hui en décrépitude. Chauffeur de bus d’une trentaine d’années, il mène une vie réglée aux côtés de Laura, qui multiplie projets et expériences avec enthousiasme et de Marvin, bouledogue anglais. Chaque jour, Paterson écrit des poèmes sur un carnet secret qui ne le quitte pas…

The Last Face : farce de la croisette

Sean Penn a offert, et de loin, le pire film de la croisette avec The Last Face présenté ce matin. Le réalisateur offre une contre performance inédite dans l’histoire du cinéma et du Festival, faisant d’un sujet grave une comédie involontaire atrocement immonde.

The Last Face suit des médecins du monde en Sierra Leone dans les années 2000. Tandis que la guerre civile fait rage, le conflit est introduit par un court texte faisant figure de prologue improbable du genre : « Ce conflit sanglant ne peut être compris par les occidentaux que comme un amour impossible entre un homme… et une femme. » Immédiatement, les rires éclatent dans toute la salle. Le film n’a même pas commencé, il montre déjà toute son absurdité.

L’histoire, vaut-elle qu’on en parle, est d’une stérilité intersidérale. Deux medecins du monde tombent amoureux entre les obus, les viols, les épurations et les sols jonchés de cadavres. Les images atroces à répétition n’ont aucune lecture narrative. Des successions de plans de guerre qui cachent l’évidence : il n’y a pas d’histoire. Du remplissage qui exacerbe d’autant plus les dialogues, lorsqu’il y en a. Et autant dire que le dialoguiste du film devait être aux toilettes pendant la demi-heure où le film a été écrit. Et le stagiaire qui le remplaçait s’est soit trompé de film (pensant faire une parodie) soit saoûlé comme un cochon avant de prendre son poste.

On a droit à un florilège de formules incroyables. « C’est pas choper, c’est aimer » dit un Jean Reno surréaliste et décalé. On n’en revient pas. La salle est hilare. La farce est totale. The Last Face ne sera heureusement pas le dernier visage du Festival de Cannes…

Le générique de fin généreusement hué, on se passe un coup d’eau froide sur le visage. Oui, ce film a réellement existé. Il est à Cannes. On ne pensait pas que le scandale de cette année serait celui de la honte ou au moins de l’embarras. Et il aurait été fou de penser qu’il viendrait de Sean Penn. Une belle perle.

Au Libéria, pays d’Afrique ravagé par la guerre, le docteur Miguel Leon, médecin humanitaire, et le docteur Wren Petersen, directrice d’une ONG, tombent passionnément amoureux l’un de l’autre.
S’ils sont tous les deux engagés corps et âme dans leur mission, ils n’en sont pas moins profondément divisés sur les politiques à adopter pour tenter de régler le conflit qui fait rage.
Ils devront surmonter leurs clivages et le chaos qui menace d’emporter le pays tout entier – sous peine de voir leur amour voler en éclats…

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